Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Aisge La actriz barcelonesa Alicia Agut, de 87 años, ha fallecido este viernes 7 de abril en el hospital madrileño de Nuestra Señora de América, donde llevaba ingresada desde el pasado martes 4 de abril por complicaciones respiratorias, según ha informado AISGE en un comunicado. La actriz, nacida en Barcelona el 7 de septiembre de 1929, debuto en teatro con clásicos de la escena como Lorca, Lope de Vega, Tennessee Williams, Eugene O’Neill, Jacques Deval o Shakespeare, con la Compañía Festivales de España bajo la dirección de José Tamayo. En 1977, a las órdenes de Adolfo Marsillach, colaboró en el montaje de ‘Las arrecogías del beatario de Santa María Egipciana’, un texto de José Martín Recuerda sobre la heroína liberal Mariana Pineda que no había podido ser estrenado hasta la llegada de la democracia. Antes, había trabajado con Miguel Narros en ‘Anillos para una dama’, obra que le valió a su director el Premio Teatral Radio España en 1974 y al montaje, el de mejor obra española. Cuatro años después se puso bajo la dirección de José Luis Gómez en ‘Bodas que fueron famosas del Pingajo y la Fandanga’, primera representación del Centro Dramático Nacional. Además, en otoño de 1985, también con Gómez, representó en Almería la tragedia que inspiró a García Lorca para escribir ‘Bodas de sangre’. Con el director teatral Joaquín Vida -ayudante que fuera de Fernán-Gómez, Narros y José Luis Gómez, de los que aprendió el oficio- repitió hasta en seis ocasiones. La última, ‘La malquerida’, de Jacinto Benavente, en 2000. Desde entonces, la actriz catalana colaboró en el debut teatral de Gonzalo Suárez con ‘Arsénico, por favor’. La obra, basada en el clásico del cine de Frank Capra, ‘Arsénico, por compasión’, provenía de un texto teatral, ‘Cadáveres en nuestra bodega’, del dramaturgo norteamericano Joseph Kesserling.

Escrito por: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena Lolita Fores y el actor hispanoargentino Luis Mottola estrenarán el próximo 20 de abril la obra ‘Prefiero que seamos amigos’, bajo la dirección de la Tamzin Townsend, que ha llevado al escenario obras como ‘Bones Festes’, ‘La última sesión de Freud’ o ‘Un dios salvaje’, entre otras. En esta ocasión, se trata de un espectáculo ideado por el cómico y dramaturgo francés Laurent Ruquier que en el país vecino ha tenido más de 300 representaciones y en torno a 5 millones de espectadores, gracias . La obra se estrenará en el Teatro La Latina de Madrid, donde permanecerá hasta el 25 de junio, para hacer después un recorrido por los escenarios de varias comunidades autónomas. «Iremos por el norte, Castilla, Andalucía, Valencia, Zaragoza… Vamos a a recorrer España entera», ha asegurado Lolita Flores. ‘Prefiero que seamos amigos’, según ha explicado la directora de la obra, cuenta la historia de «dos personajes fabulosos, valientes y fuertes», Claudia y Valentín, con una historia en común «muy bonita» que, además, «está llena de sorpresas». «Es una obra que se estrenó en Francia con muchísimo éxito. Me pasó Jesús Cimarro la obra en navidad, la leí y dije: ‘¡Qué bonito, me encanta!’ Además, trabajar con Lolita y Luis… ¡Me pareció todo muy bonito!», ha explicado la directora de origen británico. El núcleo de la obra gira en torno a la amistad entre Claudia (encarnada por Lolita Flores) y Valentín (a quien dará vida Luis Mottola), ambos por encima de los 50 años y amigos desde hace tiempo. «Mi personaje es Claudia, una mujer más o menos de mi edad, año arriba año abajo, que tiene una floristería y que es una mujer con una serie de sentimientos que decide un día plasmárselo a su mejor amigo», ha explicado Flores. A raíz de eso, Valentin verá como «empiezan a romperse reglas» y se producen «enfrentamientos, combate de palabras y acuerdos y desacuerdos». «Hay vida después de los 50» «En esa conversación empiezan a salir cosas que no sabían el uno del otro y eso genera una grieta, unas partes de la obra que no puedo contar pero sí puedo decir que acaba bien. No puedo decir por qué