El Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March han presentado este viernes 21 de abril la ópera de cámara ‘Mozart y Salieri’, una leyenda de «admiración» y «destrucción» que acusa al compositor Antonio Salieri de haber asesinado a Wolfgang Amadeus Mozart y que podrá verse en siete representaciones del 22 al 2 de abril ne la sede de la fundación. El maestro Borja Mariño es el responsable de la dirección musical y de la intepretación al piano, mientras que Rita Cosentino está al frente de la puesta de escena de esta producción, de Nikolái Rimski-Kórsakov, basada en un libreto del propio compositor inspirado en la obra homónima de Aleksandr Pushkin. El director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, ha señalado durante la rueda de prensa que esta obra, estrenada en estreno privado para piano en 1897 y de manera oficial un año después, refleja la «rivalidad conocida» entre ambos compositores y propone una «fantasía» según la cual Salieri envenenó a Mozart por «envidia». Por su parte, Cosentino ha señalado que se trata de «un drama muy profundo y complejo» a la vez que aborda por un lado la «envidia», traducida en «la admiración y en la destrucción del otro», de manera que «la felicidad se basa en la miseria del contrario». Sin embargo, en esa «destrucción y contienda», Salieri encuentra la «destrucción» y «se queda solo en la miseria». El destino del compositor es, según ha explicado Cosentino, «la muerte de Mozart», un desenlace que, sin embargo, se muestra «ambiguo» en esta producción y deja la «duda» al espectador acerca de si se trata de un envenenamiento real o solo una ilusión que Salieri tiene en su cabeza. Sin embargo, ha resaltado que sí existía «rivalidad» entre ellos, puesto que ambos estaban en Viena y se disputaban la misma ciudad. Asimismo, la directora de escena ha señalado que esta ópera también habla de la «problemática del arte, puesto que Salieri se «atormenta» con el «espejo de Mozart» en el que ve sus «sus debilidades» y reflexiona sobre las dos manera de entender la creación: la importancia de «la chispa que nace de forma natural» y el «trabajo que ha sido aprendido minuciosamente». Videocreaciones Las videocreaciones entran en juego en esta producción como «un nivel de lectura más», según ha destacado Cosentino, y le sirve a nivel artistico para dar «rienda suelta» a su propuesta y profundizar en la dramaturgia, como si se tratara de un «tercer personaje». No obstante, el director del Teatro de la Zarzuela ha precisado que no se trata de un espectáculo audiovisual, sino solo «un vehículo más para contar esta historia». El barítono Ivo Stanchev interpreta a Salieri en una trama en la que, según sus palabras, «se ha roto la amistad y se ha quebrado el amor en su estado puro». Por su parte, el encargado de poner voz a Mozart es el tenor Pablo García López, que ha buscado la «verdadera esencia» del compositor y la imagen de «persona sensible y con sentido familiar, y ha explorado el «terreno» en el que ambos músicos entran en confrontación. El director artístico de la Fundación Juan March, Miguel Ángel Marín, ha señalado que esta nueva coproducción entre la fundación y el Teatro de la Zarzuela, séptima edición de la serie Teatro Musical de Cámara, permite sacar del «ostracismo» una «gran ópera» que no tiene cabida en los «teatros convencionales»...

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) ha seleccionado a cinco autores para participar en el VI Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales, un proyecto organizado en el marco de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos con el fin de contribuir al desarrollo de lenguajes escénicos innovadores. En esta sexta edición los autores seleccionados han sido: Celso Giménez Zamora, María Prado Sánchez, Francisco Javier Sahuquillo Vallejo, Víctor Sánchez Rodríguez y Ernesto Suárez Is. La selección se ha llevado a cabo por un comité presidido por Cristina Santolaria, subdirectora general de Teatro del INAEM, y compuesto por Guillermo Heras, José Luis García Sacristán, Sara Akkad y Miriam Gómez Martínez, según los criterios de interés cultural del proyecto, la contribución al desarrollo e innovación de lenguajes escénicos actuales y la viabilidad de la puesta en escena del texto desde el punto de vista de la producción, además de los méritos profesionales y artísticos. Contrato con el INAEM Las personas cuyos proyectos se han seleccionado suscribirán contratos de creación con el INAEM. Los textos resultantes de los proyectos seleccionados se alojarán en la página web de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos para su promoción, donde en la actualidad ya se encuentran los textos de las cinco ediciones anteriores del Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales. Un impulso a la creación En anteriores convocatorias del Programa han sido elegidos destacados creadores que posteriormente se han consolidado en nuestra escena, entre otros, nombres como los de Antonio Rojano, Alberto Conejero, Jose Manuel Mora, María Velasco, Mar Gómez Glez, Paco Bezerra, Julián Fuentes Reta, Lola Blasco, Carolina África o Lucía Miranda...

