El Teatro de la Zarzuela acogerá durante 17 funciones, desde el 6 al 28 de mayo, la versión libre de Enrique Viana, que también firma la dirección de escena, del montaje conjunto de ‘Enseñanza libre’, compuesta por Gerónimo Giménez y estrenada en 1901, y de ‘La gatita blanca’, creada por Giménez y Amadeo Vives y presentada en 1905. «Es una experiencia nueva en la que le hemos dado la vuelta al teatro», ha afirmado el director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, encargado de la escenografía en la producción. De este modo, las seiscientas butacas del patio han sido sustituidas por el escenario, un suelo de espejo que convierte a la lámpara de más de 600 kilos de la sala en una protagonista más de la obra. El público ocupará, además de los palcos de los diferentes pisos, el escenario verdadero del teatro, donde se han instalado unas gradas que albergarán a más de 200 personas. En el Teatro de la Zarzuela no se quitaban las butacas para acoger un espectáculo desde 1922 con el ‘Circo ecuestre americano’. El encargado de la dirección musical será Manuel Coves, que estará al frente del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, que ocupará un foso situado en la zona de la sala donde está la puerta principal de acceso al público. Además, el reparto coral, que está acompañado por un cuerpo de 20 bailarines, está integrado por la mezzosoprano Cristina Faus, la cantante Roko, la actriz Gurutze Beitia, la mezzosoprano María José Suárez, el tenor y actor Ángel Ruiz, el barítono Axier Sánchez, el actor José Luis Martínez y los actores y cantantes Iñaki Maruri y Mitxel Santamarina. En el marco de esta iniciativa, el próximo 16 de mayo Daniel Bianco mantendrá un encuentro con pase técnico con alumnos de diversas disciplinas de Artes Escénicas. Para el director del Teatro de la Zarzuela, este espectáculo es «una gran revista» donde «los espectadores pueden abrazar a los actores». Además, ha añadido que este teatro es «pequeño pero noble» y que su acústica les «ha ido muy bien» en este proyecto. Dos obras con «mucho interés musical» Por su parte, Enrique Viana ha señalado que hace este montaje con «muchísima ilusión» porque la música es «indiscutiblemente buena» y porque aprecia «mucho» al maestro Giménez. Concretamente, ha destacado que se trata de dos obras del género chico «bastante corales» y con «mucho interés musical». «Tengo cariño al género chico porque me hizo pasar buenas tardes de pequeño», ha precisado. Respecto a su adaptación, Viana ha asegurado que ha puesto ‘Enseñanza libre’ «al servicio» de ‘La gatita blanca’. Así, ha subrayado que ha dejado «todo el argumento» de ‘La gatita blanca’, una obra que, a su juicio, tiene un texto «menos ofensivo». En este sentido, ha explicado que, aunque le «gusta mucho el humor de lo absurdo», no quiere tener «nada que ver» con algo que «sea ofensivo». «Quiero algo divertido con lo que el público salga contento», ha dicho. La música y las letras igual que las originales Sobre la música de Gerónimo Giménez y Amadeo Vives, Viana cree que «Vives debe más a Giménez que Giménez a Vives» y ha afirmado que la música y las letras son «exactamente las que eran». En la misma línea, el director musical del espectáculo, Manuel Coves, ha asegurado que se cree si le dicen «que la obra es de Giménez y que no aparece Vives en ningún momento». Precisamente, ha resaltado que el «sello» de este doble programa es «la melodía y la orquestación del maestro Giménez». Sin embargo, ha añadido que sin la «excelente implicación» musical y actoral de todos «esto no sería posible». «O todos están en un nivel mucho mayor que en un montaje convencional o esto no funciona», ha declarado. Por último, la cantante Roko se ha mostrado «muy agradecida» por poder estar haciendo esta obra que, para ella, está siendo «un aprendizaje brutal» y que se lo está «pasando muy bien» con sus compañeros. «Creo que este montaje va a sorprender y no va a dejar indiferente», ha concluido...