acaba bien pero acaba bien», ha adelantado la actriz que señala que una de las conclusiones de la obra es que «hay vida después de los 50» tanto para los hombres como para las mujeres. «Únicamente, hay que ser coherente con los sentimientos de uno y ya está. Ponerse el mundo por montera y tirar para adelante», ha indicado. Por su parte, Mottola ha prometido una comedia romántica «con el poder sostener una sonrisa durante una hora y media» pese a que habrá momentos cómicos y momentos que no lo sean. «La idea es empatizar absolutamente. Que sea una obra muy cercana, muy humana, y que el asistente pueda identificarse no solamente con la situación sino también con las emociones que tienen estos personajes. Que vengan a pasársela bien, que de eso se trata», ha subrayado el actor. Según han explicado los dos protagonistas de ‘Prefiero que seamos amigos’, la idea de poner en marcha l espectáculo surgió a raíz de la colaboración que ambos, Lolita y Luis, realizaron en un corto titulado ‘Carne’ en 2016. «Queríamos hacer teatro y tuvimos la suerte de que Jesús Cimarro tenía esta obra en su poder. Me la pasó, la leímos, nos gustó y ya está –ha explicado Flores–. A veces las cosas son así. Es simplemente querer hacer algo y cuando llega a tus manos algo que te apetece hacer y es una obra divertida y encima tenemos una buena directora y somos dos actores que nos entendemos muy bien en el escenario. Pues no hay más, somos actores y hay que trabajar». Finalmente, el espectáculo se estrenará este mes de abril con la coproducción de Pentación, Bitó y Focus y con Ricardo Sánchez Cuerda como responsable de la escenografía; Felipe Ramos, en la iluminación; Gabriela Salaberri, de vestuario; y el propio Jesús Cimarro como productor.

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena El Teatro Español acoge desde el próximo día 19 de abril la primera edición del ciclo ZIP, en el que siete compañías de teatro mostrarán ocho propuestas diferentes de teatro de vanguardia procedente de distintos puntos de España. «Estas compañías buscan un lenguaje que rompa con lo convencional y que explique este mundo caótico hasta un límite extraordinario. Por eso lo llamamos teatro radical», ha afirmado la directora artística del Teatro Español, Carme Portaceli. Durante los cinco días, las siete compañías «okuparán» todo el edificio del teatro, desplegando sus propuestas en sus diferentes espacios, incluidas las salas de ensayo y la propia Plaza de Santa Ana de Madrid. En este sentido, Portaceli ha señalado que utilizan la palabra «okupa» con ‘k’ porque son los artistas los que van eligiendo dónde se van situando para ofrecer al público «una especie de menú degustación del teatro radical». En la misma línea, ha destacado que tienen ocho espectáculos en cinco días de una manera «muy comprimida» de un teatro que «no es muy habitual», y ha comentado que un teatro público «tiene que estar» al lado de la gente joven porque es «la que cambiará el mundo». «Al Teatro Español lo que le gustaría de verdad sería ser el centro de una red en la que este tipo de teatro pueda girar por toda España», ha dicho. El ciclo comenzará el próximo día 19 de abril con las funciones ‘Kokoro’, una propuesta en la que Lali Ayguadé dirige a un cuarteto de bailarines; y ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro enmarcada dentro del proyecto ‘Díptico por la Identidad’. La compañía Obskené representará el día 20 ‘Anar de carenes al cel’, una propuesta polifónica entre el teatro, el cine documental y la música en directo. Por su parte, la creadora y coreógrafa Louisa Merino dirige los días 20 y 21 ‘The course of memory’, una pieza documental a medio camino entre las artes escénicas y las artes plásticas, que parte de un trabajo con voluntarios en cada ciudad en la que se representa. Durante los días 21 y 22, el escenario de la Sala Principal acogerá ‘Wohnwagen’, un espectáculo estrenado en Berlín con integrantes del P14, el grupo joven de experimentación del teatro Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz; y en la Plaza