El teatro Sanpol de Madrid estrenará el próximo domingo el musical ‘Aladino y la lámpara’ que podrá verse hasta el 9 de abril. Se trata de una nueva versión musical, a cargo de la Compañía La Bicicleta, de los cuentos de las ‘Las mil y una noches’ ambientada en un Oriente Mágico. La música está compuesta por H21, el mismo equipo de producción de ‘La isla del tesoro’ y que también realizaron la versión de la ‘La flauta mágica’ de Mozart con la que el teatro Sanpol obtuvo el Premio Gran Vía al mejor espectáculo familiar del año 2007. En el reparto de ‘Aladino’ figuran algunos de los integrantes de La Bicicleta, compañía que puso en escena ‘Caperucita Roja’, que ha obtenido un gran éxito de público esta temporada. El inquieto e idealista Aladino estará interpretado por Quim Capdevilla; la hermosa princesa Badulbudur por Adriana Vaquero; el rey juguetón por Víctor Benedé, la valerosa madre por Natalia Jara, el visir por Miguel Cazorla y el genio de la lámpara por Carlos London. Personajes que, junto a otros de la fábula oriental y a alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos, y a genios de mal genio, parecen surgir de una lámpara encantada. La obra se pondrá en escena a partir de este domingo, 12 de marzo, a partir de las 17,30 horas.

El Teatro de la Comedia de Madrid acoge, desde el próximo día 8 hasta el 26 de marzo, el drama político ‘La judía de Toledo’ de Lope de Vega, versionada y dirigida por Laila Ripoll, que define al texto como «Lope en estado puro». El espectáculo se representa con motivo del 25 aniversario de Micomicón Teatro, que coproduce la obra junto a la Compañía Nacional de Teatro Clásico. La obra ha sido presentada este lunes 6 de marzo por Laila Ripoll, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, y los actores Manuel Agredano, Federico Aguado, Ana Varela, Mariano Llorente, Elisabet Altube, Teresa Espejo, Marcos León y Jorge Varandela. El texto de Lope de Vega, que este año cumple su 400 aniversario, es, según Laila Ripoll, un drama político donde los hombres de poder se comportan de manera reconocible en muchas actitudes que se pueden ver hoy, algo que «interesa» e «inquieta» a la directora. Además, Ripoll ha afirmado que en este texto «espléndido» hay un espectáculo posible lleno de «lecturas complejas, momentos desconcertantes, deslumbrantes de belleza e inquietantes», y que se trata de una obra «muy política y de amor», con un «aire de misterio sobrenatural» que la hace «muy interesante». Por otro lado, la directora ha comentado que han situado la obra en un «pasado cercano», en los años 60 y 70, ya que no «resultaba interesante» situarla en la actualidad. «Sin tocar el texto no chirría que vayan vestidos más o menos contemporáneos», ha añadido. Para Ripoll, se trata de una historia «de poder, de amor y de misterio», de un drama político en el que el rey hace «vejación» de sus funciones por estar con su amante, una temática que, a su juicio, «a cualquiera le llama». En la misma línea, Helena Pimenta ha comentado que como no se trata de un texto «cotidiano» permite que el público alcance un conocimiento y una sensibilidad que «no tiene en su vida normal». Asimismo, ha manifestado que se trata de uno de los espectáculos «más esperados y más queridos», ya que es un «grandísimo» espectáculo y un título «absolutamente necesario». Por otro lado, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha destacado que es un «honor» recibir a Micomicón y compartir esta producción y que es una «delicia» apuntarse con ellos al desarrollo del proyecto. Por su parte, el actor Mariano Llorente, que da vida a Garcerán Manrique, ha dicho que en el teatro hay lenguajes y signos, como el vestuario, que se «superponen y conviven» en el espectáculo para darle una «mayor riqueza» y que añaden «otras cosas» al teatro. De este modo, Llorente ha añadido que con este montaje el espectador va a percibir algo «más rico» que si se hubieran vestido con «calzas y bolillas». Escrito por: AgenciaFotografía: Masescena

«Como dramaturgo, estaría encantado de que Trump gobernara en España, porque me afilaría la dentadura» Albert Boadella estrenará este miércoles 8 de marzo en los Teatros del Canal ‘El sermón del bufón’, un espectáculo en el que el dramaturgo reflexiona sobre distintas artes y realidades de la sociedad, entre las que se incluye la situación actual de Cataluña, donde «hay un conjunto importante de ciudadanos que están enfermos mentales». Así lo ha explicado Boadella en rueda de prensa para presentar esta obra, culpando a los dirigentes catalanes de «inducir a la paranoia». «Es la patología más sencilla de transmitir, crear paranoicos es muy fácil: unos desvergonzados han jugado con los sentimientos de arraigo de la gente y ha funcionado», ha lamentado. De hecho, el