No es habitual encontrar a Arthur Miller sobre los escenarios madrileños, y menos aún recuperar uno de sus textos más incómodos y complejos. Más allá de la versión dirigida por Miguel Narros a comienzos de los dos mil o del montaje firmado por Georges Lavaudant en los Teatros del Canal en 2017, Panorama desde el puente ha aparecido de forma bastante puntual en la cartelera capitalina. Quizá por eso, esta nueva aproximación adquiere también cierto peso de acontecimiento.
En el Teatro Fernán Gómez flota desde el inicio una atmósfera espesa, casi física. El dramaturgo estadounidense encierra al espectador en un apartamento obrero del Brooklyn de los años cincuenta donde los silencios pesan más que las palabras y la intimidad termina pareciendo vigilancia. Eddie Carbone, estibador, vive junto a su mujer y su sobrina en una casa aparentemente estable hasta la llegada de dos inmigrantes sicilianos. Bajo la apariencia de lo doméstico se abre un territorio mucho más incómodo, atravesado por los celos, el deseo reprimido y el miedo a perder el control.
Miller construye la obra desde aquello que nunca termina de verbalizarse. Las pequeñas fricciones domésticas van cargando lentamente el ambiente hasta convertir la convivencia en un espacio cada vez más incómodo. Pero el autor de Muerte de un viajante nunca limita el conflicto puertas hacia dentro. La obra también levanta una dimensión social atravesada por la inmigración ilegal, la precariedad y el trato dispensado a quienes viven permanentemente al borde de la expulsión. Resulta difícil no encontrar ecos muy actuales en ese retrato de quienes sobreviven bajo la amenaza constante de perderlo todo de un día para otro. La adaptación de Eduardo Galán, uno de los grandes adaptadores del teatro español actual, entiende bien ese equilibrio y evita llenar el texto de referencias contemporáneas explícitas, dejando que la vigencia aparezca de manera natural a través del propio conflicto.
La dirección de Javier Molina, actual codirector artístico del Actors Studio de Nueva York, apuesta por una aproximación más apoyada en la tensión interna que en el exceso dramático. El montaje trabaja desde un naturalismo cada vez más incómodo, apoyado en los silencios, las distancias entre personajes y una sensación latente de encierro. Si el arranque avanza con una lentitud capaz de desconcertar a parte del público, pronto termina revelándose como parte del mecanismo dramático. Molina administra el deterioro con precisión, dejando que la violencia se filtre lentamente en las relaciones hasta que la convivencia se vuelve insostenible. Cuando llega el estallido, la tragedia llevaba demasiado tiempo incubándose sobre escena.
La apuesta más singular está en el uso de la cámara en directo. Durante determinadas escenas, primeros planos de los personajes se proyectan sobre una pantalla al fondo del escenario, reforzando la sensación de vigilancia que atraviesa toda la obra. Lejos del artificio gratuito, el recurso termina plenamente integrado en el lenguaje de la obra. La escenografía de Elisa Sanz y la iluminación de Nicolás Fischtel acompañan esa misma sensación de encierro y deterioro desde una puesta en escena contenida, dominada por las penumbras y las zonas de sombra.
El reparto entiende muy bien el tono contenido del libreto y sostiene la tragedia desde dentro, sin excesos. Rodrigo Poisón, que asumió el papel de Eddie Carbone en la función del 9 de mayo en sustitución de José Luis García-Pérez, firma una interpretación de enorme solidez y sensibilidad. El actor (Las cartas de Cristian, Alguien voló sobre el nido del cuco) compone un personaje incómodo sin convertirlo nunca en un villano evidente. Buena parte de la fuerza aparece en la mirada y en esa sensación progresiva de pérdida: la conciencia de que Catherine empieza a escapar del espacio que Eddie había articulado alrededor de ella. Los celos, la posesión y la frustración masculina van emergiendo poco a poco hasta terminar contaminando todo.
Atrapada entre la protección, el desgaste emocional y la conciencia de que algo comienza a romperse definitivamente, María Adánez construye a una Beatrice profundamente humana. La actriz (La gramática, Divinas palabras) aporta al personaje una vertiente maternal que no desaparece ni en los momentos de mayor incomodidad, pero lo más perturbador de su interpretación está en otra parte: en esa lucidez silenciosa de quien lo ve todo, lo comprende todo y aun así se queda.
Al otro lado del puente que intenta sostener Beatrice aparece Catherine: la juventud, el deseo de escapar y la vida que avanza fuera del control de Eddie. Ana Garcés llena el personaje de ilusión, vitalidad y una energía luminosa dentro de un montaje dominado por la incomodidad. Hay en su interpretación impulso, curiosidad y una necesidad casi vital de descubrir el mundo más allá de los límites de la casa. Garcés (The Seagull, Friday) trabaja a su vez muy bien el tránsito entre la inocencia inicial y una rebeldía cada vez más visible, dejando crecer al personaje con enorme naturalidad a medida que avanza la obra.
La llegada de los dos hermanos sicilianos termina actuando como el elemento que precipita definitivamente el conflicto. Pablo Béjar comprende esa función y da vida a un joven luminoso, espontáneo y lleno de vitalidad, en oposición directa al mundo rígido y asfixiante que domina Eddie Carbone. Béjar (El monte de las ánimas, Mañanas de abril y mayo) evita además cualquier caricatura, encontrando en Rodolpho una mezcla convincente de ingenuidad, deseo de futuro y vulnerabilidad. Frente a él, el Marco, interpretado por Alejandro Arestegui, introduce una energía mucho más silenciosa y contenida, amenazante por momentos. El actor (La Regenta, El tiempo inventado) sostiene el personaje desde la dignidad, haciendo visible una necesidad de reparación que poco a poco termina convirtiéndose en uno de los motores más duros del desenlace.
Como Alfieri, Francesc Galcerán incorpora esa mirada externa que acompaña toda la obra desde el inicio. El personaje funciona como un narrador omnisciente, consciente antes que nadie de hacia dónde se dirigen los acontecimientos. Galcerán (La Regenta, No nos olvidarán) sostiene muy bien esa posición incómoda de quien observa el desastre avanzando lentamente sin capacidad real para detenerlo.
Más de setenta años después, Panorama desde el puente continúa funcionando porque Arthur Miller entendió muy pronto que las tragedias modernas no necesitaban héroes ni grandes batallas. Bastaban los celos, el miedo, el orgullo y un conflicto doméstico avanzando lentamente hasta que todo termina por estallar.
Dramaturgo: Arthur Miller
Versión: Eduardo Galán
Dirección: Javier Molina
Intérpretes: José Luis García-Pérez, María Adánez, Ana Garcés, Pablo Béjar, Francesc Galcerán, Rodrigo Poisón, Manuel de Andrés y Pedro Orenes.
Diseño de escenografía: Elisa Sanz
Diseño de vestuario: Emilio Sosa
Diseño de vestuario adjunto y confección: Navascués
Diseño de Iluminación: Nicolás Fischtel
Música y Espacio Sonoro: Manu Solís
Una producción de Secuencia 3 con Teatro Calderón de Valladolid, Tal y Cual Producciones, El Terrat (The Mediapro Studio), Esarte, Teatros Luchana, García Pérez Producciones, Lilicar Films, Hawork Studio, Magasaz y Carlos Arana (Broadway).