de Santa Ana la compañía Cabosanroque presentará ‘Mural sonoro’, dos conciertos gratuitos que ofrecerá el colectivo musical procedente de Barcelona. Completan el ciclo los espectáculos ‘Extraños mares arden’, un documental escénico de Txalo Toloza-Fernández en colaboración con Laida Azkon, los días 22 y 23; y ‘Faena’, el día 23, que es, al igual que ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro de su proyecto ‘Díptico por la identidad’. Un espectáculo de 360º Durante el acto de presentación de ZIP, el integrante del espectáculo ‘Wohnwagen’ Marc Salicrú, ha subrayado que van a contar, desde su visión, una historia que habla de un amor del siglo XXI, un amor «un poco inmaduro». «Va a ser una obra de 360º», ha manifestado. Por su parte, la directora de ‘Anar de carnes al cel’, Judith Pujol, ha dicho que está «muy contenta» por hacer la función en español, y ha comentado que van a «beber y comer mucho» porque el espectáculo es un «gran brindis». Por ello, ha añadido que querían que el vino «estuviera presente». Asimismo, el miembro de Vértebro Juan Diego Calzada, ha afirmado que en sus espectáculos, ‘Faena’ y ‘Pregón’, han querido contar con familiares como invitados, ya que, en su opinión, tienen una calidad en escena a la que ellos saben que no van a llegar por estar «ya deformados». «Va a ser una experiencia muy enriquecedora», ha dicho. Por último, la creadora y coreógrafa de ‘The course of memory’, Louisa Merino, ha comentado que trabaja «con personas mayores», con las que ha intentado hacer un relato a partir de hechos de su biografía y de las historias que le han contado otras personas.

Texto: Nota de Prensa / Fotografía CNTC El actor Juan Echanove lleva al Teatro de la Comedia los ‘Sueños’ de Quevedo, una versión libre del texto del autor del Siglo de Oro que aporta una visión contemporánea tras pasar por las manos del director Gerardo Vera, quien habla de «un ‘Informe Semanal’ del siglo XVII». «Cada palabra sonará como un mazazo, como si fuera un telediario de hoy. Está todo Quevedo, su reflexión sobre los pobres, sobre los reyes que en vez de mandar duermen, o esos validos que son las polillas de España», ha explicado Vera, quien considera que los textos quevedianos suponen «un monumento filosófico y moral». Por primera vez, la Compañía Nacional de Teatro Clásico incorpora –en una coproducción con La llave maestra – Traspasos Kultur– desde el próximo 7 de abril y hasta el 7 de mayo a Quevedo a su repertorio. El director de la obra ha explicado que se ha embarcado en «esta aventura» por la necesidad de reivindicar a «uno de los grandes maestros». «Ahora, en este momento de indignidad moral, estos grandes maestros son los que tienen que alumbrarnos el camino. Está todo tan removido como en la decadencia del siglo XVII», ha señalado. Vera ha remarcado que la obra de Quevedo fue escrita en un momento en el que el Imperio español «se desmoronaba» y, por lo tanto, sus textos tienen algo de «viaje al futuro donde todavía se reconoce el momento barroco». Echanove saldrá a las tablas totalmente vestido de blanco y con los anteojos tan reconocibles del creador del ‘Buscón’, lleno de llagas en los pies y con aspecto cansado, acompañado por un elenco de actores que representan desde el diablo o el Duque de Osuna hasta la envidia o el dinero. «Interpretar ahora a Quevedo me ha enseñado un nuevo dolor físico y el amor desbocado: tenía una tendencia infinita a identificarlos. Duele hacer Quevedo y cada vez que termino con este papel me duele hasta el pelo: el amor doliente es el más grande impulso que puede tener un ser humano», ha defendido el actor. Felini, influencia para Quevedo Echanove ha asegurado que, como a Miguel de Unamuno, a él también le «duele España», pero en este caso para reivindicar su compromiso con el teatro. «Me duele España pero a través del teatro, solo lo entiendo como una entrega absoluta y lo único que me interesa cuando me embarco en papeles como éste no es el éxito, sino hacer que alguien quiera volver a otra obra de teatro», ha apuntado. La adaptación