Texto: Agencia / Fotografía: Masescena AISGE, la sociedad de gestión de derechos de autor de directores de escena, dobladores, actores y bailarines españoles, presentó, este jueves 30 de marzo tras haberse cumplido el centenario de su nacimiento, la biografía del actor español José Bódalo, escrita por el periodista e investigador Carlos Arévalo, según informa en un comunicado. El acto, presentado por el vicepresidente de la entidad, Fernando Martín, contó con la participación del conocido intérprete Joaquín Kremel y del autor del libro, que desgranaron algunas habilidades y aspectos de la manera de trabajar del protagonista. Kremel declaró que se trata del actor que más le ha «impresionado», y que «era estar delante de alguien muy grande». En este sentido, añadió que Bódalo «inoculó a muchos jóvenes de entonces el veneno del teatro». «Siento nostalgia por Bódalo y demás gentes que nos enseñaron el camino», señaló. Por su parte, Arévalo aseguró que Bódalo «era tan querido y admirado por la profesión y por el público que todo el mundo lo recuerda con una sonrisa». Al acto asistieron además numerosos compañeros de profesión del homenajeado como Álvaro de Luna, Fernando Chinarro, María Fernanda D’ Ocon, Paloma Paso Jardiel, Enriqueta Carballeira, Vicente Cuesta, Carmen Segarra o Vicente Gisbert...

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha convocado la duodécima edición del Concurso Nacional de Teatro Clásico Grecolatino de los centros docentes, una iniciativa con la que busca «difundir la lectura y la representación teatral de las obras clásicas grecolatinas, los valores del mundo clásico y su vigencia en el mundo actual». Así lo ha dado a conocer este viernes 31 de marzo el departamento que dirige Iñigo Méndez de Vigo, que ha precisado se podrá participar en dos modalidades distintas. La primera, destinada al montaje y representación de obras teatrales de la tradición clásica griega y latina, para alumnos de Educación Secundaria de centros públicos y privados (Tragedia griega/latina y comedia griega –20 alumnos máximo– o comedia latina –12 alumnos máximo–) y, una segunda, a través de representaciones breves, originales o adaptadas, de fábulas, textos dramáticos, mitológicos o históricos, destinada a alumnos de Educación Secundaria Obligatoria (12 alumnos máximo). Respecto a la primera modalidad, el Ministerio ha detallado que las obras deberán ser de autores clásicos griegos y latinos y la representación de la obra tendrá una duración de entre 45 y 65 minutos. También ha indicado que, en la segunda, las obras además de autores griegos o latinos, podrán estar inspiradas en obras o temas de la Antigüedad Clásica y tendrán una duración de entre 15 y 20 minutos. En relación con la solicitud de participación, ha explicado que se deberá realizar por parte del centro educativo a través de la Oficina Virtual del Ministerio (https://sede.educacion.gob.es sección ‘Trámites y servicios’), entre el 1 y e 30 de abril. De esta forma, en la categoría de tragedia griega/latina o comedia griega, el Ministerio ha establecido un primer premio de 8.000 euros y un segundo de 3.000 euros; en la categoría de comedia latina, un primer premio de 6.000 euros y un segundo de 2.000 euros; y en la categoría de representaciones breves, un primer premio de 4.000 euros y un segundo de 1.000 euros. En la final, participarán seis grupos, dos por cada modalidad. Finalmente, el Ministerio ha asegurado que, con este concurso, quiere apoyar «el valor pedagógico de los montajes teatrales, incrementar el conocimiento y valoración de la tradición grecolatina en los centros educativos y favorecer su difusión entre toda la comunidad escolar, como referente para la práctica docente»...

