¡El día ha llegado! El redentor está en Madrid. No desciende de entre las nubes ni atraviesa desiertos; irrumpe en el Gran Teatro Pavón con guitarras afinadas y parábolas convertidas en teatro. Celebración coral, comunidad en pie y una palabra antigua que vuelve a pronunciarse. Milagros, ninguno. Oficio, todo. Si desean averiguar si somos dignos de entrar en esta casa, ocupen su butaca: la liturgia acaba de comenzar.
Godspell parte de las parábolas del Evangelio según San Mateo y traza un recorrido escénico alrededor de la figura de Jesús y un grupo de jóvenes reunidos en torno a su palabra. Las enseñanzas adoptan forma de canciones, escenas breves y dinámicas corales que transforman el relato bíblico en acción teatral. La función arranca con un tono festivo y cercano, casi lúdico, y evoluciona hacia una atmósfera más intensa hasta desembocar en la Pasión, instante en el que todo concluye y, al mismo tiempo, todo vuelve a empezar.
Una dramaturgia fragmentaria que encuentra unidad en el trabajo coral y en el juego escénico
Concebida por John-Michael Tebelak con un espíritu casi experimental como trabajo universitario, la pieza renuncia desde su origen a una progresión dramática convencional. No construye un conflicto sostenido ni desarrolla un arco narrativo clásico; organiza episodios independientes cuyo nexo reside en la presencia central y en la partitura de Stephen Schwartz. La producción impulsada por Antonio Banderas desde el Teatro del Soho CaixaBank asume esa fragmentación con coherencia y apoya su cohesión en el trabajo coral. Cuando el ritmo interno se mantiene firme, el conjunto encuentra continuidad. En determinados pasajes aflora ese letargo y algunos números quedan aislados, más brillantes en lo musical que necesarios en lo dramático.
Más allá de su raíz bíblica, la propuesta desplaza el acento hacia un mensaje de carácter ecuménico. Las parábolas, gracias al trabajo de traducción de Roser Batalla, operan como llamadas éticas antes que como doctrina: compasión, generosidad, coherencia entre palabra y acto —esa máxima de que la mano izquierda no sepa lo que hace la derecha— y ayuda al otro sin cálculo. La lectura adopta un tono humanista y abierto; no pretende convencer desde la fe, propone una reflexión compartida sobre la convivencia.
En paralelo, la producción recupera una idea habitual en el ideario creativo de Antonio Banderas: entender el escenario como espacio de juego, en el sentido anglosajón de “to play”. No es una consigna abstracta; el planteamiento resulta visible desde el arranque. La acción sitúa al espectador en un espacio que evoca un almacén teatral, casi una corrala desgastada, donde una joven compañía ensaya y representa ante el público. Ese marco devuelve al actor a la raíz del oficio: presencia, escucha y construcción en común. El teatro aparece despojado de solemnidad, sostenido por el grupo y por la verdad que surge del juego compartido.
La dirección de Banderas, construida sobre la versión de Emilio Aragón, entiende bien la naturaleza fragmentaria del material y responde con una escena en constante movimiento apoyada en lo físico, en la imagen y en la variación de tonos. El espacio se transforma a través de plataformas, guiñoles y elementos móviles que reformulan cada parábola sin detener el pulso. En ese engranaje resultan determinantes las coreografías distributivas de Carmelo Segura, ordenando el flujo del elenco y reforzando la sensación de comunidad, junto a la escenografía de Sebastià Brosa, versátil y funcional, con distintos niveles de acción al servicio del actor. El resultado: un montaje dinámico y orgánico, cada número integrado en un conjunto sostenido con energía.
En el terreno musical, el espectáculo pisa firme gracias a la partitura de Stephen Schwartz, aquí interpretada con fuerza y claridad. “Preparad el camino” marca el pulso desde el arranque con un impulso contagioso y un inicio coral que sitúa al público dentro de la celebración desde el primer compás. A partir de ahí, “Bendice a Dios” o “Todo a fin de bien” confirman la solidez vocal del elenco, mientras que en el segundo acto “Junto a mí” y “En los sauces” permiten escuchar matices más recogidos. La dirección musical de Daniel Villarroya sostiene el conjunto con una orquesta muy bien ajustada, presente sin imponerse.