que ha hecho José Luis Collado de los cinco ‘sueños’ abarcan reflexiones filosóficas, pero también «la vida real e imaginada» del escritor, su poesía e incluso influencias como Fellini –aunque Collado matice que al final ésta «quede muy diluida»–. Tal y como ha explicado Vera, la adaptación «imposible» de los ‘sueños’ ha sido «muy complicada», ya que no se cuenta «con un colchón» como en otras obras de autores reconocidos como Shakespeare, al no ser dramaturgia. «Se ha creado una estructura y un armazón donde encajar todo», ha insistido Collado, quien ha hablado de hasta 20 versiones del texto. ‘Nacer es empezar a morir’ «Si hace un año me dicen que el resultado iba a ser esto, igual no estaba aquí, ha sido extenuante y hemos estado al borde de tirar la toalla, pero el resultado ha merecido la pena», ha señalado el responsable de esta adaptación libre. Tanto Vera como Echanove han coincidido en remarcar esta dificultad durante el proceso de creación, con llamadas «habituales» a las 3 o las 4 de la mañana. «Al principio fue un viaje muy amorfo, pero nos lanzamos y el resultado final es este viaje por el pensamiento, alma y venas de Quevedo», ha afirmado Lucía Quintana, quien llevará a escena el papel de Aminta, la amante de un autor «amargo como su frase ‘nacer es empezar a morir'».

  Texto: Agencia / Fotografía: Masescena La actriz Irene Escolar lleva a las tablas del Pavón Teatro Kamikaze la obra ‘Blackbird’, de David Harrower, un texto en el que una pareja se reencuentra después de quince años para cerrar las «heridas profundas» que les dejó su relación y en la que se habla del «deseo, la pérdida y el amor», según la actriz. ‘Blackbird’ se enmarca dentro del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid y estará en el Pavón hasta el próximo 7 de abril. La historia gira en torno al inesperado reencuentro de los protagonistas, Una y Ray, que pone en peligro sus vidas actuales y «tensa la comodidad dentro del orden moral establecido». Escolar adquirió los derechos de la obra hace ya tres años y consiguió el apoyo de la Comunidad de Madrid para ponerla en pie. «Es un texto representado en todo el mundo y para mí supone el proyecto más personal que he sacado adelante. Me costó mucho encontrar a alguien que apostara por esto», ha señalado. La actriz está acompañada en el escenario por José Luis Torrijo y bajo la dirección de Carlota Ferrer. Para la adaptación «respetuosa» de este texto –en verso libre–, se ha contado con José Manuel Mora, quien ha reconocido que esta obra tiene «algo de terrible e insoportable, pero con lo que los humanos se sienten identificados». En tiempo real Para Ferrer, que ha insistido en la importancia de no desvelar mucho del argumento, la clave reside en la «construcción de un puzzle» a través del diálogo que establecen los protagonistas. A lo largo de una hora y media –‘Blackbird’ transcurre en tiempo real–, Una se enfrentará a sus demonios al presentarse en el lugar de trabajo de Ray. «¿Cómo sería un encuentro entre estas dos personas que llevan tanto sin verse? Uno seguro que lleva muchas cosas preparadas, pero a la hora de la verdad, cuando tienes delante a la otra persona, igual dices lo contrario, porque mentimos mucho. Y una vez el espectador sepa lo ocurrido, cada uno hará su juicio moral», ha señalado Ferrer. Un combate verbal Con una escenografía «cinematográfica» compuesta por dos planos en un mismo escenario y unas pequeñas casas que recomponen una urbanización en miniatura, Escolar ha apostado por un texto «contemporáneo sobre la psicología» del amor. «Son dos seres que consiguen sobrevivir al dolor y hay un combate verbal que sucede en el mismo espacio». La obra saldrá de gira por España una vez termine de representarse en el Pavón y es probable que vuelva a este teatro. Jaime de los Santos, director de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ha resaltado la necesidad de que los poderes públicos se «impliquen más allá de subvenciones» en obras de este tipo. «El teatro es rebeldía, pero también esperanza», ha concluido.