  Foto: Teatro Real El escenario del Teatro Real alberga desde este viernes 24 de marzo y hasta el próximo 5 de abril una inmensa casa de muñecas por la que transitan los protagonistas de ‘Rodelinda’, de Georg Freidrich Händel. La obra se ha estrenado por primera vez en España en coproducción con el Gran Teatro del Liceu, junto con las óperas de Frankfurt y Lyon y el público madrileño ha respondido con entusiasmo, aplausos y bravos. La banda sonora de este particular ‘juguete’, en el que se escenifican luchas de poder pero también un canto al amor conyugal, corre a cargo de la orquesta titular del coliseo madrileño, que ha mudado su piel para interpretar la música barroca, en compañía de dos claves, una tiorva y un órgano. Cuenta con libreto de Nicola Francesco Hyam, basado en otro de Antonio Salvi cuya inspiración es la obra ‘Pertharite, rois des Lombards’, de Pierre Corneille, y fue estrenada en Londres en 1.725. Entre las autoridades que han acudido a la Ópera, se encontraban la vicepresidenta del Gobierno, Soraya Sáenz de Santamaría; el ministro de Educación Cultura y Deporte y portavoz del Gobierno, Íñigo Méndez de Vigo, la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena; o el consejero catalán de Cultura, Santi Vila. Todos ellos, forman parte de los patronatos de ambos coliseos, que previamente a la representación han celebrado una segunda reunión conjunta en Madrid, y posteriormente celebrarán una cena. ‘Rodelinda’ se desarrolla en Milán, en el palacio de los reyes de Lombardía, donde la reina, devastada por la supuesta muerte de su esposo, el rey Bertarido, y ante su miedo por el futuro de su hijo Flavio trata de desafiar al dictador Grimoaldo, quien ha usurpado el trono y trata de convertirla en su esposa para consolidar su poder. El director de escena, Claus Guth, ha recreado una «gran mansión con diferentes niveles en la que los personajes aspiran a subir». Este edificio, una construcción de estilo georgiano en plena campiña inglesa, está inspirado en una de la época de Händel, pero sobre todo se asemeja a esas casas de muñecas que adornaban los cuartos infantiles. Como en aquellas los muñecos, en esta, Flavio, interpretado por Fabián Augusto Gómez, ejerce de hilo conductor y testigo mudo del devenir de los acontecimientos, y proyecta en los muros de ese particular hogar sus temores en forma de pesadillas, miradas y dibujos infantiles. El espectador puede observar todos los ángulos gracias al movimiento giratorio de la edificación. Espía cada estancia, cada altura, el interior, y la fachada, en medio de un cielo estrellado, y en la que incluso se proyectan las sombras de los árboles en la noche. Es sobre todo el vestuario el que actualiza la obra, que en realidad repasa temáticas atemporales y muy actuales, como los conflictos familiares o la vulnerabilidad de los menores convertidos en testigos de multitud de avatares, ya sea domésticos o históricos. Desde el patio de butacas se comprueba también cómo los libretos, al contrario que la obra original, otorgan a la mujer el protagonismo principal, una fémina que responde de modo ‘moderno’ a los desafíos a los que se enfrenta. Con un elenco doble, en el estreno la soprano Lucy Crowe se ha metido en la piel de la fiel, leal y astuta Rodelinda, mientras que el tenor Jeremy Ovenden interpreta al anodino, maleable y a su vez encantador dictador Grimoaldo. Junto a ellos, el contratenor Bejun Mheta ha ejercido de destronado y falsamente muerto esposo Bertarido, de carácter contradictorio, y el bajo Umberto Chiummo se ha colgado el disfraz del maquiavélico Garibaldo. La mezzosoprano Sonia Prina interpreta a la intrigante Eduige y el contratenor Lawrence Zazzo al aliado encubierto Unulfo. Los mayores elogios se los han llevado esta noche Rodelinda y Bertarido, junto con el director de orquesta, Ivor Bolton, la propia orquesta y el director de escena...

El Teatro Real volverá a representar, este sábado 1 de abril y domingo 2 de abril a las 11.00 y a las 13.00 horas respectivamente, la ópera infantil ‘El Gato con Botas’, del compositor catalán Montsalvatge(1912-2002) basada en el cuento homónimo de Charles Perrault(1628-1703), en una coproducción del Teatro Real con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la ABAO y la Asociación Asturiana de Amigos de la Ópera, según informa en un comunicado. Montsalvatge, con la complicidad de Néstor Lujan, autor del libreto, creó en el verano de 1947 una ópera «mitad bufa y mitad ballet», para los más pequeños, que cuenta con cinco cantantes solistas, una nutrida orquesta en el foso, obertura, arias, dúos, recitativos y ballet. Así, inspirándose en los personajes travestidos de la ópera italiana del siglo XVIII, Montsalvatge destina el papel protagonista del gato a una mezzosoprano, lo que dio pie a que Emilio Sagi en la dirección de escena, y Ágatha Ruiz de la Prada en la escenografía y figurines, transformaran al felino en «una gata seductora y avispada, que sorprende al público desde su primera aparición, llevándolo, con su gracia y guiños cómplices, hasta el esperado final feliz con boda, festejos y mucha algarabía». En esta ocasión, señala que será la mezzosoprano Marisa Martins quien encarne a la gata protagonista, secundada por el tenor David Menéndez que representará el papel del molinero, el barítono Gerardo Bullón como el rey, la soprano Paloma Friedhoff con el personaje de la princesa y el bajo Felipe Bou representando al ogro. Asimismo, les acompañan tres bailarinas: Cristina Arias, Silvia Martín y Carmen Angulo, y el bailarín Daniel Morillo, encarnando a los conejos, al pájaro y al león, con una «divertida coreografía» de Nuria Castejón...

