En este sentido, de Castro asume que puede «haber consecuencias» por las letras «tan controvertidas» de sus canciones, que están inspiradas «en las mujeres que lideraban la escena teatral de principios del XX». «Expresan los tabúes de esta época, igual que ellas lo hacían», ha dicho. El grupo, formado también por Miguel Rodrigáñez (contrabajo), Jorge Vera (piano), y Gonzalo Maestre (batería y percusión), presenta con este concierto su nuevo disco, ‘Sonora’, que ha sido grabado íntegramente en la localidad norteamericana de Tucson (Arizona). Durante el espectáculo, ‘De La Puríssima’ estará acompañada por la Orkesta Mendoza y el Cuarteto Quiroga. «Traemos unos colaboradores de primera línea. Va a salir genial», ha asegurado Julia de Castro. Para la cantante, es un «riesgo» y un «honor» actuar en el Teatro de la Zarzuela, algo que considera «difícil» pero también «un regalo». «¿Qué loco programa a alguien que no tiene un circuito mediático en España?. Esto es un antes y un después para nosotros», ha subrayado en referencia al director del teatro, Daniel Bianco. Una cantante con «apellido de artista» En la misma línea, Bianco ha afirmado que desde el momento que programó el concierto sabía que iba a traer a una persona que «no era conocida», pero la primera vez que la escuchó tuvo «la sensación» de que «nunca antes» había visto a alguien como ella, algo que, según ha asegurado, «con pocas personas» le ha pasado. Asimismo, ha definido a De Castro como una cantante «con señas de identidad propia» y que mantiene una relación con el público «con un magnetismo que poca gente tiene». «Me gustaría presentarla como una cantante con apellido de artista», ha dicho. El director del Teatro de la Zarzuela ha manifestado que prefiere trabajar con gente que tenga «muchas ideas» y «mucha ilusión», porque, en su opinión, «un teatro es una caja de sueños». Por ello, ha asegurado que la música de ‘De La Puríssima’ es «una provocación artística» que le interesa y que «no deja indiferente». Innovación, mezcla de géneros y provocación Las señas de identidad que definen a esta banda madrileña son la innovación, la mezcla de géneros, una cuidada puesta en escena, el sentido del humor, la provocación y la interacción con el público. Además, sus influencias van desde The Bad Plus y Bill Evans a Lilian de Celis, pasando por Robert Gordon, Billie Holiday, Scott Lafaro, Raquel Meller, Eartha Kitt, Calle 13, Mina o Keith Jarret, entre otros. Respecto a su evolución musical, Julia de Castro ha explicado que al principio tuvieron un «interés muy fuerte» por la música napolitana, que luego pasaron al jazz y que posteriormente lo mezclaron con el cuplé. «Lo que pase después del día 9 será lo que viene después de esto. Hemos introducido la electrónica que es algo insólito para nosotros y voy a cantar algo de zarzuela por primera vez», ha comentado. Sobre el Teatro de la Zarzuela, ha destacado que el espacio le «impone muy positivamente» y que le «excita» estar ahí. «Es un honor actuar en un escenario creado por Daniel (Bianco). Es un escenario que lo da todo», ha concluido.

El Teatro de la Zarzuela acogerá durante 17 funciones, desde el 6 al 28 de mayo, la versión libre de Enrique Viana, que también firma la dirección de escena, del montaje conjunto de ‘Enseñanza libre’, compuesta por Gerónimo Giménez y estrenada en 1901, y de ‘La gatita blanca’, creada por Giménez y Amadeo Vives y presentada en 1905. «Es una experiencia nueva en la que le hemos dado la vuelta al teatro», ha afirmado el director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, encargado de la escenografía en la producción. De este modo, las seiscientas butacas del patio han sido sustituidas por el escenario, un suelo de espejo que convierte a la lámpara de más de 600 kilos de la sala en una protagonista más de la obra. El público ocupará, además de los palcos de los diferentes pisos, el escenario verdadero del teatro, donde se han instalado unas gradas que albergarán a más de 200 personas. En el Teatro de la Zarzuela no se quitaban las butacas para acoger un espectáculo desde 1922 con el ‘Circo ecuestre americano’. El encargado de la dirección musical será Manuel Coves, que estará al frente del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, que ocupará un foso situado en la zona de la sala donde está la puerta principal de