Texto: Masescena / Fotografía: Masescena La Compañía Nacional de Teatro Clásico estrenará «La dama duende» y llevará a escena otras dos obras Bajo el lema «Respira Festival», el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha presentado este jueves en el Teatro María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional, la programación de su 40 edición que tendrá lugar del 6 al 30 de julio. En el acto han intervenido el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; el viceconsejero de Cultura del Gobierno de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha, Jesús Carrascosa; el presidente de la Diputación de Ciudad Real, José Manuel Caballero; el alcalde de Almagro, Daniel Reina y la directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez. También ha estado presente la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Montserrat Iglesias. Más de cien representaciones y compañías de trece países?Durante los 25 días del Festival, podrán verse 102 representaciones a cargo de 50 compañías participantes y catorce propuestas internacionales llegadas de 13 países: México, Reino Unido, Rumanía, Portugal, Brasil, Francia, Israel, Grecia, Argentina, Canadá, Colombia, Holanda y Alemania, que este año es el país invitado de honor. Además, destaca la participación de México y Rumanía por su compromiso con el Festival. La programación se completa con 24 eventos gratuitos, 2 exposiciones, 1 macro exposición y 10 eventos especiales que se celebrarán en 19 espacios de la ciudad de Almagro. Este año se suman, además, el Pradillo de San Blas y el Pradillo de Santo Domingo. En esta 40ª edición, José Sacristán recibirá el 6 de julio el XVII Premio Corral de Comedias en reconocimiento a su calidad humana y actoral, su dedicación y su vocación. Esta nueva edición del Festival, cuya imagen es obra de la Premio Nacional de Fotografía Cristina García Rodero, reunirá sobre el escenario a directores, actores y dramaturgos de la talla de Gerardo Vera, Helena Pimenta, Andrés Lima, Eduardo Vasco, Carles Alfaro, Laila Ripoll, Alfredo Sanzol, Meritxell Roda, Eva del Palacio, Fernando Fernán Gómez, Álvaro Tato, Juan Mayorga, Alberto Conejero, Elena María Sánchez, Claudio Hochman, Alfonso Plou, Juan Echanove, José Luís Gil, Joaquín Notario, Pepa Pedroche, Enric Benavent, El Brujo, Arturo Querejeta, Nathalie Poza, Fernando Conde, Javier Collado o Montse Diez. Un homenaje al público y a los actores?Almagro rinde homenaje en su 40 edición a todos los actores y actrices profesionales que han pasado por los escenarios de la ciudad a lo largo de estos 40 años. De este modo, el Festival reconoce el trabajo de los actores a través de las tres figuras que han participado en más ediciones del Festival: Arturo Querejeta, Pepa Pedroche y Joaquín Notario. El día de la inauguración, 6 de julio, en la Plaza Mayor, tendrá lugar un gran espectáculo incluido dentro de los 24 eventos gratuitos programados: «Clásicos en escena», realizado gracias a la labor conjunta con el Centro de Documentación Teatral del INAEM. El Festival realizará un homenaje los espectadores a través de «El Festival y yo», una exposición que recoge las fotografías realizadas directamente por el público que ha pasado por Almagro a lo largo de estos 40 años. Estrenos exposiciones y eventos especiales?Algunos de los platos fuertes de la programación de este año serán las propuestas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico: Helena Pimenta dirigirá el estreno absoluto de la obra de Calderón «La dama duende» y cerrará el Hospital de San Juan con «El perro del hortelano», mientras que la Joven Compañía de Teatro Clásico interpretará «Fuente Ovejuna» bajo la dirección de Javier Hernández Simón. Dentro de los 10 eventos especiales que se celebrarán con motivo del aniversario destaca la presentación de un libro realizado por la Fundación en coedición con la AECID, que recoge la historia de los 40 años del Festival. Por otra parte, el Museo Nacional del Teatro organiza y produce la exposición «Cuarenta años vistiendo emociones». A ello se suma una macro exposición a cargo de la Acción Cultural Española, comisariada por Jorge Díez, en la que participan los artistas Pepe Buitrago, Dionisio Cañas, Mercedes Lara, Juan López y Alicia Martín.