Los Teatros del Canal acogen a partir del próximo lunes 20 de marzo la ópera de cámara ‘Le malentendu’, basado en la obra teatral homónima de Albert Camus, que podrá verse en la Sala Negra y que forma parte de la programación que desarrolla en común con el Teatro Real. Esta pieza, de la que se ofrecerán tres únicas funciones los días 20, 22 y 23 de marzo, cuenta con música de Fabián Panisello y libreto de Juan Lucas, y es una coproducción del Teatro Real, los Teatros del Canal, el Teatro Colón de Buenos Aires, la Ópera de Cámara de Varsovia, el Festival de Otoño de Varsovia, la Neue Oper Wien y el Centre National de Création Musical de Niza. El montaje de esta obra, beneficiaria de la Convocatoria 2015 de Ayudas Fundación BBVA a Investigadores y Creadores Culturales, está concebido para cuatro cantantes, un actor, electrónica y orquesta de cámara, según ha explicado este jueves 16 de marzo Panisello durante la presentación en Madrid. En esta obra, tras 20 años de ausencia, un hombre vuelve a su pueblo natal y se registra como huésped en la pensión que dirigen su madre y su hermana, aunque no se da a conocer como el hijo y el hermano que es, puesto que quiere observar la vida de sus familiares, conocerles a distancia y saber si le van a reconocer. Sin embargo, ignora que las dos mujeres también guardan un secreto. ‘Le malentendu’ cuenta con dirección musical de Walter Kobera y dirección de escena de Christoph Zauner. Los protagonistas de la historia estarán interpretados por el tenor Kristjan Johanneson, las sopranos Gan-Ya Ben Gur Akselrod y Anna Davidson, la mezzosoprano Edna Prochnik y el actor Dieter Kschwendt, todos ellos acompañados por miembros de la Orquesta Titular del Teatro Real. Según ha explicado, la electrónica supone una parte muy importante en esta ópera, tanto por las grabaciones previas como por los instrumentos electrónicos que se manipularán en directo, de manera que se mezclará con lo acústico. Además, ha indicado que todas las voces de los cantantes están amplificadas, especialmente «cuando susurran o cuando usan técnicas cercanas a la recitación», al igual que la instrumentación, con el fin de que ambos sonidos se mantengan en el mismo plano. «Pesimismo y desolación» en plena guerra Por su parte, Juan Lucas, autor del libreto, ha señalado que esta obra, que Camus compuso durante la guerra en un pueblo francés, en el momento «más sórdido de la ocupación francesa» y de la guerra, que refleja el «pesimismo y la desolación». Lucas considera que reúne «todas las cualidades» para convertirse en una ópera porque tiene una «linealidad dramática muy sólida y al mismo tiempo los personajes están construidos de una manera que remite en muchos aspectos al siglo XIX» con cuestiones actuales como el «existencialismo», ecos de la «tragedia griega y bíblicos» e «impregnación fuerte con el cine de Alfred Hitchcock». Lucas no considera que su trabajo sea el de un libretista «en el sentido tradicional del término», sino un adaptador entre Camus y Panisello. Según ha señalado, es la primera vez que se involucra en un libreto de ópera, un terreno en el que cree que uno de los grandes problemas es «la distancia que se crea entre el público en función de una visión operística excesivamente intelectualizada». Por su parte, el director del Teatro Real, Joan Matabosch, ha señalado que el objetivo del coliseo madrileño seguirá siendo invertir en creación contemporánea, aunque ha señalado que para ello es necesario contar con «salas alternativas» a las del Teatro Real, como es el caso de los Teatros del Canal. Escrito por: AgenciaFotografía: Armin Barde...