Un elenco cohesionado donde la individualidad suma al conjunto
El trabajo coral es, sencillamente, de los mejores que pueden escucharse ahora mismo en la cartelera: afinación segura, armonías claras y un grupo que canta como uno solo, pero dentro del conjunto emergen con especial fuerza las figuras de Jesús y Judas. Ferran Fabá construye un Jesús cercano, desprovisto de solemnidad, apoyado más en la serenidad y en la escucha que en la grandilocuencia. Transmite un aura de calma y una mirada limpia que ordenan la escena de forma natural. Su presencia sostiene al grupo sin necesidad de gestos enfáticos; basta con estar para que el resto encuentre equilibrio. Brilla especialmente en “La ciudad más hermosa”, donde apuesta por la sobriedad y la emoción contenida. Frente a él, Hugo Ruiz construye un Judas con mayor tensión y densidad. Comparte carisma con Jesús, aunque desde un lugar más reflexivo. Esa inquietud crece escena a escena hasta encontrar uno de sus puntos más altos en “En los sauces”, interpretada con una intensidad contenida que deja en la sala un silencio casi ensordecedor.
Teresa Abarca imprime energía y determinación, con una presencia constante y muy física en escena. En “Bendice a Dios” asume el protagonismo con carácter y solvencia vocal, integrando fuerza e intención sin perder conexión con el conjunto. Su impulso dinamiza los números corales y sostiene los pasajes de mayor movimiento. Laia Prats muestra un perfil atrevido y urbano, con seguridad en escena y gusto por el juego. Sabe ocupar el centro cuando el número lo pide y maneja esa presencia con naturalidad dentro del conjunto. Roko destaca por una sensibilidad cálida y una vulnerabilidad bien medida que añade matiz a los momentos más íntimos. Estibalitz Ruiz suma franqueza y una presencia directa, a veces áspera, pero siempre honesta. Valiente en escena, muestra compromiso desde su primera aparición y destaca en “Día a Día”, uno de los pasajes más aplaudidos.
Paula Díaz parte desde la timidez y crece con claridad a lo largo de la función, dejando atrás la reserva inicial para afirmarse con naturalidad en escena. Javier Ariano trabaja desde la ternura y la honestidad con una dulzura e inocencia desarmante. Raúl Ortiz introduce un humor ágil y una creatividad constante que dinamiza el conjunto. Por su parte, Aaron Cobos, además de ejercer como Dance Captain, es una energía traviesa y muy física que impulsa la acción, visible en la canción “Te rogamos”. Bajo esa ligereza aflora un intérprete sólido, comprometido con el grupo y atento a la cohesión coral.
En tiempos de ruido y escepticismo, esta propuesta recuerda que el teatro sigue siendo un lugar de encuentro. No hace falta descender de las nubes para hablar de redención; basta con un grupo de actores dispuestos a sostener la escena con honestidad, música y comunidad. Godspell encuentra su fuerza en esa convicción sencilla: mientras fuera vuelan proyectiles —físicos o figurados—, dentro se levanta un espacio donde la palabra antigua suena en presente y el canto compartido actúa como manto de protección.
Dirección: Antonio Banderas
Idea original: John-Michael Tebelak
Música y letras: Stephen Schwartz
Adaptación: Emilio Aragón
Traducción: Roser Batalla
Reparto: Teresa Abarca, Javier Ariano, Alex Chavarri, Paula Díaz, Ferran Fabá, Laia Prats, Estíbalitz Ruiz, Hugo Ruiz, Bella Exum, Paula Moncada, Raúl Ortiz, Álex Parra
Ayudante de dirección: Yolanda Jiménez Polonio
Dirección musical: Daniel Villarroya
Escenografía: Sebastià Brosa
Coreografía: Carmelo Segura
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Jordi Ballbé
Vestuario: Gabriela Salaverri
Producción: Teatro del Soho CaixaBank Málaga / Antonio Banderas