Así lo recogía un twit de la Uniónde Actores de Madrid. Descansa en paz compañera...

La Sa...

Los recurrentes reclamaban ser indemnizados por el Estado por implantar el canon, que fue anulado por el propio Supremo el pasado mes de noviembre por ser contrario al derecho de la Unión. La desestimación se basa, según señala el Supremo, en que los recurrentes no han aportado a la causa el informe pericial que ellos mismos anunciaron que presentarían en el recurso que formularon en 2013 contra el canon digital, donde pedían la indemnización. Así, señala que en el súplico del escrito de demanda de las sociedades se pedía que se declarase el derecho a la indemnización de los daños y perjuicios causados por el Real Decreto impugnado, sobre la base del dictamen pericial que se aportaría a la Sala. «Y lo cierto –dice el Supremo ahora– es que dicho informe no ha sido aportado al recurso.» El alto tribunal añade que, en concreto, mediante providencia del tribunal de 18 de noviembre de 2013 se acordó requerir a la recurrente para que aportara, en plazo de diez días, el informe pericial. Y posteriormente, mediante providencia de 12 de diciembre de 2013, se tuvo a la parte por renunciada respecto del dictamen pericial que había anunciado en el escrito de demanda. Resolución que no fue impugnada, por lo que adquirió firmeza. La Sala III del Supremo anuló en noviembre el Real Decreto por el que se regula el procedimiento de pago de la compensación equitativa por copia privada con cargo a los Presupuestos Generales del Estado, conocido como ‘canon digital’, por ser contrario al derecho de la UE, tal como había establecido el Tribunal de Justicia de la Unión Europea en sentencia del pasado 9 de junio de 2016. El director general de Adepi, Antonio Fernández, ha precisado, que está «pendiente» aún la comunicación de la sentencia esta semana de la reclamación patrimonial de las ocho entidades en la que sí se aportan los informes y que espera que sea favorable a estas entidades de gestión. Según ha explicado, el Supremo ha desestimado la petición de resarcimiento por daños y perjuicios «por cuestiones de forma» y no se entra «en el fondo», a diferencia de la sentencia que previsiblemente se comunicará este viernes 21 de abril...

Uno de cada cinco castings en España ya es online cuando hace cinco años «no se realizaba prácticamente ninguno», según datos del buscador de actores Vibuk. Así, el CEO de Vibuk, Jorge Martínez, destaca los beneficios de este «avance» ya que «en vez de tener que ver a 300 personas en tres días en un plató, se puede reducir a 50 o menos candidatos tras haber afinado la búsqueda a través del casting online». Martínez explica que lo habitual en estos castings no es pedir al actor que se grabe actuando sobre el papel para el que le están buscando, ya que para ello es importante que el director de casting esté presente y le dirija, sino que se pide una grabación de un minuto presentándose o contando algo sobre ellos. «Muchas veces el tono de su voz, o un rasgo físico que no se apreciaba en las fotos, ya les descarta para el casting y les ahorra, a ambas partes, muchas horas perdidas», ha señalado Martínez para indicar que en España la tendencia «va calando poco a poco» sobre todo como primer filtro antes de un casting presencial. Asimismo, la actriz Bárbara de Lema ha apuntado que para los actores y actrices también supone un cambio positivo puesto que los directores de casting pueden dedicar más tiempo a cada candidato que llega a la fase presencial y sacar el máximo partido a cada prueba...

