Si los bancos hablaran, guardarían en su madera las conversaciones, las dudas y las decisiones que han pasado ante ellos sin dejar rastro. El Banco, en el Teatro Lara, convierte esa idea en una convención escénica directa y eficaz. Javi (Javier Ruíz-Bobillo) regresa al parque de siempre, ese que fue testigo silencioso de su infancia, de rutinas y de amistades pasadas. Allí, por azar o destino, conoce a Reyes (Reyes García), una figura inesperada que desencadena una sucesión de conversaciones, confesiones y fricciones. Desde ese encuentro, la obra despliega una comedia de ritmo ágil entre el humor, la memoria y las decisiones que terminan por perfilar una vida.
El arranque no sigue un camino convencional, pero deja muy claro qué propone el montaje. Desde ese primer momento, la obra fija una convención teatral nítida, con reglas del juego y una lógica escénica propias, alejadas del realismo cotidiano. Ese pacto ficcional define el código de lectura y, de forma tan ingeniosa como poco frecuente, confía en la inteligencia del espectador, al que no guía de la mano ni protege con explicaciones innecesarias, sino que le ofrece las herramientas básicas para orientarse y participar activamente de este juego escénico. A partir de ahí, el montaje construye casi de inmediato un vínculo íntimo, sostenido y profundamente teatral entre los intérpretes y el público, una complicidad que atraviesa toda la función y se convierte en uno de sus mayores logros.
Ese planteamiento inicial encuentra su desarrollo en el libreto, una creación colectiva de Elena N. Esperilla, Reyes García, Javier Ruíz-Bobillo y Adrián Pulido. Los autores dibujan al personaje masculino como una figura reconocible del presente, atravesada por expectativas heredadas y por una forma de estar en el mundo que rara vez se detiene a revisarse. Desde ahí, el texto observa con lucidez el lugar desde el que se articula el relato: un punto de vista masculino expuesto y relativizado, filtrado por la ironía. Frente a esa voz, el banco funciona como contrapunto simbólico y dramático, un espacio de escucha y acompañamiento que devuelve preguntas y desplaza la mirada hacia lo común y lo cotidiano.
A partir de ese diálogo, el texto despliega una reflexión sobre el éxito, la normalidad y la pertenencia sin convertirla en discurso dogmático ni en tesis cerrada. Todo ello descansa en un manejo consciente y preciso de los recursos teatrales. Los personajes se ríen del propio texto y de lo que dicen, apoyándose en una base de comedia del absurdo que aporta ligereza y humor. Esa ironía metateatral aligera el discurso y refuerza la relación cercana y cómplice con el público. Siendo todo esto un acierto, el montaje habría ganado fuerza con la incorporación de un conflicto más terrenal, capaz de tensar con mayor claridad el recorrido dramático.
La dirección de Adrián Pulido parte de la conciencia de que, en un montaje como este, no resulta imprescindible entender cada pieza por separado para captar el sentido del conjunto. El también actor y dramaturgo coloca todos los elementos sobre las tablas y confía en la intuición y la imaginación más que en una lógica estrictamente narrativa. Esa elección refuerza la complicidad con la sala y convierte la escena en una experiencia abierta y sugerente, tanto para quien mira como para quienes la habitan, dentro de una dirección viva y permeable. En ese marco aparece también un componente cinematográfico, tanto implícito como explícito, perceptible en la creación de atmósferas y en el uso de imágenes sencillas cargadas de significado, con ecos —más sensoriales que referenciales— de ciertos universos de Luis Buñuel o del humor absurdo y humanista de José Luis Cuerda.
Sobre estos mimbres, Javier Ruíz-Bobillo y Reyes García logran meternos en la narración desde el primer momento, apoyados en una gracia sevillana y en la iluminación intimista y cambiante de Roberto del Castar, que refuerza la cercanía y la verdad escénica.
Javier Ruíz-Bobillo aporta buena parte de la profundidad del montaje. Compone un personaje desorientado, casi arquetípico dentro del absurdo, marcado por la inseguridad y la falta de rumbo, pero lo hace desde una fragilidad muy humana. Su evolución a lo largo de la función resulta especialmente notable. Desde ahí, Ruíz Bobillo (Hombre Desnudo, Peer Gynt o el enigma de ser uno mismo) construye una interpretación empática y permite al espectador reconocerse en sus dudas y contradicciones.
Por su parte, Reyes García (Santa Juana de los Mataderos, El mayor encanto, amor) compone una presencia cercana, similar a la de ese amigo que abraza, escucha, no juzga y permite ser sin exigir explicaciones. No hay complacencia en su trabajo: su interpretación resulta firme, decidida y consciente, capaz de sostener el peso simbólico del personaje sin diluirlo en la ternura. A ello se suma una gestualidad expresiva, precisa y elocuente, al servicio del texto y de su presencia escénica.
El Banco no pretende convencer ni sentar cátedra; solo escuchar, acompañar y ayudar a crecer y a creer en uno mismo. Como si todo eso resultara fácil… Quizá por eso, al terminar, apetece simplemente sentarse un momento más y seguir ahí, sin necesidad de nada más.
Dramaturgia: Una creación colectiva de Elena N. Esperilla, Reyes García, Javier Ruíz – Bobillo y Adrián Pulido.
Dirección: Adrián Pulido
Reparto: Reyes García, Javier Ruíz Bobillo
Ayudantía de dirección: Leyre Morlán y Elena N. Esperilla
Mundo sonoro: Tejona
Diseño de vestuario: Cristina Carmona
Dirección de movimiento: Carolina Nekka
Iluminación: Roberto del Castar
Cartelería: María Solanes