director teatral ha llegado a comparar esta inducción a la paranoia con la actuación de los dirigentes alemanes en los años 30, antes de la II Guerra Mundial. «Convirtieron una sociedad culta en una sociedad despreciable que llegó a los límites a los que llegó. Que los catalanes estén paranoicos con el resto de españoles no tiene justificación ninguna», ha señalado. ‘El sermón del bufón’ cuenta con guión y dirección del propio Boadella y supone su regreso por primera vez a los Teatros del Canal, tras ocho años ejerciendo como director. La obra, que estará un total de cuatro días consecutivos y ya tiene todas las entradas agotadas, parte de la idea de llevar a escena un texto que en principio iban a ser unas conferencias. Boadella ha explicado que no se trata de «un ajuste de cuentas con nadie», si bien hace un repaso a su trayectoria vital en el que salen nombres como los de Jordi Pujol o el Rey emérito Juan Carlos. «Me habría encantado ser bufón si Juan Carlos I hubiera tenido corte, porque es un gran cachondo y habría dado mucho de sí», ha comentado con humor. Respecto a Pujol –a quien ha calificado como «capo mafioso»– ha contado una anécdota sobre uno de sus hijos que recibía clases de expresión del dramaturgo en «una escuela pija». «Era un alumno insoportable, no paraba de armar jaleo y le pedí que saliera de clase. Como se negaba, le di dos cachetazos, pero creo que le tendría que haber pegado más fuerte», ha afirmado. Los «camellos» del arte El actor ha sido preguntado también por otros líderes como el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, de quien ha llegado a asegurar que le habría «encantado» que llegase a gobernar en España porque, como dramaturgo, se «afilaría la dentadura». «Para los titiriteros es una suerte tener dirigentes tan radicales, aunque para los ciudadanos sea una putada», ha ironizado. «La maldad es teatral, somos como cuervos que aprovechamos las calamidades que la sociedad ha tenido que sufrir. No podemos justificar la sátira, pero lo que nos mueve es ese espectro de maldad con personajes sórdidos y brutales. Mira a Hitler lo que ha dado de sí», ha justificado. La reflexión de Boadella alcanza al mundo del arte, donde dice que hay «unos camelos impresionantes». «Se intenta acomplejar a los incautos amateurs que se acercan a él. Cuando alguien dice que es artista contemporáneo me muero de la risa ¿Pero que otra cosa puedes ser sino? Hay arte bueno y malo y, para mi, lo que tiene que hacer es interesar a los espectadores», ha incidido. Teatro «Antisectáreo» Respecto a la decisión del Ayuntamiento de Madrid de cambiar los nombres de las salas Max Aub y Fernando Arrabal del centro Matadero, se ha mostrado a favor. «Hay que tener mucho cuidado con poner nombres contemporáneos a salas, hay que esperar, no es como con Lope de Vega o Moliere. Por ejemplo, el nombre de Fernán Gómez también me parece inadecuado, no porque no tenga simpatía, pero no hay justificación suficiente», ha lamentado. Asimismo, ha defendido su labor al frente de los Teatros del Canal, recordando que propuso una programación «antisectárea». «Los artistas tenemos tendencia a construir una secta alrededor, pero yo actué más de gestor que como artista. Hice un teatro pensando en todos, no solo en mis gustos, porque era dinero público y los impuestos son una cosa muy importante y lo más democrático que existe», ha concluido. Escrito por: AgenciaFotografía: Maescena

* Ofrecerá 24 espectáculos y 139 funciones en 31 municipios de la región, del 3 al 26 de marzo En esta edición, el festival crece llevando sus propuestas a nuevos escenarios como el Teatro Pavón Kamikaze, la Sala Alcalá 31 y el Auditorio Fundación RealeFacilita la inclusión de niños y jóvenes con discapacidad intelectual, visual o sorderaCompañías de prestigio internacional, como la italiana TPO y la canadiense DinamO Theatre, protagonistas el primer fin de semanaCalderón de la Barca y Lewis Carroll entre los autores universales que inspirarán los diferentes montajes Teatralia, el Festival Internacional para niños y jóvenes de la Comunidad de Madrid, vuelve a los escenarios de la región a partir de mañana y hasta el 26 de marzo, en la que es ya su vigésimo primera edición y que contará con 24 espectáculos y 139 funciones. Se trata de una cita imprescindible que apuesta por el teatro de calidad para todos los públicos y que convoca a las mejores compañías nacionales e internacionales que trabajan para un público infantil y juvenil exigente. En esta edición, el festival crece llevando sus propuestas a nuevos escenarios como el Teatro Pavón Kamikaze, la Sala Alcalá 31 o el Auditorio Fundación Reale, patrocinador oficial en esta edición. Presente en 31 municipios, Teatralia presta especial atención a la diversidad de