Celebra sus primeros 50.000 espectadores en el Teatro Rialto de Madrid. Y lo hará el próximo miércoles 22 de marzo con La noche de la rumba. Tras su estreno el 12 de Enero en el Teatro Rialto de Madrid, «Rumba!», el espectáculo de Mayumana con la música de Estopa, ha logrado llegar hasta la envidiable cifra de 50.000 espectadores, convirtiendo en el éxito de la temporada. Es por ello que el próximo día 22 de Marzo se celebrará una función realmente especial: La noche de la rumba. Una noche en la que se contará de nuevo con la presencia de los hermanos Jose y David Muñoz, Estopa. El dúo musical estará acompañado de numerosos amigos, compañeros y personalidades del mundo de la rumba, la música y el arte. Una cita ineludible para los admiradores de Mayumaná, Estopa y el género y el mundo de la rumba. Sobre el espectáculo Mayumana ha elegido la música de Estopa, el máximo exponente del lenguaje musical mestizo en España, como banda sonora e hilo narrativo de “RUMBA!”, un nuevo espectáculo en el que ofrecen una propuesta diferente a sus anteriores creaciones. A través del lenguaje único de Mayumana, Rumba! narra la historia de dos familias que viven enfrentadas en el mismo barrio. En medio de su odio y disputas nace un romance inesperado que trasformará su vida. La música de Estopa aporta la banda sonora de un espectáculo desbordante, interpretado por un extraordinario elenco de artistas que cantan, bailan y tocan todos los instrumentos para generar el milagro rítmico y visual que distingue a todos los espectáculos de Mayumana. Co producido por Mayumana y Som Produce, Rumba! se estrenó en el Teatro Rialto de Madrid el 12 de enero de 2017. Mayumana debutó en España en 2001 y sus espectáculos ya han sido aplaudidos por más de 1.000.000  de espectadores en España y de 8 millones entodo el mundo. Estopa revolucionó el panorama musical español con su álbum homónimo en 1999, habiendo vendido más de 4.500.000 copias entre toda su discografía. Ahora nace Rumba!, el nuevo espectáculo de Mayumana, con la música de Estopa, para disfrute de sus legiones de seguidores. Escrito por: Nota de prensaFotografía: Javier Nava...

El Teatro Real acoge por primera vez el próximo 24 de marzo la puesta en escena de ‘Rodelinda’, el «canto» de Georg Freidrich Händel al «amor conyugal» y a la «lucha por el poder» del que se ofrecerán nueve funciones, hasta el 5 de abril. El director artístico del coliseo madrileño, Joan Matabosch, ha explicado este lunes 13 de marzo durante la presentación ante los medios que se trata de la primera vez que llega a España la puesta en escena de esta obra, estrenada en Londres en 1725 y que ha sido ahora realizada en coproducción con la Ópera de Frankfurt, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Ópera de Lyon. Esta historia se desarrolla en Milán, en el palacio de los reyes de Lombardía, donde Rodelinda, devastada por la aparente muerte de su esposo, el rey Bertarido, y ante su miedo por el futuro de su hijo, trata de desafiar al dictador Grimoaldo, quien ha usurpado el trono y trata de convertirla en su esposa para consolidar su poder. El director musical, Ivor Bolton, ha explicado que esta obra fue escrita en un periodo «muy floreciente» y de «explosión creativa» de Händel, en el que escribió otras dos obras esenciales: ‘Julio César en Egipto’ y ‘Tamerlán’. A esto se suma el hecho de que el autor fuera también empresario, por lo que escogió a «los mejores cantantes» de la época. Bolton ha reconocido que se trata de un «cambio radical» para la orquesta del Teatro Real tras la puesta en escena de ‘Billy Budd’, por lo que han contado con un especialista en barroco, quien trabaja con «todas las orquestas barrocas del mundo», así como con músicos procedentes de varios puntos de la geografía mundial. «Sería más fácil haber contado con una orquesta barroca, pero mi filosofía es que la orquesta titular ha de interpretar todas las obras y ha de hacerlo bien», ha dicho Bolton, quien ha añadido que esta puesta en escena contará con instrumentos de la época. En cuanto al decorado, el director de escena, Claus Guth, ha explicado que la acción se desarrolla en una «gran mansión con diferentes niveles en la que los personajes aspiran a subir». Este edificio, una casa de estilo georgiano en plena campiña inglesa, está inspirada en una casa de la época de Händel. Toda esta lucha es vista a través de los ojos de Flavio, el hijo de Rodelinda, quien a pesar de no cantar es testigo de los acontecimientos «espeluznantes» que tienen lugar, y que son proyectados en los muros de su casa a través de sus sueños, miradas y dibujos infantiles. «Historia atemporal» Guth ha indicado que aunque el contexto de esta historia puede resultar lejano, se trata de una «historia atemporal» con situaciones «de absoluta actualidad» que, además, ponen de relieve «conflictos familiares», a diferencia de su otra obra ‘Julio César en Egipto’. En este sentido, Bolton ha señalado que ‘Rodelinda’ refleja «conflictos humanos reales» que permiten «detenerse y reflexionar sobre el ser humano» y cómo las personas «repiten los mismos errores». «Al igual que ocurre en Reino Unido con el Brexit, que está dividido de forma visceral entre quienes quieren quedarse y quienes quieren irse», ha agregado el director británico. En palabras de Guth, el elenco está formado por las sopranos Lucy Crowe y Sabina Puértolas, que se alternarán en la interpretación de la reina lombarda; los contratenores Bejun Mehta y Xavier Sabata (Bertarido) y Lawrence Zazzo y Christopher Ainslie (Unulfo), los tenores Jeremy Ovenden y Juan Sancho (Grimoaldo), las mezzosopranos Sonia Prina y Lídia Vinyes-Curtis (Eduige) y los bajos Umberto Chiummo y José Antonio López (Garibaldo). Joan Matabosch ha destacado que Rodelinda tiene «características masculinas», mientras que el dictador se muestra como una persona «sin carácter», algo de lo que ella se aprovecha para manipularlo. «Es lo contrario de lo que estamos acostumbrados a ver en un tenor heroico», ha dicho. Otra de las particularidades que pone de relieve el director artístico del Teatro Real es el foco en el «amor conyugal», algo muy original puesto que habitualmente solo es protagonista cuando hay «destrucción o deslealtad», tal y como ha destacado. Por otro lado, el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, ha indicado que con motivo de este estreno, el coliseo madrileño celebrará una reunión de patronato conjunta con el Liceo, un encuentro que se produce por segunda vez, después del celebrado en 2007, con el que ahora el centro de Barcelona devuelve la visita. Escrito por: AgenciaFotografía: Javier del Rea...