El actor Manuel de Benito ha fallecido este jueves 20 de abril a causa de un infarto, según ha informado la Sociedad de gestión de derechos de autor de directores de escena, dobladores, actores y bailarines españoles, AISGE, a través de su cuenta de Twitter. Manuel de Benito, conocido como Manolito, colaboró como asistente de dirección de nombres de la escena española como Nuria Espert o Mario Gas, a quien acompañó como ayudante durante el mandato de Gas al frente del Español, y firmó además como director de escena más de una decena de montajes, según informa el Teatro Español en su web. Su trayectoria, siempre ligada al teatro y al cine, comenzó hace más de cuatro décadas. En sus inicios trabajó como actor en diversos proyectos, entre ellos, una veintena de películas, como ‘Siete días de enero’, de Juan Antonio Bardem, y ‘Cinco tenedores’, de Fernando Fernán Gómez. En teatro destaca ‘Equus’, de Peter Shaffer y dirigido por Manolo Collado; ‘El alcalde de Zalamea’, con dirección de Fernando Fernán Gómez; ‘Doña Rosita la soltera’, dirigida por Jorge Lavelly; ‘El Público’ y ‘Luces de Bohemia’, a las órdenes de Lluís Pasqual; ‘Martes de carnaval’, con dirección de Mario Gas; y ‘En la ciudad’, en la que reina un niño, dirigida por José Luis Alonso. Para la pequeña pantalla, destaca la serie ‘Lorca, muerte de un poeta’, dirigida por Juan Antonio Bardem. ‘Teresa de Ávila en el V Centenario de su nacimiento’ fue el último trabajo como director de Manuel de Benito, después de ‘El Romancero Gitano’, de García Lorca, con Ángela Molina; ‘La Peste 1953’, basada en Venus y Adonis de William Shakespeare; ‘Selección de Sonetos’, de William Shakespeare, con Manuel de Blas en la Noche en Blanco de Bilbao; ‘Estío’, de William Shakespeare, con Manuel de Blas y Alexandra Fierro. A ellas se suman ‘Oleanna’, de David Mamet, con José Coronado e Irene Escolar en el propio Teatro Español; ‘Doña Rosita la soltera’, de Federico García Lorca, con la Compañía Telón; ‘Kavafis’, con Manuel de Blas; ‘Alfonsina y el mar’, de Alfonsina Estorny, con Rafael Amargo y Alexandra Fierro; ‘Shadow Boxing’, de James Gadas, con Juan Díaz; y ‘Pizarnix’, de Alexandra Pizarnix, con Alexandra Fierro y Nacho Campillo (todas ellas entre 1998 y 2015)...

La Biblioteca Nacional de España (BNE) presentará este jueves, 20 de abril, la muestra ‘Bomarzo, donde los monstruos no mueren’ con motivo del estreno de la ópera de Alberto Ginastera en el Teatro Real de Madrid. La obra reconstruye la vida y obra de un noble italiano, Pier Francesco Orsini, más conocido como Vicino, quien ha pasado a la posteridad por el jardín que hizo construir entre 1552 y 1580 en su feudo de Bomarzo: el Parque de los Monstruos (il boschetto). En la exhibición, a través de dibujos, grabados y ediciones del Quinientos, el visitante podrá identificar a los protagonistas y secundarios de la novela: las nobles familias de la península italiana y sus rivalidades y alianzas, los papas; los artistas, los hechos históricos capitales de la obra y, de fondo, la presencia de los dioses etruscos que no han dejado de habitar aquel territorio en hallazgos y restos arqueológicos, según ha explicado La BNE. La BNE se suma a otras instituciones culturales como el Auditorio de la Escuela de Música Reina Sofía y la Fundación Juan March que celebrarán conciertos de Ginastera con motivo de la representación de Bomarzo por primera vez en Europa en más de 40 años en el Teatro Real...