acceso al público. Además, el reparto coral, que está acompañado por un cuerpo de 20 bailarines, está integrado por la mezzosoprano Cristina Faus, la cantante Roko, la actriz Gurutze Beitia, la mezzosoprano María José Suárez, el tenor y actor Ángel Ruiz, el barítono Axier Sánchez, el actor José Luis Martínez y los actores y cantantes Iñaki Maruri y Mitxel Santamarina. En el marco de esta iniciativa, el próximo 16 de mayo Daniel Bianco mantendrá un encuentro con pase técnico con alumnos de diversas disciplinas de Artes Escénicas. Para el director del Teatro de la Zarzuela, este espectáculo es «una gran revista» donde «los espectadores pueden abrazar a los actores». Además, ha añadido que este teatro es «pequeño pero noble» y que su acústica les «ha ido muy bien» en este proyecto. Dos obras con «mucho interés musical» Por su parte, Enrique Viana ha señalado que hace este montaje con «muchísima ilusión» porque la música es «indiscutiblemente buena» y porque aprecia «mucho» al maestro Giménez. Concretamente, ha destacado que se trata de dos obras del género chico «bastante corales» y con «mucho interés musical». «Tengo cariño al género chico porque me hizo pasar buenas tardes de pequeño», ha precisado. Respecto a su adaptación, Viana ha asegurado que ha puesto ‘Enseñanza libre’ «al servicio» de ‘La gatita blanca’. Así, ha subrayado que ha dejado «todo el argumento» de ‘La gatita blanca’, una obra que, a su juicio, tiene un texto «menos ofensivo». En este sentido, ha explicado que, aunque le «gusta mucho el humor de lo absurdo», no quiere tener «nada que ver» con algo que «sea ofensivo». «Quiero algo divertido con lo que el público salga contento», ha dicho. La música y las letras igual que las originales Sobre la música de Gerónimo Giménez y Amadeo Vives, Viana cree que «Vives debe más a Giménez que Giménez a Vives» y ha afirmado que la música y las letras son «exactamente las que eran». En la misma línea, el director musical del espectáculo, Manuel Coves, ha asegurado que se cree si le dicen «que la obra es de Giménez y que no aparece Vives en ningún momento». Precisamente, ha resaltado que el «sello» de este doble programa es «la melodía y la orquestación del maestro Giménez». Sin embargo, ha añadido que sin la «excelente implicación» musical y actoral de todos «esto no sería posible». «O todos están en un nivel mucho mayor que en un montaje convencional o esto no funciona», ha declarado. Por último, la cantante Roko se ha mostrado «muy agradecida» por poder estar haciendo esta obra que, para ella, está siendo «un aprendizaje brutal» y que se lo está «pasando muy bien» con sus compañeros. «Creo que este montaje va a sorprender y no va a dejar indiferente», ha concluido.

El actor Aarón Cobos estrenó el pasado 20 de abril en Washington la versión en español del musical ‘In the Heights’, con el que el Teatro GALA concluye su 41 temporada ‘¡Con tu propio Acento!’, y que ha permitido al intérprete sentirse en Estados Unidos «como en casa» tras las dificultades que ha encontrado en España. Cobos ha explicado la dificultad de encontrar trabajo en el sector teatral en España tanto a lo largo de su trayectoria como en la actualidad. De hecho, ha admitido, «fue un punto en el que verdaderamente no merecía la pena seguir apostando por algo que al final no merecía la pena para uno mismo. No hablo sólo de proyectos de crecimiento artístico y nuevos retos, sino de los salarios extremadamente irrisorios, o de trabajar literalmente gratis». Respecto a esta ‘fuga de cerebros’ en España, el actor ha lamentado que «su repercusión tendría que alarmar más de lo que lo hace». «Me entristece que un país como el mío tenga que perder a gran parte de sus trabajadores más cualificados y con tanto talento. Desearía que España pudiera volver a tener una edad dorada y fuera un referente social, económico y artístico, y no solo vacacional y festivo», ha asegurado. Por todo ello, se mudó a Nueva York, «su sueño», para descubrir un mundo de posibilidades y oportunidades y unirse a la versión española de la producción musical ‘In The Heights’ que ha ganado cuatro Premios Tony y que fue nominado al Premio Pulitzer de Drama del 2009. Como ha destacado, para él y su carrera, «era el momento de tomar una decisión y saltar». Así, el actor ha afirmado que por ahora no piensa regresar a España, pese a asegurar «amar» el país y sus raíces: «no pasa nada si nos trasplantamos o nos injertamos en tierras más fértiles donde podamos ser nosotros mismos y seguir creciendo». «En España ya tenía la sensación de estar empujando un muro inamovible. Veía grandes injusticias dentro del sector cultural y artístico (crisis, subida del IVA, cierre de cines y teatros) y también injusticias consecuentes hacia nosotros», ha relatado, por lo que ha reiterado que en Nueva York se siente «como en casa». Nacido en Alicante en 1984, Cobos se mudó a Madrid en 2005 para unirse al musical de Mecano ‘Hoy no me puedo levantar’ y desde entonces ha participado en producciones musicales españoles como ‘Aladdin’, ‘High School Musical’, ‘Mamma Mia’, ‘My Fair Lady’ o ‘Priscilla, Reina del Desierto’. «Un mensaje mundial» El espectáculo ‘In the Heights’ cuenta la historia de los amores, las esperanzas y las desilusiones de una comunidad inmigrante latina tenaz frente a los cambios demográficos en el barrio de Washington Heights, lleno de influencias hispánicas con los ritmos hip hop, salsa y merengue. A este respecto, Cobos ha expresado que está muy orgulloso de su sangre y herencia y que es «un placer» representar al mundo latino «sin caer en los estereotipos de las drogas o en la violencia». Además, ha detallado que el argumento transmite «un mensaje mundial, universal para todo el que quiera escuchar» por lo que se ha mostrado confiado en que «esta producción inspire y le dé poder al público, en este momento histórico en el que el tono político ha denigrado a las ‘minorías'», refiriéndose a la política de Trump. «La producción es como un hogar, porque todos vivimos y convivimos juntos. Somos ‘casa’, porque casa es donde decidimos ser y estar. Y no aceptar esto sería algo así como no aceptar que podemos vivir sin respirar. Es una realidad le pese a quien le pese», ha añadido. El musical ‘In the Heights’ ha sido concebido por Lin-Manuel Miranda, autor también de las letras, con libreto de Quiara Alegría Hudes, mientras que Luis Salgado es el director y coreógrafo de la producción y Walter «Bobby» McCoy es el director musical. Esta producción cuenta con subtítulos en inglés y español, y se representará en la ciudad americana hasta el 21 de mayo.

La joven compañía de teatro, cuplé y cabaret ‘Livianas Provincianas’ se subirá al escenario de El Umbral de Primavera, en el madrileño barrio de Lavapiés, todos los viernes del mes de mayo para hacer revivir al público las canciones que cantaban sus abuelas, desde un punto de vista «feminista y divertido». Las dos actrices de la compañía, Irene Domínguez y Paloma García-Consuegra, que apenas rozan la treintena, recuperan en el espectáculo ‘Es mi hombre’ las canciones de célebres cupletistas como Sara Montiel, Olga Ramos o la Argentinita. El ‘show’ ya ha pasado por escenarios como Matadero Madrid o el Teatro de La Abadía. Las protagonistas son ‘la Berta’ y ‘la Reme’, dos modistas de pueblo que han llegado a Madrid huyendo de su pasado y que intentarán ganarse la vida en la capital en su propio taller de costura clandestino a base de esfuerzo, puntadas, cuplés y sentido del humor. En su repertorio van engarzando grandes clásicos como ‘La llave’, ‘La regadera’, el ‘Ven y ven’ o ‘La chica del 17’, canciones que rezuman picaresca y doble sentido, con las que las cupletistas de principio de siglo intentaban evadir la censura. Además, ‘la Berta’ y ‘la Reme’ estarán acompañadas en el escenario por un desconocido pianista, el actor Juando Martínez Montiel, que pondrá música a las voces de las ‘Livianas Provincianas’. El director es Carlos Tuñón, la dramaturgia de la pieza corre a cargo de Sergio Adillo y el artista Antiel Jiménez es el encargado de la plástica teatral del show. Las entradas saldrán próximamente a la venta y se podrán adquirir a través de la página web ‘http://elumbraldeprimavera.com‘. Las funciones tendrán lugar todos los viernes de mayo a las 22,30 horas excepto el viernes 26, a las 23,00 horas. Además, la compañía ha lanzado una campaña de ‘crowdfunding’ (financiación colectiva a través del micromecenazgo) para poder comprar un nuevo sistema de sonido para el ‘show’. Los interesados pueden participar a través de la plataforma Verkami (http://vkm.is/livianasprovincianas) y podrán recibir a cambio productos de ‘merchandising’ y otras sorpresas personalizadas.

El Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March han presentado este viernes 21 de abril la ópera de cámara ‘Mozart y Salieri’, una leyenda de «admiración» y «destrucción» que acusa al compositor Antonio Salieri de haber asesinado a Wolfgang Amadeus Mozart y que podrá verse en siete representaciones del 22 al 2 de abril ne la sede de la fundación. El maestro Borja Mariño es el responsable de la dirección musical y de la intepretación al piano, mientras que Rita Cosentino está al frente de la puesta de escena de esta producción, de Nikolái Rimski-Kórsakov, basada en un libreto del propio compositor inspirado en la obra homónima de Aleksandr Pushkin. El director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, ha señalado durante la rueda de prensa que esta obra, estrenada en estreno privado para piano en 1897 y de manera oficial un año después, refleja la «rivalidad conocida» entre ambos compositores y propone una «fantasía» según la cual Salieri envenenó a Mozart por «envidia». Por su parte, Cosentino ha señalado que se trata de «un drama muy profundo y complejo» a la vez que aborda por un lado la «envidia», traducida en «la admiración y en la destrucción del otro», de manera que «la felicidad se basa en la miseria del contrario». Sin embargo, en esa «destrucción y contienda», Salieri encuentra la «destrucción» y «se queda solo en la miseria». El destino del compositor es, según ha explicado Cosentino, «la muerte de Mozart», un desenlace que, sin embargo, se muestra «ambiguo» en esta producción y deja la «duda» al espectador acerca de si se trata de un envenenamiento real o solo una ilusión que Salieri tiene en su cabeza. Sin embargo, ha resaltado que sí existía «rivalidad» entre ellos, puesto que ambos estaban en Viena y se disputaban la misma ciudad. Asimismo, la directora de escena ha señalado que esta ópera también habla de la «problemática del arte, puesto que Salieri se «atormenta» con el «espejo de Mozart» en el que ve sus «sus debilidades» y reflexiona sobre las dos manera de entender la creación: la importancia de «la chispa que nace de forma natural» y el «trabajo que ha sido aprendido minuciosamente». Videocreaciones Las videocreaciones entran en juego en esta producción como «un nivel de lectura más», según ha destacado Cosentino, y le sirve a nivel artistico para dar «rienda suelta» a su propuesta y profundizar en la dramaturgia, como si se tratara de un «tercer personaje». No obstante, el director del Teatro de la Zarzuela ha precisado que no se trata de un espectáculo audiovisual, sino solo «un vehículo más para contar esta historia». El barítono Ivo Stanchev interpreta a Salieri en una trama en la que, según sus palabras, «se ha roto la amistad y se ha quebrado el amor en su estado puro». Por su parte, el encargado de poner voz a Mozart es el tenor Pablo García López, que ha buscado la «verdadera esencia» del compositor y la imagen de «persona sensible y con sentido familiar, y ha explorado el «terreno» en el que ambos músicos entran en confrontación. El director artístico de la Fundación Juan March, Miguel Ángel Marín, ha señalado que esta nueva coproducción entre la fundación y el Teatro de la Zarzuela, séptima edición de la serie Teatro Musical de Cámara, permite sacar del «ostracismo» una «gran ópera» que no tiene cabida en los «teatros convencionales».

La Biblioteca Nacional de España (BNE) presentará este jueves, 20 de abril, la muestra ‘Bomarzo, donde los monstruos no mueren’ con motivo del estreno de la ópera de Alberto Ginastera en el Teatro Real de Madrid. La obra reconstruye la vida y obra de un noble italiano, Pier Francesco Orsini, más conocido como Vicino, quien ha pasado a la posteridad por el jardín que hizo construir entre 1552 y 1580 en su feudo de Bomarzo: el Parque de los Monstruos (il boschetto). En la exhibición, a través de dibujos, grabados y ediciones del Quinientos, el visitante podrá identificar a los protagonistas y secundarios de la novela: las nobles familias de la península italiana y sus rivalidades y alianzas, los papas; los artistas, los hechos históricos capitales de la obra y, de fondo, la presencia de los dioses etruscos que no han dejado de habitar aquel territorio en hallazgos y restos arqueológicos, según ha explicado La BNE. La BNE se suma a otras instituciones culturales como el Auditorio de la Escuela de Música Reina Sofía y la Fundación Juan March que celebrarán conciertos de Ginastera con motivo de la representación de Bomarzo por primera vez en Europa en más de 40 años en el Teatro Real.