públicos, de géneros y edades, y tampoco olvida a los espectadores con necesidades especiales, facilitando la inclusión en el disfrute de la cultura a personas con discapacidad intelectual, así como otras afectadas por sordera o discapacidad visual. Las tendencias más actuales en materia de teatro, danza, circo, música, títeres y sombras componen la muestra de este año. El festival ofrece creaciones para todas las edades (de 0 a 18 años) que se complementan con talleres, espectáculos en hospitales y una gran campaña escolar con 58 funciones en colegios e institutos de toda la región. Clásicos y vanguardia para todos los públicosEn esta XXI edición, se entrelazan los clásicos de la literatura con la vanguardia más actual. Podrán verse personajes de siempre como ‘Gretel y Hansel’ de la mano de Le Carrousel, una compañía que aunque hacía tiempo que no visitaba España, ha presentado sus prestigiosos espectáculos en numerosas ocasiones en nuestro país. Los Hermanos Grimm vuelven a estar presentes en los títeres de ‘El zapatero y los duendes’ de Manicomio de Muñecos, y William Shakespeare llega bajo una mirada diferente en un ‘Romeo y Julieta de bolsillo’, obra de gran comicidad a cargo de la compañía Criolla. En la programación también están presentes otras obras literarias de altura como el ‘Moby Dick’, de Melville, en versión de Teatro Gorakada, en un espectáculo alabado por público y crítica; y la ‘Alicia’ de Lewis Carroll, que vivirá un último sueño con la compañía El Retablo, mientras Hamed y Mara sobreviven a la guerra a través de la fantasía en ‘Maravilla en el país de las miserias’, de Átikus Teatro. Además, visitarán el festival prestigiosas compañías internacionales de la talla de Le fil rouge théâtre (‘Enchantés’), David DynamO Théâtre (‘Devant moi, le ciel’), Théâtre Motus (‘Elisapi y las auroras boreales’), Ljubljana Puppet Theatre (‘Lamparita, Guisante y Pluma’) o Le Clan des Songes (‘Fragile’). La programación de más de tres semanas se completa, entre otros, con ‘Alegría, palabra de Gloria Fuertes’, que conmemora el centenario de la escritora y su legado a través de escenas inspiradas en sus cuentos, poesías y personajes. En el festival, además, se impartirán talleres con el objetivo de seguir acercando las disciplinas artísticas a los alumnos. El artista Aitor Saraiba compartirá con los más pequeños un taller de dibujo para dar rienda suelta a la imaginación, mientras que la compañía canadiense Théâtre Motus jugará con el teatro de sombras y DynamO Théâtre propondrá un taller lleno de diversión a través del movimiento. Presencia de compañías internacional en el primer fin de semana‘Pop Up Garden’, de la prestigiosa compañía italiana TPO, será el espectáculo encargado de inaugurar el festival el viernes 3 en la sala Verde de los Teatros del Canal. “Un universo visual, colorido y sonoro, recreado gracias a tecnologías interactivas, en correspondencia con una coreografía que nace de pequeños jardines de ensueño”, según la revista Télérama. ‘Devant moi le ciel, Ante mí el cielo’, es otro de los platos fuertes de este fin de semana. El teatro físico de los canadienses de DinamO Theatre habla de la importancia de estar abierto a los demás y de la resiliencia, la capacidad insondable que nos permite avanzar a pesar de las dificultades y los momentos más difíciles. Será en el Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas y en el Centro Cultural Paco Rabal en Palomeras Bajas. Diferentes versiones de ‘Alicia en el país de las maravillas’ y ‘La vida es sueño’Dos actrices escenifican con danzas, máscaras, objetos y otros recursos teatrales algunas de las escenas de ‘Alicia en el país de las maravillas’. En esta ocasión, Alicia debe realizar el último y definitivo sueño de la niñez, enfrentarse al mundo de los adultos, no para verlo desde fuera, sino para ingresar en él. ‘Alicia’, de la compañía El Retablo, estará también este fin de semana en Vadeolmos-Alalpardo y en Madrid, en Cuarta Pared. A La Casa Encendida llega ‘Y los sueños sueños son’, de la compañía Tropos Teatro de Títeres y La Tirita de Teatro. Una versión contada a través de títeres que ha obviado el verso, pero respeta las grandes cuestiones que plantea la obra. Este montaje ha sido finalista en los premios MAX 2015 y en el último certamen Barroco Infantil del Festival de Almagro. El sábado 4 y el domingo 5 (esta última función con audiodescripción para personas con discapacidad visual). Con el hilo, considerado en muchas culturas como la representación de la vida de una persona, comienza el espectáculo ‘Retahilando’ de la compañía madrileña Eugenia Manzanera. Un espectáculo de teatro y música para niños a partir de cuatro años que se podrá disfrutar este fin de semana en Leganés (viernes 3 marzo), Valdemorillo (sábado 4 de marzo) y Majadahonda (domingo 5 de marzo). Finalmente, ‘Sin palabras (se las llevó el aire)’, de LaSal Teatro, se podrá ver el sábado 4 de marzo en Hoyo de Manzanares. El espectáculo, que ganó el premio al Mejor Espectáculo para Primera Infancia en FETEN 2016, está dirigido a bebés a partir de seis meses. Con luz onírica y música evocadora dos chicas duermen tranquilas, como si nada pudiera alterarlas. Pero llega el aire sin avisar, sin preguntar, sin parar, tocando todo lo que encuentra a su paso. Escrito por: Nota de prensaFotografía: Teatralia