El Teatro Real llevará a cines de toda España, el próximo jueves 9 de marzo, la ópera ‘Parsifal’ de Richard Wagner, grabada en su escenario la pasada temporada con tecnología 4K (Ultra alta definición-UHD), que permite una resolución cuatro veces superior a la alta definición convencional, según informa la institución. Más de 50 cines de toda España se suman a esta iniciativa a través de la distribuidora Versión Digital, que también tiene previsto emitir nuevos títulos de producciones propias del Teatro Real como ‘I puritani’, del compositor italiano Vincenzo Bellini, protagonizada por Javier Camarena y Diana Damrau, que podrá verse el próximo mes de mayo. La tecnología 4K ofrece una mayor calidad en la percepción del color y las texturas, y una visión mucho más cercana a la realidad. En relación al sonido, este formato permite hacer uso de tecnologías inmersivas que, unidas a la calidad hiperrealista de la imagen, lo convierten en el vehículo perfecto para un espectáculo como la ópera o la danza. Así lo ha demostrado la Ópera Estatal de Viena, centro pionero en Europa, que en la pasada temporada emitió seis títulos de su programación en UHD. AgenciaMasEscen...

El Teatro de la Zarzuela de Madrid acoge, desde el próximo día 1 al 5 de marzo, una versión de ‘La Revoltosa’ de Ruperto Chapí, que estará interpretada por dieciséis jóvenes cantantes de entre 18 y 28 años y que alternará pases para alumnos de la ESO y de Bachillerato con pases para el público general. La zarzuela ha sido presentada este lunes 27 de febrero por el director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco; el director musical de la obra, David Rodríguez; el director de escena, José Luis Arellano, y el autor de la versión libre de la historia, Guillem Clua, acompañados por los dieciséis jóvenes actores. Esta iniciativa es la primera que realiza el teatro de su ‘Proyecto Zarza’, que está dirigido a un público de entre doce y dieciocho años y que tiene el objetivo de acercar el género de la zarzuela a las nuevas generaciones utilizando su propio lenguaje, para darle así continuidad y asegurar su futuro. De este modo, el director del Teatro de la Zarzuela ha afirmado que quería «por primera vez» un espectáculo hecho «por jóvenes y para jóvenes» y que esta iniciativa es una «bandera de presentación» para abrir las puertas a las nuevas generaciones. Cambiar los aspectos «machistas» de la obra Para Daniel Bianco, ‘La Revoltosa’ es una obra «bastante machista», por lo que ha subrayado que «el juego ha sido cambiar eso». Además, ha añadido que en estos proyectos da «mucho miedo» que se pueda estropear la música, algo que, en su opinión, «no es el caso». Por otro lado, Bianco ha lamentado que haya pocas funciones, motivo por el que está «arrepentido» ya que, según ha dicho, esta función es un «experimento», pero podrían haber hecho «muchas más funciones». Sobre la puesta en escena, José Luis Arellano ha comentado que es «teatral» y que es una verbena «de ayer y de hoy» que sirve como el punto de encuentro que «viene después de las redes sociales». Igualmente, Arellano considera un «placer» que la gente vaya a ver a un «montón» de jóvenes en una historia que tiene «mucha alma y mucho corazón» y espera que con esta iniciativa la zarzuela «entre» en la cultura de los jóvenes. En la misma línea, David Rodríguez ha declarado que hay que «darle la oportunidad» a los artistas jóvenes para «afiliar y emocionar» a su generación, y ha afirmado que los músicos de la obra son «absolutamente maravillosos» y que «en vez de ocho parecen dieciocho». Sobre la música, Rodríguez ha manifestado que han sido «absolutamente fieles» a la partitura de Chapín, que, a su juicio, es «maravillosa» y ha añadido que el compositor hacía una «combinación de música culta con música popular buscando la comedia». Por su parte, Guillem Clua ha afirmado que «se le ha metido mano a fuego» al texto de la versión original, ya que no querían «remodelar» solo la superficie, sino que querían dar «un paso más» y plantear el papel de la mujer de manera «totalmente explícita», haciendo que los personajes tomen un «posicionamiento moral» sobre el conflicto que hay en la historia. Por último, la actriz que interpreta a Mari Pepa, Ana Cristina Marco, ha destacado que su personaje es «una mujer libre» que impacta porque «actúa con libertad», y que en la obra se muestra el papel de la mujer en la sociedad actual y en las redes sociales. Escrito por: AgenciaFotografía: Teatro de La Zarzuel...