Incluye en la programación títulos populares como ‘Aída’, ‘Carmen’ o ‘La bohéme’, así como la producción contemporánea ‘Dead man walking’ El Teatro Real apostará en la programación de la temporada 2017-2018 por el paradigma de «obra fronteriza» con obras inéditas en España de Mozart, Zimmermann, Britten y Kurt Weill, entre otros, con las que conmemorará dos fechas importantes para la historia del coliseo madrileño: el 20 aniversario de su reapertura y los 200 años de su fundación, tal y como han destacado los responsables del Teatro este miércoles 19 de abril durante la presentación. El presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, ha señalado que en recuerdo de su historia pasada y también reciente, se ha programado ‘La favorite’ –en versión concierto–, un título que inauguró el Teatro Real, y se editarán además dos libros sobre la historia del coliseo: un texto de Joaquín Turina que desvelará los entresijos desde 1997, y otro de Rubén Amón que recorrerá los dos siglos de recorrido a través de anécdotas. El director artístico del coliseo madrileño, Joan Matabosch, ha señalado que muchos de los títulos inéditos en España que llegan la próxima temporada se insertan en el paradigma de «obra fronteriza», como es el caso de ‘Lucio Silla’, de Mozart, programada para septiembre, una pieza de «gran virtuosismo» que el compositor austriaco compuso cuando tenía 16 años y que se representa «muy poco». Esto se debe, en palabras de Matabosch, a su «estatismo». También en la premisa de lo fronterizo se encuentra ‘Street scene’, de Kurt Weill, una creación basada en la obra homónima de Elmer Rice a medio camino entre la ópera y el musical que se estrenó en Broadway en 1947 y que desde entonces no ha vuelto a sus salas. «Es demasiado difícil para Broadway y muy atípica para la ópera, se diluye en la frontera de géneros», ha señalado Matabosch, quien ha agregado que Weill deja al espectador desconcertado aunque «con apertura de vista». La obra, en coproducción con la Ópera de Monte-Carlo y la Oper Köln, se representará entre febrero y junio de 2018. Por su parte, otra de las novedades en el Teatro Real, ‘Gloriana’, de Benjamin Britten, recoge el testigo del éxito de ‘Billy Budd’ en la actual temporada y presenta un montaje nacido para conmemorar la coronación de Isabel II de Inglaterra en 1953 y que, sin embargo, quedo relegada al olvido al no alcanzar las expectativas previstas por la corte. Según ha explicado Matabosch, se trata de una «reflexión sobre la soledad del poder» y la «ambición política» que muestra a un personaje «complejo», con una mente «brillante» que también esconde «celos». La obra fue tildada de «insulto intolerable» y levantó unas «ampollas» de las que aún quedan «cicatrices», según ha añadido. ‘Die Soldaten’ Entre las novedades para la próxima temporada destaca también ‘Die Soldaten’, de Bern Alois Zimmermann, una producción de la Operahaus de Zúrich y la Komische Oper de Berlín, que supone una «declaración de guerra contra las teorías aristotélicas», en palabras del director artístico del Teatro Real, puesto que no muestra «ni lugar, ni acción ni tiempo». Tal y como ha explicado, rechaza el clasicismo y el texto tiene una multiplicidad de elementos que en ocasiones si se pueden considerar escenas. Además, ha indicado que Zimmermann no pone el acento en la psicología de los personajes, sino en la situación en la que han caído. Otro asunto que cabe destacar, en palabras de Matabosch, es el planteamiento de que es la percepción humana la que sigue una «cronología», puesto que cree en la «simultaneidad». Otra de las obras que se estrenan en el Teatro Real es ‘Dead man walking’, que tras su estreno en el año 2000 ya ha pasado por 50 teatros internacionales, lo que según Matabosch es el «impacto más importante del teatro musical americano desde ‘West side story'». Esta obra, de Jake Heggie, explora medios «no tradicionales» y reflexiona sobre la influencia religiosa y sobre «el poder redentor del amor». Además, el escenario del Teatro Real acogerá también ‘El pintor’, de Juan José colomer, que debutará en la ópera con esta producción, con dirección musical de Manuel Coves y dirección de escena de Albert Boadella. Junto a estas novedades, la temporada 2017-2018 contará también con títulos populares, tales como ‘Carmen’, de Georges Bizet; ‘La bohéme’, de Giacomo Puccini; ‘Lucia di Lammermoor’, de Gaetano Donizetti; ‘Ariodante’, de Händel, y ‘Thaïs’, de Massenet (ambas en versión concierto); y ‘Aida’, de Giuseppe Verdi, que contará en la dirección musical con Nicola Luisotti. Precisamente, Matabosch ha anunciado este miércoles la incorporación de Luisotti como director asociado, con el compromiso de dirigir una ópera en cada una de las próximas cuatro temporadas. En danza, destaca ‘Carmen’, del Víctor Ullate Ballet; ‘Sorolla’, del Ballet Nacional de España; la Dresden Frankfurt Company; o el Royal Ballet, entre otros. En cuanto a las voces del real que actuarán en la sala principal, se encuentran Magdalena Kozena, Patrizia Ciofi; Angela Gheorghiu y Jonas Kaufmann. Preguntado por la falta de voces españolas, a diferencia de las incluidas en la pasada temporada, Joan Matabosch ha resaltado que el Teatro Real quiere contar con la excelencia y, por tanto, las voces nacionales que se incluyen esta temporada están porque tienen «un nivel digno» y no por la «obsesión» por que estén presentes.