Agencia / Fotografía: INAEM El director del Centro Dramático Nacional (CDN), Ernesto Caballero, se ha alzado este lunes con el Premio Valle-Inclán de Teatro en su undécima edición por su trabajo al frente de la obra ‘El Laberinto Mágico’, una revisión de la obra de Max Aub sobre la tragedia de la Guerra Civil. El ganador de esta edición, convocado por ‘El Cultural’ de ‘El Mundo’ y dotado con 5.000 euros y una estatua de Víctor Ochoa, se ha dado a conocer en el transcurso de una cena que ha tenido lugar en el restaurante del Teatro Real y ha sido presentada por la actriz Celia Freijeiro. El jurado del Premio Valle-Inclán, patrocinado por la Fundación Coca-Cola, ha elegido al ganador entre una lista de doce candidaturas de actores y directores de teatro mediante el sistema eliminatorio por rondas ‘Goncourt’, es decir, varias vueltas de votaciones en cada una de las cuales se elimina al candidato con menos papeletas. Finalmente, el dramaturgo Ernesto Caballero se ha alzado con el premio en la ronda final al imponerse al actor Israel Elejalde, finalista por su papel del príncipe danés de ‘Hamlet’, y al director Alfredo Sanzol, autor de ‘La respiración’. El resto de finalistas han sido: Maria Adanez y Paco Bezerra, por ‘El pequeno poni’; José Luis Arellano, por ‘La odisea’; Pedro Casablanc, por ‘Yo, Feuerbach’; Mario Gas, por ‘Incendios’; Ana Peinado, por ‘Ana el 11 de marzo’; Sergio Peris-Mencheta, por ‘La cocina’; José Sacristán, por ‘Muñeca de porcelana’; y Maribel Verdu, por ‘Invencible’. Coincidiendo con la celebración del Día del Teatro, el ministro de Educación, Cultura y Deporte y portavoz del Gobierno, Íñigo Méndez de Vigo, ha sido el encargado de entregar el galardón a Ernesto Caballero en reconocimiento por su trabajo en ‘El Laberinto Mágico’, una versión de José Ramón Fernández del conjunto de seis novelas escritas por Max Aub que tienen como telón de fondo la Guerra Civil. Este espectáculo ha sido galardonado con los premios a Mejor Espectáculo, Mejor Actor Protagonista (Paco Ochoa), Mejor Actor Secundario (Alfonso Torregrosa) y Mejor Actor Revelación (Borja Luna) en la última edición de los Academy Awards de The Central Academy of Drama de China. Al acto, que coincide con la conmemoración del Día Mundial del Teatro, también ha contado con la asistencia de la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, así como numerosos rostros conocidos como Cayetano Martínez de Irujo, Nuria Espert, Paloma Segrelles, José Luis Moreno, Mira Magüi, María Hervás, Juncal Rivero, Blanca Marsillach o Silvia Marsó.

La Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro recibirá el Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2017, según ha decidido el comité organizador de estos galardones, que se entregarán el próximo 5 de junio, tal y como ha anunciado la SGAE este lunes 27 de marzo, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro. Este reconocimiento ha sido otorgado por unanimidad por «un trabajo continuado de preservación y puesta en valor del teatro del Siglo de Oro y por su firme apuesta por la renovación estética y búsqueda de nuevos lenguajes que han permitido, a través de una mirada joven, acercar este patrimonio cultural a las nuevas generaciones y la creación de nuevos públicos». La directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez, recibirá este galardón durante la ceremonia de entrega de la 20 edición de los Premios Max de las Artes Escénicas que organiza la Fundación SGAE con la colaboración de la Generalitat Valenciana en el Palau de les Arts de Valencia. Menéndez ha recibido esta noticia «con gran alegría» ya que supone «el reconocimiento a un trabajo de 40 ediciones, ocho directores diferentes y mucha gente invisible a la que hay que agradecer su dedicación», según ha señalado. El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, considerado el más importante del mundo dedicado al teatro de los siglos XVI y XVII y que cuenta con 40 ediciones, se centró en sus inicios solo en el teatro del Siglo de Oro español, pero con el paso de los años abrió sus escenarios al barroco europeo y al teatro oriental de la misma época. «El patrimonio que nos dejaron estos autores es tan fuerte y potente, habla de inquietudes tan cercanas al presente que los artistas actuales no pueden más que rescatarlos con la mirada de hoy», subraya la directora del festival. A través del Premio Corral de Comedias, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro reconoce la trayectoria artística de figuras e instituciones del mundo de las artes escénicas y en diversos campos o especialidades, siendo galardonados, entre otros, Concha Velasco (2016), José Luis Gómez (2015), la Schaubühne de Berlin (2013), Núria Espert (2011) o Francisco Nieva (2010). Asimismo, cada año se celebra un homenaje a personalidades de diferentes disciplinas que han contribuido a ensalzar el patrimonio artístico barroco dentro del Festival como José Nieto (2016), Ángel Fernández Montesinos (2014), José Tamayo (2007) o Elio Berhayer (2005). Además de las 23 categorías a concurso de los Premios Max de las Artes Escénicas, tras la incorporación desde este año de un nuevo galardón específico dedicado al Espectáculo de Calle, el comité organizador concede tres premios especiales: Max de Honor, que se dará a conocer el 26 de abril, Max a la Contribución a las Artes Escénicas y el Max Aficionado, el 10 de mayo.