Uno de cada cinco castings en España ya es online cuando hace cinco años «no se realizaba prácticamente ninguno», según datos del buscador de actores Vibuk. Así, el CEO de Vibuk, Jorge Martínez, destaca los beneficios de este «avance» ya que «en vez de tener que ver a 300 personas en tres días en un plató, se puede reducir a 50 o menos candidatos tras haber afinado la búsqueda a través del casting online». Martínez explica que lo habitual en estos castings no es pedir al actor que se grabe actuando sobre el papel para el que le están buscando, ya que para ello es importante que el director de casting esté presente y le dirija, sino que se pide una grabación de un minuto presentándose o contando algo sobre ellos. «Muchas veces el tono de su voz, o un rasgo físico que no se apreciaba en las fotos, ya les descarta para el casting y les ahorra, a ambas partes, muchas horas perdidas», ha señalado Martínez para indicar que en España la tendencia «va calando poco a poco» sobre todo como primer filtro antes de un casting presencial. Asimismo, la actriz Bárbara de Lema ha apuntado que para los actores y actrices también supone un cambio positivo puesto que los directores de casting pueden dedicar más tiempo a cada candidato que llega a la fase presencial y sacar el máximo partido a cada prueba...

La «falta de entendimiento» en el ‘brexit’ o las redes sociales son algunas de las lecturas que se podrán extraer de la nueva versión de ‘La cantante calva’, obra representativa del teatro absurdo que estará en el Teatro Español del 3 de mayo al 11 de junio con Adriana Ozores y Fernando Tejero entre sus protagonistas. Esta coproducción entre Pentación y el propio Español cuenta con Luis Luque en la dirección y Natalia Menéndez en la adaptación de un texto que ha respetado el original de Ionesco porque «habla de muchas cosas de ahora: en especial de lo que la gente ve y oye y no entiende nada», ha resaltado el director de la obra. «La punta de lanza es el absurdo, como opuesto a la razón, que refleja la reacción de Ionesco ante una Europa devastada y en crisis. Ese estado de perplejidad y desconcierto nos sigue bañando hoy en día», ha aseverado Luque, quien ha reconocido que sin esa «visión extravagente» uno sería «incapaz» por ejemplo de entender cómo Donald Trump «ha llegado a presidente de Estados Unidos». ‘La cantante calva’ –que cuenta también en el reparto con actores como Joaquín Climent, Javier Pereira, Carmen Ruiz o Helena Lanza– fue la primera obra teatral de Ionesco. Estrenada en París en el año 1950, su origen tiene que ver con los intentos del autor rumano por aprender inglés con expresiones con el método Assimil, que proponía frases como ‘My taylor is rich’ (‘Mi sastre es rico’) y que Ionesco consideraba inservibles. «Ionesco quería hablar de un mundo de ruido sin sentido ni significado, como ocurre con las redes sociales hoy: hay polémicas que duran un suspiro, un parloteo constante en el que nadie consigue comunicarse. ‘La cantante calva’ también es un mundo onírico que no soporta los silencios y hay que llenarlos», ha aseverado Luque. La influencia británica está presente en la obra desde los personajes (el señor y la señora Smith) hasta el decorado atemporal que refuerza la idea de absurdo: paredes extrañas, sótanos, relojes que solo ve el público y, en especial, una bandera del Reino Unido «desquebrajada». «Es un espacio muy inglés porque ellos son muy ingleses», ha bromeado el director. La lupa en la burguesía «El ‘brexit’ también está, porque fluye esa idea de que no hay manera de entenderse, como ha ocurrido con esta separación», ha apuntado Luque, quien ha reiterado la importancia de que no haya una época concreta (pueden intuirse los 60, los 70 o los 80) porque «el tiempo está detenido y los personajes llevan ahí mucho tiempo». Por su parte, Menéndez ha lamentado el «desconocimiento» en España en torno a este clásico que «se ha hecho poco y se ha adaptado poquísimo, por no decir nada». La directora del Festival de Almagro ha insistido en que se trata de un texto que «pone la lupa sobre la burguesía» y que usa la palabra «como arma de destrucción». «El humor es lo más difícil de adaptar», ha añadido. La psicología de un niño Ozores ha asegurado que Luque planteó al elenco un «juego» para captar el «alma» de Ionesco. «Fue un proceso al revés, primero el juego y luego el alma del autor. Normalmente nos apoyamos en la psicología del personaje, pero aquí no, porque si haces eso estás perdido: es más como la psicología de un niño», ha admitido la actriz. «Va a haber un antes y un después de esta obra», ha aseverado Tejero, tras reconocer que el teatro es lo que más le «gusta del mundo». «Le pongo alma y corazón y a veces pasa como en este caso, que me lo llevo al terreno personal y acaba sucediendo una tragedia», ha concluido.  ...