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena La Fundación SGAE ha publicado las obras ganadoras de la I Convocatoria de Teatroautor Exprés 2016 dentro de la colección homónima que la entidad promueve con el objetivo de contribuir a la difusión de la dramaturgia contemporánea. Así, los galardonados han sido ‘Raclette’ de Santiago Cortegoso, ‘Motel Oh!’ de Félix Estaire, ‘Cruz e mayo’ de Lupe Gehrenbeck, ‘DioS K’ de Antonio Rojano e ‘hISTORIA’ de Jan Vilanova, según informa en un comunicado. La colección persigue la difusión y promoción de obras de teatro recientemente estrenadas. «Se trata de una iniciativa necesaria, que permite que los textos se conozcan y lleguen a personas y profesionales que no pudieron acudir al estreno» ha explicado el autor Antonio Rojano, quien acaba de estrenar ‘Furiosa Escandinavia’ en el Teatro Español. Así, el jurado, compuesto por los críticos y especialistas Afonso Becerra, Guadalupe Soria y Rosana Torres, ha seleccionado las obras de entre más de 21 textos enviados. Dos de los textos seleccionados estaban escritos originalmente en gallego y catalán ‘Raclette’ de Santiago Cortegoso e ‘hISTORIA’ de Jan Vilanova Claudín respectivamente. Sin embargo, ambos autores apostaron por la traducción de su obra para formar parte de esta colección, «editar la obra en castellano era una gran oportunidad, sirve como material de promoción y permite que llegue a más espectadores», ha señalado Vilanova. «Si a los autores de teatro nos cuesta mucho publicar, imagina en otra lengua. Me interesa darla a conocer en castellano pero para mí sigue siendo prioritario el montaje en gallego», ha declarado por su parte Cortegoso. En cuanto a las obras, las cinco realizan un recorrido por las «diferentes caras de esta sociedad». Así, Cortegoso explica que se trata de «cinco mosaicos» que indagan sobre las estructuras de la sociedad actual y que a veces son incompatibles entre ellas. Igualmente, ha señalado que su obra, ‘Raclette’, es un teatro «muy contemporáneo» y que «trata muchos conflictos diferentes que pertenecen a nuestras vidas». Por su parte, Gehrenbeck realiza en ‘Cruz de Mayo’ una disección sobre el matriarcado y «el desprecio con el que nuestra cultura castiga el envejecimiento», mientras que, Rojano, con ‘DioS K’ analiza los excesos y la capacidad destructiva del poder en los que se asienta un Occidente en crisis. Vilanova propone un viaje hacia la Europa más deshumanizada del siglo XX que se da la mano con el día de hoy. Casualidades encerradas en hISTORIA que «han interesado muchísimo al espectador como una forma de recuperar el pasado». Por último, Estaire escribe en ‘Motel Oh’ sobre «las alternativas de nuestros propios caminos, llenos de posibilidades y elecciones que siempre atormentan», en una obra contemporánea pero con tintes clásicos que «ofrece una extraña poesía dicha en un mundo nada poético, el universo motero».

