'Palabra de perro', de Juan Mayorga, y una innovadora versión participativa de 'El avaro', de Molière, centran la programación del fin de semana
Las directoras y actrices reivindican el teatro como espacio de imaginación, reflexión y diálogo con el público
Durante la presentación, la organización destacó que el festival ha contribuido en los últimos años a impulsar carreras profesionales en distintos ámbitos de las artes escénicas, favoreciendo que numerosas creadoras hayan desarrollado nuevas facetas como directoras, formadoras o responsables de proyectos escénicos.
Uno de los espectáculos más singulares de la programación será ‘El avaro’, de Molière, que la compañía francesa Tempête presentará en una versión completamente participativa dirigida por Clément Poirée.
La propuesta elimina prácticamente todos los elementos tradicionales de una producción teatral. Sin escenografía, sin vestuario, sin maquillaje y con apenas cuatro focos, serán los espectadores quienes aporten los objetos con los que se construirá la representación en directo. Los diseñadores, figurinistas y técnicos permanecerán visibles sobre el escenario, transformando cada objeto donado por el público en parte de la función.
La directora explicó que la intención es replantear el significado contemporáneo de la avaricia. Si en tiempos de Molière era uno de los grandes defectos morales, hoy el debate gira en torno al consumismo, la sostenibilidad, la economía circular o el impacto medioambiental de nuestros hábitos de consumo.
Cada representación será distinta, condicionada por las aportaciones del público, cuyos objetos, además, serán donados posteriormente a una organización social para dar continuidad al ciclo de reutilización y solidaridad que inspira la propuesta.
Juan Mayorga dialoga con Cervantes en Palabra de perro
La otra gran apuesta del fin de semana será el estreno de ‘Palabra de perro’, el nuevo texto de Juan Mayorga inspirado en El coloquio de los perros de Miguel de Cervantes y dirigido por Rakel Camacho.
La directora confesó que lo que más le atrajo del proyecto fue comprobar cómo Mayorga había logrado escribir una obra completamente nueva sin perder la esencia cervantina, conservando su profundidad filosófica, su sentido del humor y esa constante frontera difusa entre realidad y ficción.
La historia recupera a Cipión y Berganza, los dos perros que, durante una única noche, adquieren el don de la palabra y emprenden un proceso de conocimiento a través del relato de sus experiencias. Ese diálogo sirve para reflexionar sobre la identidad, la memoria, la exclusión social, la inmigración y las múltiples formas de vulnerabilidad que atraviesan la sociedad contemporánea.
Camacho destacó que la palabra se convierte en el verdadero motor de la obra: nombrar las cosas permite comprenderlas y comprenderse a uno mismo. Una idea profundamente cervantina que Mayorga desarrolla desde una mirada plenamente actual.
La actriz Cecilia Solaguren, que interpreta a Cipión, subrayó la enorme complejidad del proceso creativo. El principal reto consistió en trasladar al escenario una narración literaria que exigía convertir en acción teatral situaciones, espacios y emociones que originalmente existían únicamente en la imaginación del lector.
Según explicó, la puesta en escena multiplica los planos de realidad y convierte la imaginación en uno de los grandes protagonistas del espectáculo. Los personajes transitan continuamente entre espacios reales y simbólicos, obligando al espectador a completar con su imaginación aquello que no aparece físicamente sobre el escenario.
La actriz definió el montaje como un intenso proceso de búsqueda colectiva en el que el equipo artístico ha ido descubriendo progresivamente la naturaleza de la obra. Ahora, aseguró, comienza una nueva etapa: el encuentro con el público, cuya respuesta terminará de completar el sentido de la representación.
Con propuestas tan diferentes como la reinterpretación participativa de Molière o la nueva lectura cervantina de Juan Mayorga, el Festival reafirma su voluntad de convertir los grandes clásicos en herramientas para dialogar con los desafíos del presente, demostrando que el patrimonio teatral continúa siendo un espacio fértil para la innovación, la reflexión y la creación contemporánea.
Una de las intervenciones más destacadas fue la de la actriz Eva Rufo, que presentó la coproducción de La vida es sueño junto al Festival Espurnes Barroques y el Festival de Almagro. El proyecto nace de una pregunta tan sencilla como sugerente: ¿por qué Calderón de la Barca, cuando escribió La vida es sueño en 1635, apenas incorporó la música en una época en la que la ópera vivía un extraordinario desarrollo?
La propuesta parte de la hipótesis de que el propio verso calderoniano ya contiene una estructura musical. A partir de esa idea, el profesor Ignacio Arellano realizó una versión reducida para tres personajes —Segismundo, Rosaura y Basilio— sobre la que se construye un diálogo entre cerca de 900 versos y partituras de compositores contemporáneos del dramaturgo madrileño.