El actor Aarón Cobos estrenó el pasado 20 de abril en Washington la versión en español del musical ‘In the Heights’, con el que el Teatro GALA concluye su 41 temporada ‘¡Con tu propio Acento!’, y que ha permitido al intérprete sentirse en Estados Unidos «como en casa» tras las dificultades que ha encontrado en España. Cobos ha explicado la dificultad de encontrar trabajo en el sector teatral en España tanto a lo largo de su trayectoria como en la actualidad. De hecho, ha admitido, «fue un punto en el que verdaderamente no merecía la pena seguir apostando por algo que al final no merecía la pena para uno mismo. No hablo sólo de proyectos de crecimiento artístico y nuevos retos, sino de los salarios extremadamente irrisorios, o de trabajar literalmente gratis». Respecto a esta ‘fuga de cerebros’ en España, el actor ha lamentado que «su repercusión tendría que alarmar más de lo que lo hace». «Me entristece que un país como el mío tenga que perder a gran parte de sus trabajadores más cualificados y con tanto talento. Desearía que España pudiera volver a tener una edad dorada y fuera un referente social, económico y artístico, y no solo vacacional y festivo», ha asegurado. Por todo ello, se mudó a Nueva York, «su sueño», para descubrir un mundo de posibilidades y oportunidades y unirse a la versión española de la producción musical ‘In The Heights’ que ha ganado cuatro Premios Tony y que fue nominado al Premio Pulitzer de Drama del 2009. Como ha destacado, para él y su carrera, «era el momento de tomar una decisión y saltar». Así, el actor ha afirmado que por ahora no piensa regresar a España, pese a asegurar «amar» el país y sus raíces: «no pasa nada si nos trasplantamos o nos injertamos en tierras más fértiles donde podamos ser nosotros mismos y seguir creciendo». «En España ya tenía la sensación de estar empujando un muro inamovible. Veía grandes injusticias dentro del sector cultural y artístico (crisis, subida del IVA, cierre de cines y teatros) y también injusticias consecuentes hacia nosotros», ha relatado, por lo que ha reiterado que en Nueva York se siente «como en casa». Nacido en Alicante en 1984, Cobos se mudó a Madrid en 2005 para unirse al musical de Mecano ‘Hoy no me puedo levantar’ y desde entonces ha participado en producciones musicales españoles como ‘Aladdin’, ‘High School Musical’, ‘Mamma Mia’, ‘My Fair Lady’ o ‘Priscilla, Reina del Desierto’. «Un mensaje mundial» El espectáculo ‘In the Heights’ cuenta la historia de los amores, las esperanzas y las desilusiones de una comunidad inmigrante latina tenaz frente a los cambios demográficos en el barrio de Washington Heights, lleno de influencias hispánicas con los ritmos hip hop, salsa y merengue. A este respecto, Cobos ha expresado que está muy orgulloso de su sangre y herencia y que es «un placer» representar al mundo latino «sin caer en los estereotipos de las drogas o en la violencia». Además, ha detallado que el argumento transmite «un mensaje mundial, universal para todo el que quiera escuchar» por lo que se ha mostrado confiado en que «esta producción inspire y le dé poder al público, en este momento histórico en el que el tono político ha denigrado a las ‘minorías'», refiriéndose a la política de Trump. «La producción es como un hogar, porque todos vivimos y convivimos juntos. Somos ‘casa’, porque casa es donde decidimos ser y estar. Y no aceptar esto sería algo así como no aceptar que podemos vivir sin respirar. Es una realidad le pese a quien le pese», ha añadido. El musical ‘In the Heights’ ha sido concebido por Lin-Manuel Miranda, autor también de las letras, con libreto de Quiara Alegría Hudes, mientras que Luis Salgado es el director y coreógrafo de la producción y Walter «Bobby» McCoy es el director musical. Esta producción cuenta con subtítulos en inglés y español, y se representará en la ciudad americana hasta el 21 de mayo...