La obra ‘Furiosa Escandinavia’, Premio Lope de Vega 2016, llegará el próximo 9 de marzo al Teatro Español para recuperar la famosa ‘magdalena de Proust’ y en la que sus personajes pasarán del presente al pasado para bucear en «el duelo amoroso». ‘Furiosa Escandinavia’ es un texto de Antonio Rojano que estará en el Español hasta el 16 de abril y cuenta con la dirección de Víctor Velasco. Los actores Francesco Carril, Sandra Arpa, David Fernández e Irene Ruiz dan vida a unos treinteañeros en Madrid –en un futuro «cercano y no distópico», según Rojano– desesperanzados con sus vidas actuales. En esta obra no será el mordisco de una magdalena lo que active el recuerdo del pasado, sino unas pastillas que llevarán a sus protagonistas a «intentar resolver su duelo amoroso a través de la imaginación», como ha explicado Carril. No obstante, la obra proustiana estará muy presente en todo el texto y sustenta gran parte de los diálogos. «Es cierto que está basada en Proust y, sobre todo en sus mecanismos de la memoria, pero yo no los robo para hacer una versión de ‘En busca del tiempo perdido’, sino para una cosa nueva», ha indicado Rojano. Así, en ‘Furiosia Escandinavia’ se trata de «captar un tiempo que se desmorona sobre otro», al igual que Proust hablaba de una «burguesía fría y acomodada». «Quería hablar de cómo un joven se enfrenta a ese mundo, con una mirada al futuro de dolor y desesperanza, sin esperar cosas positivas», ha indicado el dramaturgo, a pesar de reiterar que, pese a este aparente tono oscuro, el público también se encontrará con muchos momentos de humor. La exploración además de distintas técnicas narrativas a un texto teatral suponen otro de los retos de esta pieza, que en manos de Velasco pasa a «privilegiar el viaje interior con la imaginación». «La ficción puede ser más verdad que la realidad. No necesariamente hay que viajar a Escandinavia para haber estado allí», ha apuntado el director teatral. Los ‘voyeurs’ El motivo del título de esta obra responde a motivos ‘líricos’ –aunque culmina en un fiordo noruego–, si bien en un principio iba a llamarse únicamente Escandinavia. «Ya había otra obra con ese nombre y quería distinguirla. El adjetivo ‘furiosa’ parece que genera una estancia con cierta incertidumbre y sobre todo también más poesía», ha indicado. La escenografía será un apartamento que «tiene algo de set de ‘Gran Hermano'», con grandes dosis realistas. «Vemos casi toda la acción como si estuviéramos siendo ‘voyeurs’ y las dificultades espaciales se conciben como un viaje interior», ha apuntado Velasco, quien recuerda la película ‘La ventana indiscreta’ para usar como ejemplo. Tokyo ya nos quiere Hay otras influencias en torno al texto como podrían ser la película ‘Olvídate de mí’ o el libro de Ray Loriga ‘Tokyo ya no nos quiere’. «Pocas veces como actor uno siente que tiene tanto que ver con su texto. Es un elogio a la imaginación y cómo puede salvarte, lo que creo que conecta con la base de nuestro oficio», ha reconocido Carril. La directora del Teatro Español, Carme Portaceli, ha defendido la llegada de la «creación joven» a un teatro público, que debe de «potenciar» esto. «Hay que poner los medios para que estas obras se realicen de una manera digna: últimamente estamos acostumbrados por los problemas económicos a que se hagan con una mano delante y otra detrás», ha concluido. Agencia

El asentamiento minero de Chacabuco se convirtió, tras el golpe militar del general Pinochet, en un campo de detención para quienes se oponían a la dictadura. Hoy, solo queda un pueblo fantasma en medio del desierto. Combinando drama, música y vídeo, el director belga Fabrice Murgia, uno de los artistas más celebrados de la escena emergente europea, se deja llevar por las narraciones de los supervivientes, los poemas de Neruda y la voz de Violeta Parra para guiar al público en su última creación, Children of Nowhere (Ghost Road 2). La pieza, un poético viaje sobre la memoria, la vejez y la acción, podrá verse por primera vez en Madrid tres únicas noches, del martes 7 al jueves 9 de marzo, a las 19.30 horas, en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía de la mano del XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid.