https://www.youtube.com/watch?v=tWP9gepcJ30 El público acoge con tibieza esta ópera protagonizada por mujeres, cuyas historias se entrelazan en el universo literario del autor uruguayo «En Santa María nada pasaba, era en otoño, apenas la dulzura brillante de un sol moribundo, puntual, lentamente apagado. Para toda la gama de sanmarianos que miraban el cielo y la tierra antes de aceptar la sinrazón adecuada del trabajo. (…) Nada sucedió en Santa María aquel otoño hasta que llegó la hora –por qué maldita o fatal o determinada e ineludible–, hasta que llegó la hora feliz de la mentira». Así es como relata el escritor Juan Carlos Onetti la vida en la ciudad imaginaria de Santa María, materializada en la ópera ‘La ciudad de las mentiras’, cuyo estreno mundial ha acogido este lunes 20 de febrero el Teatro Real. El público ha acogido con tibieza, dividido entre aplausos y algunos abucheos, este encargo y nueva producción del Teatro Real, una ópera basada en cuatro cuentos de Juan Carlos Onetti, publicados entre la década de los 50 y 60, y protagonizados por mujeres cuyas historias se entrelazan en un universo en el que la mentira se convierte en maniobra de evasión y refugio de la realidad hostil y claustrofóbica que se vive en Santa María, donde transcurre gran parte de la ficción literaria del autor uruguayo. Al estreno mundial han asistido personalidades del mundo de la música como los compositores Antón García Abril, Pilar Jurado, Sánchez Verdú y Luis de Pablo. La también compositora Elena Mendoza es la autora de esta obra, un encargo del director Gerard Mortier, con libreto y colaboración musical de Matthias Rebstock, y también podrá verse los próximos 21, 23, 24 y 26 de febrero en el coliseo madrileño, intercalada con las de ‘Billy Budd’. Titus Engel (que ya ha dirigido dos estrenos mundiales en el Real) se ha ocupado de la dirección musical de este teatro musical en quince escenas, como lo conciben Mendoza y Rebstock, para quienes «componer una ópera hoy en día significa hasta cierto punto reinventársela como género». De este modo, en la función –de algo más de hora y media de duración, sin interrupción–, el teatro y la música se mezclan hasta formar una unidad indivisible, como ocurre con la barra del bar en la que los vasos se convierten en instrumentos de percusión, o en el juego de dominó, donde las piezas van mas allá del juego y el público no puede «dirimir» entre lo que es teatro y lo que es música. Las sopranos Laia Falcón y Katia Guedes, la acordeonista Anne Landa y la violinista Anna Spina han sido las intérpretes que han encarnado a los personajes de estas cuatro historias, acompañadas por los actores Graham Valentine, David Luque y Tobias Dutschke, el tenor Michael Pflumm, el barítono Guillermo Anzorena y seis instrumentistas-actores: Íñigo Giner Miranda, Miguel Pérez Iniesta, Martin Posegga, Matthias Jann, Wojciech Garbowski y Erik Borgir. Historias de mujeres El hilo conductor de la historia es el relato interpretado por Laia Falcón que lleva por título ‘Un sueño realizado’, en el que una mujer sin nombre visita a un director de escena arruinado, al que encarga poner en escena un sueño que ha tenido, en el que mientras soñaba era feliz por lo que quiere verlo todo nuevamente. La reacción del director oscila entre la burla, la incredulidad y la sensación de que hay un sentido oculto en todo aquello. Por ello, tras contratar a todos los habitantes de Santa María como actores, se representará un sueño cuya escena final (con el que cierra la ópera) queda abierta a múltiples interpretaciones. Esta historia se entrelaza con la de ‘La novia robada’ (a la que ha dado voz Anna Spina) en la que el doctor Díaz Grey, prócer de Santa María, le declara a la joven Moncha Insaurralde retrospectivamente su amor desde la tumba. Sin embargo, Moncha –enviada a Europa por su familia para alejarla de su amante juvenil, Marcos Bergner– regresa a Santa María con la intención de casarse con él sin saber que el joven también ha muerto. A pesar de todo, la muchacha decide ignorar las circunstancias y, vestida de novia, pasea por Santa María y cada noche de luna celebra su casamiento con un Marcos imaginario. La decadencia de Mocha se refleja en el progresivo deterioro de su vestido, una historia que, pese a su dramatismo, ha pintado una sonrisa en la cara del público cuando la joven es servida por el barman, que no olvida tampoco a su imaginario pretendiente. El matrimonio es también el tema central de ‘El infierno tan temido’ en el que Gracia, actriz de teatro, y Risso, reportero de la emisora de radio local de Santa María, se juran eterna fidelidad cuando se casan (encarnados por Katia Guedes y David Luque). Sin embargo, cuando la mujer relata a su marido una aventura con