La SGAE ha reivindicado con motivo del Día Mundial del Teatro, que tendrá lugar este lunes 27 de marzo, «el valor de la dramaturgia» recordando que la promoción de esta disciplina es «una tarea fundamental para contribuir a la creación artística». La dramaturgia supone un 8% de la masa autoral de la SGAE, ya que según datos de 2016, de los 110.447 miembros de la asociación un total de 8.825 son autores dramáticos y coreógrafos. El Día Mundial del Teatro (World Theatre Day) se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (IIT) y, todos los años, el 27 de Marzo se organizan distintos eventos para resaltar esta efeméride. En esta edición de 2017, es la actriz francesa Isabelle Huppert la encargada del Mensaje Internacional en el Día Mundial del Teatro. En su estrategia de apoyo y promoción de las Artes Escénicas, la Sociedad General de Autores y Editores cuenta con un departamento específico para la gestión de los derechos de las obras dramáticas y coreográficas; su misión es fomentar el conocimiento y explotación de las mismas en el mercado. Además, dentro de los órganos de gobierno de la entidad, está el denominado colegio de Gran Derecho, encargado de velar por la promoción del teatro y la danza que se hace en España. Entre sus miembros se encuentran destacados autores dramáticos y coreógrafos como Paloma Pedrero, Pera Tantiñá (La Fura dels Baus), Juli Disla, Eduardo Galán, Joan Vives o Eva Yerbabuena. Asimismo, la SGAE, a través de su Fundación, es promotora de numerosas iniciativas que impulsan la labor de nuestros autores dramáticos, coreógrafos y compositores escénicos, como los Premios Max, que nacieron en 1998 de la mano de la entidad.

La cantaora de flamenco Carmen Linares debuta como actriz de teatro en ‘Séneca’ de Antonio Gala, versionada y dirigida por Emilio Hernández y coproducida por el Centro Dramático Nacional y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, que se representa en el teatro Valle-Inclán de Madrid desde el 24 de marzo al 14 de mayo. «Hay escenas que requieren de un dramatismo que el flamenco tiene», ha asegurado la artista, que interpreta el papel de Helvia. En la misma línea, ha añadido que hay escenas dramáticas en las que el flamenco tiene «una fuerza», y que por ello está «perfectamente encajado» en esta versión. Además, Linares ha señalado que se lleva la interpretación de las canciones a su terreno porque «es lo natural» y porque es donde ella se siente bien. «Estoy muy feliz y voy a dar todo lo que tenga dentro porque la obra lo merece», ha dicho. Sobre esta nueva experiencia, la cantaora ha confesado que al principio estaba «muy asustada» pero que ha recibido la ayuda de todos sus compañeros. Sobre ellos ha comentado que son «extraordinarios», que cantan «muy bien» y que son «muy buenos» actores. Igualmente, Linares ha agradecido la confianza que le ha dado Emilio Hernández, ya que la ha «convencido» y «engañado» para actuar al tener la obra «muy poco» texto. Por ello, ha bromeado con que cada vez le quita «más cante» y le pone «más texto». Cuando canta «se para la función» Por su parte, el actor Antonio Valero, que da vida a Séneca sobre el escenario, ha afirmado que Linares está haciendo de actriz y de cantante, y que cada vez que canta «se para la función», la aplauden, y le dicen al público: «sigan ustedes». Asimismo, Valero ha subrayado que el texto es «absolutamente» actual, ya que parece que está escrito ahora y no hace 30 años. «Es una obra que mueve mucho al actor y da gusto interpretar