  El coliseo madrileño acogerá tres piezas del célebre coreógrafo que se podrán ver los días 27, 29 y 30 de este mes La Compañía Nacional de Danza (CND) lleva esta semana al Teatro Real ‘Una noche con Forsythe’, un homenaje a uno de los grandes coreógrafos contemporáneos que pone de manifiesto su «fisicalidad, libertad y fuerza», según ha indicado el director artístico de la compañía, José Carlos Martínez, este martes 25 de abril en un encuentro con los medios. Este programa se podrá ver en cuatro funciones los días 27, 29 y 30 de abril e incluye tres de sus trabajos más emblemáticos: ‘The Vertiginous Thrill of Exactitude’, ‘Artifact Suite’ y ‘Enemy in the Figure’. Estas piezas se suman a la puesta en escena de hasta nueve creaciones por parte de la compañía española hasta ahora. Para la preparación del espectáculo que acogerá el Teatro Real, los bailarines han contado con la colaboración de los maestros de la Fundación Forsythe: Agnés Noltenius y Maurice Causey (Artifact Suite), Noah Gelber (The Vertiginous Thrill of Exactitude) y Ana Catalina Román (Enemy in the Figure). Martínez ha explicado que, en primer lugar, ‘The Vertiginous Thrill of Exactitude’ es la más clásicas de las tres y supone un «reto» por la «dificultad técnica que presenta». También es la que contiene «mayor rapidez» y en ella el autor «usa los desequilibrios hasta el límite». «Hace que el ballet se introduzca en el siglo XXI», ha indicado. En el caso de ‘Artifact Suite’, se trata de «pieza coral» en la que el autor usa un «vocabulario clásico, movimientos simples y desestructura hasta el infinito», en palabras del director de la CND. La escenografía es «simple» y «cambia constantemente» gracias a los «efectos de luces» que alteran el «orden y el desorden» hasta romper los «códigos». La última pieza, ‘Enemy in the Figure’, es, según el propio Forsythe (Nueva York, 1949), una «instalación en movimiento» en la que se sirve de «improvisación». En el escenario aparece un muro que reparte el espacio escénico en dos partes y son los propios bailarines quienes mueven los focos e iluminan ciertas partes de las piezas, de manera que conducen la «mirada del espectador». Tal y como ha señalado Martínez, este programa es para la CND un «paso adelante», puesto que en España «sigue habiendo conflicto sobre lo clásico y lo contemporáneo» y, sin embargo, esta propuesta «une ambos ámbitos». «Es lo que debería ser la CND en el futuro, debe ser capaz de bailar todo tipo de repertorio», ha dicho. Futuros proyectos Preguntado por futuros proyectos de la Compañía Nacional de Danza, su director ha señalado que en la temporada 2017-2018 girarán por varios países, como Corea, Estados Unidos, Francia o Alemania, el «máximo» de lo que pueden hacer, según ha señalado. Sobre planes futuros, ha avanzado que ya están trabajando en la temporada 2018-2019, en la que esperan llevar al Teatro Real un «título clásico» que se estrenará en el coliseo madrileño. Asimismo, ha indicado que una de sus ideas es «reunir a tres coreógrafos» que participen en un título con el objetivo de «buscar un camino para que la danza tenga más visibilidad». Respecto al objetivo del Gobierno de diseñar un nuevo Teatro Nacional de Danza que se convierta en sede permanente para la Compañía Nacional de Danza y del Ballet Nacional de España, una propuesta que se incluye en el Plan Cultural 20/20 presentado recientemente en el Congreso, el director de la CND ha señalado que cree que se cumplirá «a largo plazo» y ha destacado «la voluntad política existe en la actualidad»...