El actor Roberto Álvarez ha afirmado que, entre otros casos, observó al violador de Ciudad Lineal para dar vida al padre del drama sobre incesto y pedofilia, ‘Festen’ de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov, adaptada al teatro por Bo Hr. Hansen y versionada y dirigida por Magüi Mira desde el próximo 3 de marzo al próximo 9 de abril en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid. La obra, producida por el Centro Nacional Dramático, es para Magüi Mira un análisis «lúcido» del «fascismo latente» en la sociedad «clasista y patriarcal» actual. El texto trata, además del incesto y la pedofilia, la «brutal» cohesión de la hipocresía social. ‘Festen’ ha sido presentada este miércoles 1 de marzo en el Teatro Valle-Inclán por Magüi Mira y los actores Roberto Álvarez, Carolina África, Carmen Conesa, Manu Cuevas, Karina Garantivá, Gabriel Garbisu, David Lorente, Jesús Noguero, Clara Sanchis e Isabelle Stoffel. Sobre el caso del pederasta, Roberto Álvarez ha subrayado que si se coge «exclusivamente» su testimonio ante el juez «casi le crees», ya que sostiene «absolutamente» que es inocente y que le produce «la mayor abyección posible» hacer eso a unas niñas. Otro caso en el que se fijó el actor para interpretar su papel es un vídeo de Facebook en el que una chica graba a su padre para que confiese que la violó «desde que era muy pequeña hasta los dieciséis años». Para Álvarez, era «alucinante» ver la reacción del padre, que «es nada», y que en un momento determinado culpa a la mente humana de sus actos. Durante el acto de presentación, Magüi Mira ha manifestado que tenía la «necesidad vital» de llevar a escena el texto «desde hace muchos años», ya que es un texto «salvaje», en el que hay «brutalidad» pero también «ternura y belleza», y que es «un bofetón a las conciencias podridas y a las conciencias dormidas». En la misma línea, Magüi Mira ha comentado que es una historia «muy farragosa y muy difícil de concretar», y que es un tema «que no se vende porque la gente quiere mirar hacia otro lado», por lo que el texto, a su juicio, también habla de una «hipocresía que parece pactada para mantener el sistema injusto en el que vivimos». Igualmente, la directora y actriz ha destacado que en la obra se busca que «el padre pida perdón», por lo que «hay una necesidad de establecer justicia pero no venganza». Para Mira es un «privilegio» dirigir a gente «tan talentosa» como el equipo que forma parte de la obra, por lo que ha agradecido a sus «maravillosos» compañeros por aceptar la propuesta y ha añadido que ahora están en «momentos de mucho vértigo» y que falta por ver la llegada al espectador. Por su parte, Carmen Conesa, que interpreta el papel de madre, ha manifestado que Magüi ha llenado el espectáculo de «pequeñas gotas de metáfora que hacen bello una cosa tan terrorífica». Por ello, en su opinión, la obra muestra «la parte oscura y negra de lo bello». De este modo, Conesa ha comentado que esas metáforas llevan a entender «este microcosmos que es esta familia», que representa la hipocresía de una sociedad en la que parece que «todo está bien» pero que en el fondo «todo está bastante podrido». A la hora de interpretar a su personaje, la actriz decidió hacer lo que hacen sus perros. «Cuando veo que no entiendo algo, miro a mi marido (Roberto Álvarez) como me miran a mí mis perros, le miro y solamente le miro, porque no puedo entender cómo una madre puede entrar en una habitación y ver a su hijo sometido por el padre y cerrar la puerta y sigue la vida», ha declarado. Por otro lado, Isabelle Stoffel, que interpreta el papel de la hija Linda, ha afirmado que su personaje ve «como única solución» el suicidio, algo que, a su juicio, le pasa a «mucha gente». Igualmente, la actriz ha añadido que entiende que «si alguien no se tira de un balcón no aparece en los medios». Finalmente, Stoffel ha destacado que su personaje «ya está liberada» porque se ha quitado «el peso de la vida terrenal que vivía». Por ello, la actriz ha intentado entender «por qué el agresor hace este tipo de cosas», pero que es «muy difícil meterse en ese lugar». Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscena

El Teatro Campos afirma que el artista no podrá acudir por «compromisos profesionales» El espectáculo ‘Te odio, pero como amigo’, de Jorge Cremades, previsto para los días 31 de marzo y 1 de abril en el Teatro Campos de Bilbao se ha pospuesto hasta una fecha «aún por confirmar». «El artista, sintiéndolo mucho, no podrá acudir a Bilbao en las fechas previstas por compromisos profesionales», ha indicado el centro artístico en un comunicado. La devolución de las entradas vendidas se realizará por el mismo canal en el que se hizo la compra. Los espectadores que hubieran adquirido sus localidades en la taquilla del teatro tendrán que presentarlas en dicho lugar para proceder a la devolución dentro de los horarios de la taquilla del teatro. Para todas aquellas personas que adquiriesen sus entradas a través del servicio de Internet, venta telefónica o cajero, se anularán de forma automática y el importe será reembolsado en su cuenta. El ingreso se efectuará en los próximos días. Para más información o cualquier consulta se puede contactar con el teléfono de taquilla: 94 443 86 10. Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscena

Con la incorporación de la actual Dirección del Festival en el mes de febrero de 2010 (dos meses antes de la presentación de la programación de la 33ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro) la precaria situación económica del mismo llevó a entender que existía una deuda económica pendiente de ser saldada. Tras un meticuloso estudio de las partidas contables se cifró la misma en un importe total de 1.342.217,83€, una cifra muy superior a la que en un primer momento se pudo presumir. Esta cantidad se dividía en dos tipos de acreedores: Entidades Financieras (por líneas de crédito y préstamos suscritos): 949.934,75€Proveedores y empleados: 392.283,08€ Tras una profunda reflexión sobre cómo proceder, la decisión que se adoptó desde la Dirección del Festival fue la de reformular el presupuesto inicialmente previsto para la 33ª Edición y así lograr afrontar las deudas a proveedores y empleados, algo que se entendió como absolutamente prioritario. Logrado este primer objetivo se trataría de rebajar, en la medida de lo posible, la deuda con las entidades financieras. En Junta de Patronato, a 21 de Diciembre de 2.010, se pudo comunicar que la deuda heredada con proveedores y empleados había quedado liquidada y que la deuda con las entidades financieras se había logrado minorar hasta los 920.943,84€. Ello suponía un recorte total de un 31,39% respecto a la deuda inicial. Lamentablemente, la difícil situación económica que se estaba viviendo y los recortes notables que sufrió el Festival (su presupuesto para la 34ª Edición descendió un 28,83% respecto a la edición anterior) hacían prácticamente imposible destinar algo del presupuesto a seguir amortizando la deuda heredada. Lo que sí logró el equipo de Dirección fue una renegociación de las líneas de crédito y préstamos con las entidades financieras, reduciéndose notablemente los costes financieros derivados de las mismas. Ante tal situación, la nueva propuesta financiera planteada por la Dirección del Festival y el impulso desde aquélla a través de una fórmula de gestión, los patronos del Festival decidieron aunar esfuerzos y llevar a cabo aportaciones extraordinarias que permitiesen eliminar la deuda financiera existente. En este sentido se acordó, en sesión celebrada por el Patronato de la Fundación el día 28 de febrero de 2.011, la asunción de la referida deuda atendiendo a los porcentajes de titularidad de cada patrono en la Fundación: INAEM: 46%Junta de Comunidades de Castilla la Mancha: 41%Diputación Provincial de Ciudad Real: 7%Excmo. Ayuntamiento de Almagro: 6% Cada patrono propuso un calendario de pagos para poder asumir y dar cumplimiento a su compromiso. Es un placer para esta Dirección el poder comunicar que a 31 de diciembre de 2016 ha quedado amortizado el 100% de la deuda heredada. Agradecemos enormemente el esfuerzo de nuestros patronos así como el del propio equipo del Festival por el impulso e insistencia en lograr que el Festival alcanzase este objetivo. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: FITCA

  CaixaForum Madrid ha acogido, este viernes 24 de febrero con motivo del 30 aniversario de la fundación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, un homenaje al actor y director de teatro Adolfo Marsillach, durante el cual su hija, Blanca Marsillach, ha subrayado que «Marsillach sigue siendo Marsillach», y ha añadido que «pruebas son amores y no buenas razones». En el acto han participado, además de su hija, los actores Juan Ribó, Silvia Marsó, Carlos Hipólito, Magüi Mira, Emilio Gutiérrez Caba, Mercedes Lezcano y Juanjo Artero; el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; y la responsable del programa de Personas Mayores de la Obra Social ‘la Caixa’, Cristina Segura. Durante el encuentro, el secretario de Estado de Cultura ha afirmado que los grandes saltos culturales «no los hacen los políticos», sino que los hacen personas «creativas que redefinen el lenguaje teatral» y que «forman y potencian» una generación de actores, como, a su juicio, Adolfo Marsillach. Para Fernando Benzo es «motivo de orgullo» sentarse con la gente del teatro, algo que, según ha comentado, hace con «muchísima humildad». Sobre Marsillach, Benzo ha destacado que es una «referencia constante» y