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena El Teatro Real ha retirado de la vía telemática la venta de asientos adaptados a personas con discapacidad tras detectar la existencia de «determinados supuestos de adquisición de estas entradas por personas en que no concurría tal condición», pero este colectivo puede hacer uso del canal telefónico y las taquillas. El Comité Español de Representantes de Personas con Discapacidad (CERMI) ha denunciado esta decisión ante la Oficina de Atención a la Discapacidad (OADIS) del Consejo Nacional de la Discapacidad. «El Teatro Real es una institución plenamente comprometida con las políticas de apoyo a la discapacidad», han explicado fuentes de la institución cultural, que han precisado que «la ausencia de venta de las entradas reservadas a personas con discapacidad a través de Internet se ha debido hasta ahora a la existencia de determinados supuestos de adquisición de estas entradas por personas en que no concurría tal condición». En este sentido, han destacado que «habida cuenta de que existen canales suficientes de venta (teléfono y taquillas, que cuentan con acceso adaptado de acuerdo con los principios de accesibilidad universal y diseño para todos), se consideraba más garantista de los derechos de las personas con discapacidad el prever exclusivamente estas dos formas de venta». No obstante, han recordado que el Teatro Real trabaja «desde hace tiempo» en el desarrollo de un sistema informático que permita que las personas con discapacidad puedan adquirir dichas entradas a través de Internet, pero «con las suficientes garantías de que son para ellos». Denuncia del Cermi Por su parte, el CERMI ha denunciado ante la Oficina de Atención a la Discapacidad (OADIS) del Consejo Nacional de la Discapacidad al Teatro Real de Madrid por retirar la posibilidad de comprar entradas en espacios reservados a personas con discapacidad mediante canales telemáticos. Según ha señalado, el organismo la denuncia pretende dar traslado a las quejas de organizaciones y particulares con discapacidad que han expresado su malestar por la decisión del Teatro Real de «impedir a los espectadores con movilidad reducida beneficiarse de la venta telemática, exigiéndoles trámites más gravosos e incómodos, cuando justamente la directriz debería ser la contraria, la facilitación del acceso en todas sus fases, también en la adquisición de billetes». Finalmente, ha pedido a la OADIS que investigue estas denuncias y, tras comprobar su veracidad, «exija al Teatro Real la inmediata corrección de estas malas prácticas y el establecimiento de un sistema respetuoso con los derechos de las personas con discapacidad, que ofrezca apoyos y facilidades efectivos, y destierre cualquier trato excluyente». «Ningún bien cultural a disposición del público puede presentar barreras a las personas con discapacidad, que han de tener garantías de acceso para su completo uso y disfrute», ha concluido.

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena AISGE, la sociedad de gestión de derechos de autor de directores de escena, dobladores, actores y bailarines españoles, presentó, este jueves 30 de marzo tras haberse cumplido el centenario de su nacimiento, la biografía del actor español José Bódalo, escrita por el periodista e investigador Carlos Arévalo, según informa en un comunicado. El acto, presentado por el vicepresidente de la entidad, Fernando Martín, contó con la participación del conocido intérprete Joaquín Kremel y del autor del libro, que desgranaron algunas habilidades y aspectos de la manera de trabajar del protagonista. Kremel declaró que se trata del actor que más le ha «impresionado», y que «era estar delante de alguien muy grande». En este sentido, añadió que Bódalo «inoculó a muchos jóvenes de entonces el veneno del teatro». «Siento nostalgia por Bódalo y demás gentes que nos enseñaron el camino», señaló. Por su parte, Arévalo aseguró que Bódalo «era tan querido y admirado por la profesión y por el público que todo el mundo lo recuerda con una sonrisa». Al acto asistieron además numerosos compañeros de profesión del homenajeado como Álvaro de Luna, Fernando Chinarro, María Fernanda D’ Ocon, Paloma Paso Jardiel, Enriqueta Carballeira, Vicente Cuesta, Carmen Segarra o Vicente Gisbert.

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha convocado la duodécima edición del Concurso Nacional de Teatro Clásico Grecolatino de los centros docentes, una iniciativa con la que busca «difundir la lectura y la representación teatral de las obras clásicas grecolatinas, los valores del mundo clásico y su vigencia en el mundo actual». Así lo ha dado a conocer este viernes 31 de marzo el departamento que dirige Iñigo Méndez de Vigo, que ha precisado se podrá participar en dos modalidades distintas. La primera, destinada al montaje y representación de obras teatrales de la tradición clásica griega y latina, para alumnos de Educación Secundaria de centros públicos y privados (Tragedia griega/latina y comedia griega –20 alumnos máximo– o comedia latina –12 alumnos máximo–) y, una segunda, a través de representaciones breves, originales o adaptadas, de fábulas, textos dramáticos, mitológicos o históricos, destinada a alumnos de Educación Secundaria Obligatoria (12 alumnos máximo). Respecto a la primera modalidad, el Ministerio ha detallado que las obras deberán ser de autores clásicos griegos y latinos y la representación de la obra tendrá una duración de entre 45 y 65 minutos. También ha indicado que, en la segunda, las obras además de autores griegos o latinos, podrán estar inspiradas en obras o temas de la Antigüedad Clásica y tendrán una duración de entre 15 y 20 minutos. En relación con la solicitud de participación, ha explicado que se deberá realizar por parte del centro educativo a través de la Oficina Virtual del Ministerio (https://sede.educacion.gob.es sección ‘Trámites y servicios’), entre el 1 y e 30 de abril. De esta forma, en la categoría de tragedia griega/latina o comedia griega, el Ministerio ha establecido un primer premio de 8.000 euros y un segundo de 3.000 euros; en la categoría de comedia latina, un primer premio de 6.000 euros y un segundo de 2.000 euros; y en la categoría de representaciones breves, un primer premio de 4.000 euros y un segundo de 1.000 euros. En la final, participarán seis grupos, dos por cada modalidad. Finalmente, el Ministerio ha asegurado que, con este concurso, quiere apoyar «el valor pedagógico de los montajes teatrales, incrementar el conocimiento y valoración de la tradición grecolatina en los centros educativos y favorecer su difusión entre toda la comunidad escolar, como referente para la práctica docente».