Rufo explicó que el espectáculo se sitúa «entre una lectura dramatizada y una zarzuela», obligando a los intérpretes a encontrar un equilibrio entre la potencia expresiva de la palabra y la atmósfera creada por la música barroca.
«La experiencia casi puede disfrutarse con los ojos cerrados», señaló la actriz. «Las palabras de Calderón llegan a través de las voces como si fueran imágenes pintadas que dialogan con el sonido».
La Casa del Verso, un espacio para formar a los intérpretes
La actriz también defendió el papel que desempeña La Casa del Verso, que celebra su cuarto año dentro del festival y que considera «un hallazgo» por ofrecer un espacio específico para la formación de actores.
Rufo recordó que durante décadas las jornadas académicas de Almagro estuvieron dirigidas principalmente a investigadores y filólogos, mientras que los intérpretes carecían de un lugar donde compartir herramientas para abordar el teatro clásico.
«En muchas escuelas privadas ya no existe la asignatura de verso y en las públicas cada vez encontramos menos formación específica en interpretación del teatro clásico», lamentó.
Además de actores jóvenes, los cursos reúnen a profesores de artes escénicas interesados en trasladar ese conocimiento a las aulas. La iniciativa ha ampliado además su radio de acción con una intensa actividad internacional.
Tras sus viajes por Buenos Aires, Montevideo y México, Rufo destacó que la experiencia ha demostrado que el intercambio cultural funciona en ambas direcciones.
«Pensábamos que íbamos a enseñar cómo se hace y volvemos con muchas más herramientas para nosotros. Es un viaje de ida y vuelta».
Laura Ferrer estrena una comedia escrita para el Corral de Comedias
Otra de las novedades presentadas fue El noble arte del engaño, estreno absoluto de la compañía Scándere, escrito expresamente para el Corral de Comedias de Almagro por Laura Ferrer y Arturo Martínez Vázquez.
La obra sitúa la acción durante el reinado de Felipe IV, cuando la prohibición de los prostíbulos lleva a varias mujeres a instalar una mancebía clandestina en el propio Corral. Todo cambia cuando un jesuita intenta castigarlas y ellas improvisan una mentira que desencadena toda la trama: convencerle de que no son prostitutas, sino actrices.
Ferrer definió la propuesta como «una comedia muy brutal y farsesca», concebida para un público adulto y construida desde el humor, la participación y el diálogo directo con los espectadores, una línea de trabajo heredera de la experiencia de Errantes en Plataforma Corral.
«Revivirla» gana el XV Certamen Internacional Almagro Off
La jornada concluyó con la lectura de la decisión del jurado del XV Certamen Internacional AlmagroOff, cuyo primer premio recayó en Revivirla, de Sesea Producciones.
El jurado reconoció una propuesta que recupera la figura de Francisca de Pedraza, considerada protagonista de la primera sentencia conocida contra la violencia de género en la historia de España.
La dramaturgia, creada por Marta Fuenar y Jon Arráez, fue destacada por convertir un episodio histórico en un relato emocional que devuelve a Pedraza un lugar en el imaginario colectivo y da voz a las miles de mujeres que sufrieron violencia a lo largo de la historia.
El teatro como espacio de diálogo
Durante el coloquio posterior, la directora Rakel Camacho reflexionó sobre Palabra de perro, adaptación del universo cervantino escrita por Juan Mayorga, y defendió un teatro que obligue al espectador a implicarse activamente.
Camacho rechazó trabajar desde la búsqueda del impacto gratuito, aunque reivindicó la necesidad de que el teatro «remueva» al público.
«El día que no dialogue con el espectador dejaré de dirigir», afirmó. «Hacemos teatro porque es el lugar donde todavía sentimos que tenemos una voz para hablar del mundo».
La directora explicó que la función combina humor, dureza y emoción a través de la relación entre Cipión y Berganza, utilizando el universo sonoro de los ladridos como metáfora de todas las formas posibles de expresión humana.
Un festival que sigue ampliando los límites del clásico
La rueda de prensa volvió a mostrar la amplitud de miradas que conviven en el Festival de Almagro. Desde la reconstrucción musical de Calderón hasta el teatro participativo, pasando por la investigación del verso, la recuperación de figuras históricas olvidadas o las nuevas lecturas de Cervantes y Molière, la programación confirma que los textos clásicos siguen siendo un territorio fértil para la creación contemporánea.
La próxima comparecencia del festival tendrá lugar el jueves, con la participación del director José Carlos Plaza, distinguido este año con el Premio Lorenzo Luzuriaga.