El director de la Compañía Nacional de Danza, José Carlos Martínez, ha anunciado este martes 25 de abril que la compañía volverá a bailar el repertorio de Nacho Duato con la puesta en escena de ‘Por vos muero’ en 2018 en el Teatro de la Zarzuela. Según ha indicado, se trata del «primer paso» para acabar con la «polémica» que surgió tras los desencuentros hace unos años entre Duato y el Ministerio de Cultura, tal y como ha señalado durante la presentación del programa ‘Una noche con Forsythe’, un homenaje al creador que incluirá tres trabajos emblemáticos y que se podrá ver en el Teatro Real los días 27, 29 y 30 de abril. El actual director de la CND ha señalado que Nacho Duato vendrá a España el próximo mes de julio para acudir a las audiciones de los bailarines y se quedará para supervisar el trabajo. Según ha agregado, en julio del pasado año, el que fue director de la compañía durante 20 años vio al cuerpo de baile y «cambió de opinión». «El tiempo ha cambiado las cosas», ha apostillado Martínez. Nacho Duato dirigó la CND entre 1990 y 2010 y poco después prohibió a la compañía representar sus coreografías porque, tal y como argumentó en aquel momento, el Ministerio de Cultura, que entonces dirigía Ángeles González-Sinde, rechazó su propuesta para que le contrataran como ayudante del director para supervisar sus coreografías. Tras su salida de la compañía española, Duato firmó contrato para dirigir el ballet del Teatro Mijáilovski de San Petersburgo a partir del 1 de enero de 2011 y posteriormente asumió la dirección del Ballet Estatal de Berlín en la temporada 2014-2015, responsabilidad que según anunció el ballet recientemente, abandonará en julio de 2018...

El Teatro Español ha presentado este viernes 21 de abril la obra ‘Una habitación propia’ de Virginia Wolf, un monólogo feminista adaptado y dirigido por María Ruiz e interpretado por Clara Sanchís. «El personaje mira todo desde un punto de vista excéntrico, rebajando todo a su punto justo. Las mujeres culturalmente son excéntricas», ha señalado la directora. La Sala Margarita Xirgu del Teatro Real acogerá el espectáculo desde el próximo 27 de abril hasta el 21 de mayo, después de su paso por el Pavón Teatro Kamikaze el pasado mes de diciembre. Durante la presentación, María Ruiz ha asegurado que en la adaptación ha seguido la «peripecia» de Virginia Wolf, una escritora que, en su opinión, explica una idea femenina «desde la inteligencia más absoluta». «Es un libro que se ha quedado por derecho propio», ha precisado. Igualmente, la directora ha destacado que una «cosa clásica» de Wolf es «el sentido del humor» y que mezcla las «cuestiones sin resolver con el brebaje de la vida cotidiana». «Habla de la importancia del trabajo doméstico dirigiéndose a intelectuales», ha añadido. Sobre la adaptación, Ruiz ha subrayado que la dificultad ha sido «cortar ese texto», del cual la parte de crítica literaria «salió del todo fuera». Concretamente, ha comentado que el «principal trabajo» en los ensayos ha sido encontrar el tono que «la propia obra tiene». «Un viaje tremendo» Por su parte, Clara Sanchis ha confesado que haciendo este personaje cree que «por primera vez» se siente «útil o casi útil», porque al leer el libro se quedó «con los ojos como platos». «El asombro que me produjo la lectura fue algo físico», ha dicho. En este sentido, la actriz ha afirmado que el libro, aunque era «divertidísimo», hizo que se le saltaran las lágrimas, por lo que leerlo fue para ella «un viaje tremendo». Respecto a la