  Foto: Teatro Real El escenario del Teatro Real alberga desde este viernes 24 de marzo y hasta el próximo 5 de abril una inmensa casa de muñecas por la que transitan los protagonistas de ‘Rodelinda’, de Georg Freidrich Händel. La obra se ha estrenado por primera vez en España en coproducción con el Gran Teatro del Liceu, junto con las óperas de Frankfurt y Lyon y el público madrileño ha respondido con entusiasmo, aplausos y bravos. La banda sonora de este particular ‘juguete’, en el que se escenifican luchas de poder pero también un canto al amor conyugal, corre a cargo de la orquesta titular del coliseo madrileño, que ha mudado su piel para interpretar la música barroca, en compañía de dos claves, una tiorva y un órgano. Cuenta con libreto de Nicola Francesco Hyam, basado en otro de Antonio Salvi cuya inspiración es la obra ‘Pertharite, rois des Lombards’, de Pierre Corneille, y fue estrenada en Londres en 1.725. Entre las autoridades que han acudido a la Ópera, se encontraban la vicepresidenta del Gobierno, Soraya Sáenz de Santamaría; el ministro de Educación Cultura y Deporte y portavoz del Gobierno, Íñigo Méndez de Vigo, la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena; o el consejero catalán de Cultura, Santi Vila. Todos ellos, forman parte de los patronatos de ambos coliseos, que previamente a la representación han celebrado una segunda reunión conjunta en Madrid, y posteriormente celebrarán una cena. ‘Rodelinda’ se desarrolla en Milán, en el palacio de los reyes de Lombardía, donde la reina, devastada por la supuesta muerte de su esposo, el rey Bertarido, y ante su miedo por el futuro de su hijo Flavio trata de desafiar al dictador Grimoaldo, quien ha usurpado el trono y trata de convertirla en su esposa para consolidar su poder. El director de escena, Claus Guth, ha recreado una «gran mansión con diferentes niveles en la que los personajes aspiran a subir». Este edificio, una construcción de estilo georgiano en plena campiña inglesa, está inspirado en una de la época de Händel, pero sobre todo se asemeja a esas casas de muñecas que adornaban los cuartos infantiles. Como en aquellas los muñecos, en esta, Flavio, interpretado por Fabián Augusto Gómez, ejerce de hilo conductor y testigo mudo del devenir de los acontecimientos, y proyecta en los muros de ese particular hogar sus temores en forma de pesadillas, miradas y dibujos infantiles. El espectador puede observar todos los ángulos gracias al movimiento giratorio de la edificación. Espía cada estancia, cada altura, el interior, y la fachada, en medio de un cielo estrellado, y en la que incluso se proyectan las sombras de los árboles en la noche. Es sobre todo el vestuario el que actualiza la obra, que en realidad repasa temáticas atemporales y muy actuales, como los conflictos familiares o la vulnerabilidad de los menores convertidos en testigos de multitud de avatares, ya sea domésticos o históricos. Desde el patio de butacas se comprueba también cómo los libretos, al contrario que la obra original, otorgan a la mujer el protagonismo principal, una fémina que responde de modo ‘moderno’ a los desafíos a los que se enfrenta. Con un elenco doble, en el estreno la soprano Lucy Crowe se ha metido en la piel de la fiel, leal y astuta Rodelinda, mientras que el tenor Jeremy Ovenden interpreta al anodino, maleable y a su vez encantador dictador Grimoaldo. Junto a ellos, el contratenor Bejun Mheta ha ejercido de destronado y falsamente muerto esposo Bertarido, de carácter contradictorio, y el bajo Umberto Chiummo se ha colgado el disfraz del maquiavélico Garibaldo. La mezzosoprano Sonia Prina interpreta a la intrigante Eduige y el contratenor Lawrence Zazzo al aliado encubierto Unulfo. Los mayores elogios se los han llevado esta noche Rodelinda y Bertarido, junto con el director de orquesta, Ivor Bolton, la propia orquesta y el director de escena.