un espectador, a la que ella no concede demasiada importancia, él la expulsa de casa. Gracia abandona Santa María y Risso empieza a recibir con regularidad fotografías que ella misma toma en poses obscenas, siempre con un hombre distinto. Cuando el envío de las fotografías se hace extensivo a los demás habitantes de Santa María, el hombre pierde la razón. Este cuento ya fue llevado a la gran pantalla de la mano del director argentino Raúl de la Torre en una película del mismo nombre que se alzó con el Cóndor de Plata –los premios que anualmente concede la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina– a la mejor película, en el año 1981. Carmen Méndez protagoniza la cuarta historia en escena, ‘El álbum’ (a la que pone voz y rostro Anne Landa), que cuenta cómo una mujer que llega al puerto de la ciudad y el joven Jorge Malabia (que interpreta el tenor Michael Pflumm) se siente atraído de una forma especial por ella. Entre los dos forjarán una singular relación, basada en las fantásticas historias de viajes que ella le narra noche tras noche, seduciéndolo con lo que él cree un mundo de ficción. Un día, Carmen abandona Santa María dejando su maleta en el hotel, que Jorge recupera para encontrar en su interior un álbum de fotos que atestigua que todas las historias que ella le ha contado son reales, por lo que se deshace el encantamiento. Todas estos cuentos se han materializado y entrelazado esta noche en el Teatro Real, tejidos alrededor de la mentira y el engaño. Aunque, como dijo Onetti, «hay varias maneras de mentir, pero la más repugnante de todas es decir la verdad, toda la verdad, ocultando el alma de los hechos. Porque los hechos son siempre vacíos, son recipientes que tomarán la forma del sentimiento que los llene». Escrito por: Nota de PrensaFotografía: MasEscen...

La capital turolense acoge desde este jueves, 16 de febrero, y hasta el domingo 19 la recreación medieval de las Bodas de Isabel de Segura, que narran la leyenda de los Amantes de Teruel, de la que este año se conmemora su 800 aniversario, motivo por el cuál se ha representado por primera vez el beso entre Isabel de Segura y Diego de Marcilla. La actuación ha tenido lugar en la noche de este jueves en forma de sueño de la protagonista. La directora de la Fundación Bodas de Isabel, Raquel Esteban, ha señalado que «hemos visto ese beso tantas veces soñado por Isabel y que nunca llegará a materializarse en vida». La celebración se ha iniciado este jueves por la noche con la representación de varias escenas, además de que durante el día los 150 grupos que ambientan la ciudad han instalado sus ‘haymas’ medievales. Desde la Fundación Bodas de Isabel han explicado en una nota de prensa que las primeras actuaciones han permitido ver como los hombres de la villa se encuentran en medio de la guerra y en la ciudad solo quedan mujeres, niños y ancianos. Entre todas ellas, Isabel de Segura, quien contraerá nupcias con Pedro de Azagra, no termina de resignarse al hecho de que Diego de Marcilla haya desaparecido en la batalla. En ese momento, sueña el beso con Diego, si bien se ve truncado y aparece en escena el Concejo de Teruel, que con motivo de la recepción que se celebra por la visita del rey Jaime I se ve en la necesidad de recortar los gastos previstos para tal ceremonia, algo que finalmente es solucionado por la generosidad del tenente del rey Jaime de Teruel, señor de Albarracín, acompañado por su esposa Doña Elfa. Interés turístico nacional La Fundación Bodas de Isabel ha recordado que esta edición es la primera que se celebra después de ser declarada de Fiesta de Interés Turístico Nacional. Según ha indicado, «la afluencia de público y medios de comunicación está resultando excepcional y se ha advertido ya desde el jueves un incremento del periodo de estancia de los turistas y visitantes, tanto en la ciudad de Teruel como en toda la provincia». Ha añadido que con motivo del 800 aniversario de la Leyenda de los Amantes «los guionistas y directores escénicos de Las Bodas de Isabel han duplicado sus esfuerzos en la dramaturgia, con la intención de que la fiesta siga siendo algo vivo y diferente, sin desvirtuar nunca su esencia». Los festejos continúan este viernes con la representación de una de las principales escenas, ‘La Boda de Isabel de Segura y Pedro de Azagra’, que finalizará con el pregón del artista Agustín Alegre. Asimismo, a lo largo de todo el día se sucederán numerosas escenas por todo el centro histórico. La ciudad contará, además, con numerosas delegaciones de autoridades y personalidades de la cultura y las fiestas y recreaciones históricas de España y Europa, que serán recibidos en el consistorio turolense. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: MasEscen...