que tiene la sensación personal de que ha formado parte de su vida y de su crecimiento, entre otros motivos porque, en su opinión, «se parece horrores» a su padre. En el marco de este homenaje, organizado por Varela Producciones, la compañía de Blanca Marsillach y la Obra Social ‘la Caixa’, que también ha contado con la presencia de diez personas mayores que participan en la obra ‘Entre versos y Marsillach’, acompañados por la actriz Mónica Buiza, se ha presentado la ampliación de la gira de la función, que se interpreta este viernes 24 de febrero en CaixaForum Madrid. De este modo, ‘Entre versos y Marsillach’, que comenzó su andadura en septiembre de 2016 en Barcelona, ampliará su gira a once ciudades a lo largo de 2017: Alicante, Oviedo, Burgos, Málaga, Valladolid, Cáceres, Santander, Lleida, Ciudad Real, Toledo y Mallorca. Sobre la obra, Cristina Segura ha destacado la «capacidad y la vitalidad» de las personas mayores, porque, en su opinión, «las edades no reflejan el espíritu». Por ello, ha añadido que ha sido una experiencia «muy positiva». «Hombre sabio y con sentido del humor» En alusión a Marsillach, la actriz Silvia Marsó ha recordado que la experiencia «más importante» de trabajar con él era conocerle, y estar con él «día a día escuchándole». Además, ha añadido que era un hombre «sabio, con sentido del humor, ironía» y que era «muy directo», ya que «te decía las cosas tal cual», que es una de las cosas que más le gusta a Marsó de la gente. Para el actor Juan Ribó, Marsillach «influyó» en su carrera, porque fue el «primer maestro» que tuvo, ya que, según ha afirmado, fue el primero que le empujó a dedicarse al teatro. Por ello, ha manifestado que fue un «gran maestro y grandísima persona y director». En la misma línea, el actor ha subrayado que «ningún» director ha tenido la «dimensión» de Marsillach, quien, a su juicio, era una persona «muy prolífica en su talento». Asimismo, Ribó ha comentado que, aunque nunca trabajó con él, coincidió con Marsillach porque antes los actores eran «como una especie de familia», ya que, según ha dicho, se reunían «aquí y allá», algo que ahora «no existe». Escrito por: AgenciaFotografía: MasEscena

 ·        La pieza pone de relieve el misterio que anida en cada uno de nosotros y la complejidad de las relaciones humanas ·        Podrá verse en la Sala José Luis Alonso del 1 al 19 de marzo Desde el próximo 1 de marzo podrá verse en la Sala José Luis Alonso He nacido para verte sonreír, una producción del Teatro de La Abadía y el uruguayo Ignacio Fumero Ayo. Es el nuevo y esperado montaje de Pablo Messiez, con Isabel Ordaz y Nacho Sánchez como protagonistas. Otro de los grandes alicientes de esta producción será ver representado en España por primera vez un texto de Santiago Loza, figura clave de la dramaturgia actual en Latinoamérica y uno de los autores contemporáneos más representados en Buenos Aires. Un maestro en retratar personajes femeninos, con misterio, y delicadeza. Un testigo minucioso que recrea universos íntimos sirviéndose de la cultura popular. Una mirada singular que revela la extrañeza, la maravilla y el horror que habita en lo cotidiano. Santiago tiene una capacidad esencial de trasladar realidades muy complejas de una manera muy sencilla, con un impacto emocional muy fuerte. Elige las palabras con cuidado, sin dotarlas de interpretación para que el prejuicio no capture la idea, para no dejarse llevar por la censura a la hora de retratar a sus personajes. En escena, una madre se despide de su hijo mientras aguardan al padre que vendrá a buscarlos enseguida para partir a un largo viaje. De alguna manera el hijo ya se fue hace tiempo: se encerró en sí mismo, en una cápsula de hermetismo. El padre ha de llevarlo a un hospital y dejarlo internado para que se cure de su trastorno mental. En este tiempo de espera, la madre busca palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna de parte del joven. Los recuerdos le golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, una mujer que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo. Un hijo que no solo no sonríe, sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo para los demás humanos inaccesible. Para Messiez la pieza “es una perlita a la vez delicada y feroz. Un “melodrama de madre” contemporáneo. Un gran bolero. Un encuentro con la  necesidad de estar cerca, de entender qué hay antes o después de las palabras”.En palabras del propio Loza “la obra, a través de la mujer que desespera, intentar dar luz a los afectos, a los que más duelen, que también suelen ser  los que más importan. Una inmensa piedad oculta que expone lo amoroso, y desearía que quienes se acerquen, puedan conmoverse con esta historia tan cercana y frágil”. “Soy otra cosa que no sé”Esta frase supone