a un personaje así», ha dicho. «Absoluta libertad» por parte de Gala Por otro lado, Emilio Hernández ha asegurado que ha tenido la «suerte» de que Antonio Gala le diera «absoluta libertad» para llevar a escena su texto. Por ello, ha añadido que desde el principio Gala no puso «ninguna exigencia» y que le dio «toda su confianza» para hacer la obra. Sobre el texto original, el director ha señalado que ha desarrollado algunas partes al subrayar «mucho más» la belleza introduciendo «algunos» poemas de Antonio Gala. «Es un honor que un autor tan importante del siglo XX esté de vuelta en el teatro con una obra fundamental», ha declarado. Para Hernández, la función es «un debate y un combate de ideas» que trata los temas de «la ética, el sexo y el poder», y en ella la música, que representa una «suma de culturas», es, en su opinión, un «elemento necesario» porque ocupa el espacio del «combate entre belleza y corrupción». Un Nerón reprimido por el poder Por su parte, Diego Garrido, que interpreta a Nerón, ha afirmado que su personaje es la representación del «espíritu joven», de «nuevos impulsos» y de «nuevas formas» de querer hacer las cosas, pero que está reprimido por el «poder, la corrupción, los intereses privados y la caspa». De este modo, el actor ha subrayado que es «muy hermoso» ver cómo Nerón «en una primera instancia» intentó hacer «grandes cosas» por su pueblo, pero que las figuras de poder que le rodeaban «no se lo permitieron», algo que, a su juicio, ocurre a día de hoy en muchos países. «Es bonito defender eso en escena y representar ideas nuevas y ciertos ideales», ha concluido. El reparto de la obra lo completan Esther Ortega, que interpreta a Agripina; Eva Rufo, a Popea; José Luis Sendarrubias, a Otón; Aka Thiéméle, a un esclavo; Ignasi Vidal, a Petronio; y Carolina Yuste, a Acté. Escrito por: AgenciaFotografía: MarcosGPunto

- Dan Jemmet revisita libremente el clásico del dramaturgo inglés ‘Noche de Reyes’ con ‘Shake’, una comedia inventiva y perspicaz que reflexiona sobre la condición humana
- Con esta pieza se inicia en La Abadia un ciclo de comedia a partir de motivos shakesperianos que se completará con la llegada de los montajes del Teatro de la Ciudad: “La Ternura”, de Alfredo Sanzol, y “Sueño”, de Andrés Lima. 

La actriz ganadora del Goya a actriz revelación 2016, Irene Escolar, regresará al festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, que se celebrará del 7 de abril al 7 de mayo, con la puesta en escena de ‘Blackbird’. Según ha informado el Gobierno regional en un comunicado, se trata de un thriller que narra el «atormentado» reencuentro entre dos amantes a quienes darán vida Irene Escolar y José Luis Torrijo, que podrá verse en El Pavón Teatro Kamikaze. En concreto, el autor escocés David Harrower muestra la historia de un hombre y una mujer que tratan de curar la herida de un amor imposible que «aún sigue abierta». Respecto a la puesta en escena, la directora Carlota Ferrer ha afirmado que «‘Blackbird’ es una tragedia contemporánea a modo de thriller». «El conflicto real traspasa la escena, se desplaza al patio de butacas y obliga al espectador a identificarse en lugares incómodos y a vivir emociones difíciles de nombrar», ha dicho. Así, la función transcurre en único espacio escénico donde conviven diferentes lenguajes como el teatral, el cinematográfico y el performativo, lo cual permite a la narración escénica viajar entre lo real, lo vivido y las heridas del pasado. Escrito por: AgenciaFotografía: UIMP