El Teatro Real acogerá el próximo lunes 20 de febrero el estreno mundial de la ópera ‘La ciudad de las mentiras’, un encargo del que fue director del coliseo madrileño Gerard Mortier, realizado a partir de la concepción «existencial» y el «universo ambiguo» del escritor Juan Carlos Onetti. La compositora Elena Mendoza, compositora de la pieza, y Matthias Rebstock, autor del libreto, son los artífices de esta obra, cuya escena dirigen. Esta ópera está basada en cuatro cuentos de Juan Carlos Onetti (1909-1994) protagonizados por mujeres cuyas historias se entrelazan en Santa María, ciudad imaginaria donde transcurre gran parte de la ficción literaria del escritor uruguayo. Según ha explicado Mendoza este miércoles 15 de febrero durante la presentación ante la prensa de esta ópera, que se ofrecerá en cinco funciones, los días 20, 21, 23, 24 y 26 de febrero, «el lenguaje de Onetti es muy poético, ambiguo y abierto», motivo por el que hay «espacio» para «diferentes disciplinas artísticas». La compositora considera que la visión del escritor deja «lugar para la imaginación» y cree que «lo que cuenta es tan importante como lo que omite», por lo que ambos han dado su «visión personal». «Es nuestro mundo el que entra en interacción», ha dicho. En cuanto al texto, basado en los cuentos ‘Un sueño realizado’, ‘La novia robada’, ‘El infierno tan temido’ y ‘El álbum’, ha señalado que se han respetado los originales y la adaptación ha sido «muy leve». De esta forma, el espectador asistirá a una polifonía de personajes, lugares y situaciones de los cuatro relatos, enlazados en 15 escenas. Matthias Rebstock, por su parte, ha explicado que en esta ocasión son las mujeres las protagonistas de la obra, en la que la mentira se convierte en maniobra de evasión y refugio de la realidad hostil y claustrofóbica de Santa María, escenario de la obra literaria de Onetti. Rebstock ha señalado que el concepto de la creación de esta obra ha sido «más orgánico y flexible» que el proceso clásico de otras obras, puesto que los elementos teatrales se han integrado y se han tenido en cuenta «desde el principio». Sin frontera entre la música y el teatro El teatro y la música se mezclan hasta el punto de formar una unidad indivisible, como ocurre con la barra del bar en la que los vasos se convierten en instrumentos de percusión, o en el juego de dominó, donde las piezas van mas allá del juego y el público no podrá «dirimir» entre lo que es teatro y lo que es música. Además, según ha desvelado el director musical de ‘La ciudad de las mentiras’, Titus Engel, un «pequeño ensemble» de músicos se colocará en el palco real para crear un momento muy especial. En cuanto al estilo compositivo de Mendoza, la autora ha explicado que en su trabajo bebe mucho de la «tradición tímbrica de las vanguardias de los años 70», de la «música espectral francesa» y de los compositores que trabajan el sonido «no como una suma de parámetros aislados, sino como un todo», al igual que ocurre con el trabajo de un «escultor». Los intérpretes que encarnarán a los personajes de estas cuatro historias son las sopranos Laia Falcón y Katia Guedes, la acordeonista Anne Landa, la violinista Anna Spina, los actores Graham Valentine, David Luque y Tobias Dutschke, el tenor Michael Pflumm, el barítono Guillermo Anzorena y seis instrumentistas-actores: Íñigo Giner Miranda, Miguel Pérez Iniesta, Martin Posegga, Matthias Jann, Wojciech Garbowski y Erik Borgir. Escrito por: Nota de PrensaFotografía: MasEscen...