directora del montaje, Sanchis ha señalado que considera «en cierto modo» a María Ruiz su «maestra» y ha añadido que es «como si ella hubiera escrito el texto». «He tenido la suerte de acudir al viaje de la versión, es como si corrieran por sus venas las palabras de Virginia», ha declarado. Carta de la Temporada Igualdad La exhibición de ‘Una habitación propia’ coincide con la firma del Teatro Español de la denominada ‘Carta de la Temporada Igualdad Mujer/Hombre en las Artes Escénicas’. Esta iniciativa promovida por la Asociación Clásicas y Modernas, a la que ya se han suscrito 19 organizaciones en Madrid, tiene el objetivo de alcanzar la igualdad profesional entre mujeres y hombres en el sector. Sobre esta carta, la directora artística del Teatro Español, Carme Portaceli, ha comentado que está «muy contenta» por firmar esta temporada de igualdad. «La igualdad forma parte de este teatro, sale de forma natural que haya paridad entre hombres y mujeres», ha precisado. Por su parte, la escritora Laura Freixa ha destacado que la cultura sigue siendo «machista y patriarcal», ya que las mujeres «son vistas como lo raro y lo marginal». Por ello, ha afirmado que para corregir eso hay que «convencer» a las instituciones para que «abran las puertas a las mujeres» y «reflejen a la sociedad en su conjunto». «No hay auténtica igualdad cuando se expulsa del relato a la mitad de la población», ha lamentado...

La joven compañía de teatro, cuplé y cabaret ‘Livianas Provincianas’ se subirá al escenario de El Umbral de Primavera, en el madrileño barrio de Lavapiés, todos los viernes del mes de mayo para hacer revivir al público las canciones que cantaban sus abuelas, desde un punto de vista «feminista y divertido». Las dos actrices de la compañía, Irene Domínguez y Paloma García-Consuegra, que apenas rozan la treintena, recuperan en el espectáculo ‘Es mi hombre’ las canciones de célebres cupletistas como Sara Montiel, Olga Ramos o la Argentinita. El ‘show’ ya ha pasado por escenarios como Matadero Madrid o el Teatro de La Abadía. Las protagonistas son ‘la Berta’ y ‘la Reme’, dos modistas de pueblo que han llegado a Madrid huyendo de su pasado y que intentarán ganarse la vida en la capital en su propio taller de costura clandestino a base de esfuerzo, puntadas, cuplés y sentido del humor. En su repertorio van engarzando grandes clásicos como ‘La llave’, ‘La regadera’, el ‘Ven y ven’ o ‘La chica del 17’, canciones que rezuman picaresca y doble sentido, con las que las cupletistas de principio de siglo intentaban evadir la censura. Además, ‘la Berta’ y ‘la Reme’ estarán acompañadas en el escenario por un desconocido pianista, el actor Juando Martínez Montiel, que pondrá música a las voces de las ‘Livianas Provincianas’. El director es Carlos Tuñón, la dramaturgia de la pieza corre a cargo de Sergio Adillo y el artista Antiel Jiménez es el encargado de la plástica teatral del show. Las entradas saldrán próximamente a la venta y se podrán adquirir a través de la página web ‘http://elumbraldeprimavera.com‘. Las funciones tendrán lugar todos los viernes de mayo a las 22,30 horas excepto el viernes 26, a las 23,00 horas. Además, la compañía ha lanzado una campaña de ‘crowdfunding’ (financiación colectiva a través del micromecenazgo) para poder comprar un nuevo sistema de sonido para el ‘show’. Los interesados pueden participar a través de la plataforma Verkami (http://vkm.is/livianasprovincianas) y podrán recibir a cambio productos de ‘merchandising’ y otras sorpresas personalizadas...