una especie de revelación en la obra. Refleja directamente el misterio esencial que somos cada uno de nosotros, el misterio que también son los demás, y la posibilidad / imposibilidad de entendernos, conocernos, de saber quién es el otro, qué necesita, qué hace o qué quiere decir cuando dice o hace tal cosa… En el montaje no se alude al posible trastorno de manera clínica o documental, sino en clave poética. El chico simplemente tiene una percepción distinta de la realidad, a la par que es percibido como distinto por los demás. Su visión y su escucha le hacen tener una mirada quizá más incisiva sobre la realidad, sobre cosas que a nosotros se nos escapan por cotidianas. Pese a que haya una sola persona que habla en He nacido para verte sonreír, no se debe considerar como un monólogo. Otro de los aciertos del texto de Loza es hacer de la madre, un personaje absolutamente contradictorio. Hasta su modo de hablar es fiel reflejo de su paradoja: pasa de lo cotidiano, de las costumbres del hogar, a lo misterioso y arcaico, convirtiéndose en un personaje de tragedia que de repente decide alejar a lo que más quiere de su lado. De lo más conservador se mueve a lo ideológicamente cuestionable, porque lo inesperado es otra de las claves de la pieza. Todos tenemos nuestros monstruos, esas cosas que solo nosotros sabemos qué hacemos. Todos somos un misterio enorme, pero vivimos fingiendo normalidad para funcionar en sociedad. El texto cuestiona la locura y sus límites, profundizando en la complejidad de las relaciones humanas. El espacio escénico también habla sobre la contradicción de los personajes. Superposición de dos mundos: el ama de casa, la cocina y el orden doméstico, en contraposición a las ramas, lo boscoso, las sombras que expresan lo inaprensible, el misterio, lo que no se sabe… Dos mundos y dos discursos que dialogan. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: Sergio Parra  

La Fundación SGAE celebra los 40 años de la compañía La Tartana Teatro con el ciclo ‘El arte de los Títeres’, que tendrá lugar del 23 al 26 de febrero en la Sala Berlanga de Madrid. Esta muestra ofrecerá durante cuatro días una serie de actividades que profundizan en el mundo del títere, las marionetas y los autómatas con el propósito de reivindicar el valor artesano de esta disciplina escénica. Entre estas actividades destaca la exposición Títeres y autómatas de La Tartana; la proyección del largometraje ‘Strings de Anders Ronnow Klarlund’ y de los documentales ‘Construyendo teatro. 40 años de oficio’, de Elena Muñoz, y ‘Hermanos Oligor’, de Joan López Lloret; la conferencia ‘Los títeres en el mundo y su valor’, a cargo de Concha de La Casa, y la acción escénica ‘Imagina’, por La Tartana Teatro. El ciclo se completa con una exhibición de títeres de hilos y de autómatas que pertenecen a las compañías La Tartana, Ferroluar y Rocamora Teatre. Al finalizar cada sesión, tendrá lugar un encuentro con el público y las compañías invitadas. ‘El arte de los Títeres’ arrancará este jueves, 23 de febrero, con la exposición Títeres y autómatas de La Tartana , que inaugurará Juli Disla, director institucional de Artes Escénicas de la Fundación SGAE. La muestra podrá visitarse hasta el 21 de marzo y contará con cuatro autómatas, dos marionetas móviles, una fija y una instalación que ofrece al visitante la posibilidad de interactuar con los elementos y que refleja el espíritu innovador de La Tartana Teatro. La exposición se basa en diversas técnicas como bunraku, varillas, guante, transmisión y mecánica. A continuación, se proyectará el documental ‘Construyendo teatro. 40 años de oficio’, con el que Elena Muñoz analiza la evolución de la compañía y del teatro alternativo a través de diferentes entrevistas a personajes del ámbito cultural. Tras el pase se celebrará un coloquio con el equipo del documental y Juan Muñoz, fundador de La Tartana Teatro. Al día siguiente, Concha de la Casa, directora del Centro de Documentación de las Artes de los Títeres de Bilbao – Pantzerki, ofrecerá la conferencia Los títeres en el mundo y su valor . Tras ella, la Tartana Teatro presentará su espectáculo ‘Imagina’, una acción escénica que combina la técnica de la construcción y la magia del movimiento de los títeres. El sábado 25 de febrero, la Sala Berlanga acogerá la proyección de ‘Strings’, de Anders Ronnow Klarlund, considerado el primer largometraje realizado íntegramente con títeres en el que todos los personajes son conscientes de su identidad como marionetas. Finalmente, ‘El arte de los Títeres’ se despedirá el domingo 26 de febrero con el pase de ‘Hermanos Oligor’, de Joan López Lloret. Este documental enseña el proceso de creación de un espectáculo de espejos que realizan dos hermanos. Escrito por: Nota de prensaFotografía: Fundación SGAE