Incluye en la programación títulos populares como ‘Aída’, ‘Carmen’ o ‘La bohéme’, así como la producción contemporánea ‘Dead man walking’ El Teatro Real apostará en la programación de la temporada 2017-2018 por el paradigma de «obra fronteriza» con obras inéditas en España de Mozart, Zimmermann, Britten y Kurt Weill, entre otros, con las que conmemorará dos fechas importantes para la historia del coliseo madrileño: el 20 aniversario de su reapertura y los 200 años de su fundación, tal y como han destacado los responsables del Teatro este miércoles 19 de abril durante la presentación. El presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, ha señalado que en recuerdo de su historia pasada y también reciente, se ha programado ‘La favorite’ –en versión concierto–, un título que inauguró el Teatro Real, y se editarán además dos libros sobre la historia del coliseo: un texto de Joaquín Turina que desvelará los entresijos desde 1997, y otro de Rubén Amón que recorrerá los dos siglos de recorrido a través de anécdotas. El director artístico del coliseo madrileño, Joan Matabosch, ha señalado que muchos de los títulos inéditos en España que llegan la próxima temporada se insertan en el paradigma de «obra fronteriza», como es el caso de ‘Lucio Silla’, de Mozart, programada para septiembre, una pieza de «gran virtuosismo» que el compositor austriaco compuso cuando tenía 16 años y que se representa «muy poco». Esto se debe, en palabras de Matabosch, a su «estatismo». También en la premisa de lo fronterizo se encuentra ‘Street scene’, de Kurt Weill, una creación basada en la obra homónima de Elmer Rice a medio camino entre la ópera y el musical que se estrenó en Broadway en 1947 y que desde entonces no ha vuelto a sus salas. «Es demasiado difícil para Broadway y muy atípica para la ópera, se diluye en la frontera de géneros», ha señalado Matabosch, quien ha agregado que Weill deja al espectador desconcertado aunque «con apertura de vista». La obra, en coproducción con la Ópera de Monte-Carlo y la Oper Köln, se representará entre febrero y junio de 2018. Por su parte, otra de las novedades en el Teatro Real, ‘Gloriana’, de Benjamin Britten, recoge el testigo del éxito de ‘Billy Budd’ en la actual temporada y presenta un montaje nacido para conmemorar la coronación de Isabel II de Inglaterra en 1953 y que, sin embargo, quedo relegada al olvido al no alcanzar las expectativas previstas por la corte. Según ha explicado Matabosch, se trata de una «reflexión sobre la soledad del poder» y la «ambición política» que muestra a un personaje «complejo», con una mente «brillante» que también esconde «celos». La obra fue tildada de «insulto intolerable» y levantó unas «ampollas» de las que aún quedan «cicatrices», según ha añadido. ‘Die Soldaten’ Entre las novedades para la próxima temporada destaca también ‘Die Soldaten’, de Bern Alois Zimmermann, una producción de la Operahaus de Zúrich y la Komische Oper de Berlín, que supone una «declaración de guerra contra las teorías aristotélicas», en palabras del director artístico del Teatro Real, puesto que no muestra «ni lugar, ni acción ni tiempo». Tal y como ha explicado, rechaza el clasicismo y el texto tiene una multiplicidad de elementos que en ocasiones si se pueden considerar escenas. Además, ha indicado que Zimmermann no pone el acento en la psicología de los personajes, sino en la situación en la que han caído. Otro asunto que cabe destacar, en palabras de Matabosch, es el planteamiento de que es la percepción humana la que sigue una «cronología», puesto que cree en la «simultaneidad». Otra de las obras que se estrenan en el Teatro Real es ‘Dead man walking’, que tras su estreno en el año 2000 ya ha pasado por 50 teatros internacionales, lo que según Matabosch es el «impacto más importante del teatro musical americano desde ‘West side story'». Esta obra, de Jake Heggie, explora medios «no tradicionales» y reflexiona sobre la influencia religiosa y sobre «el poder redentor del amor». Además, el escenario del Teatro Real acogerá también ‘El pintor’, de Juan José colomer, que debutará en la ópera con esta producción, con dirección musical de Manuel Coves y dirección de escena de Albert Boadella. Junto a estas novedades, la temporada 2017-2018 contará también con títulos populares, tales como ‘Carmen’, de Georges Bizet; ‘La bohéme’, de Giacomo Puccini; ‘Lucia di Lammermoor’, de Gaetano Donizetti; ‘Ariodante’, de Händel, y ‘Thaïs’, de Massenet (ambas en versión concierto); y ‘Aida’, de Giuseppe Verdi, que contará en la dirección musical con Nicola Luisotti. Precisamente, Matabosch ha anunciado este miércoles la incorporación de Luisotti como director asociado, con el compromiso de dirigir una ópera en cada una de las próximas cuatro temporadas. En danza, destaca ‘Carmen’, del Víctor Ullate Ballet; ‘Sorolla’, del Ballet Nacional de España; la Dresden Frankfurt Company; o el Royal Ballet, entre otros. En cuanto a las voces del real que actuarán en la sala principal, se encuentran Magdalena Kozena, Patrizia Ciofi; Angela Gheorghiu y Jonas Kaufmann. Preguntado por la falta de voces españolas, a diferencia de las incluidas en la pasada temporada, Joan Matabosch ha resaltado que el Teatro Real quiere contar con la excelencia y, por tanto, las voces nacionales que se incluyen esta temporada están porque tienen «un nivel digno» y no por la «obsesión» por que estén presentes...

  El actor, músico y gestor cultural Fran Perea se ha referido a la bajada del IVA cultural anunciada por el Gobierno. «El IVA es un mal para nuestra profesión, pero es lo de menos», ha explicado el artista. En este sentido, Fran Perea ha puesto el foco en «la precariedad laboral» que, desde su punto de vista, sufre el sector, en el marco de su participación este martes en la segunda jornada de Cultura17 de Radio 3 y el Museo del Prado, con un debate en torno a las artes escénicas. Según ha informado RTVE, Junto a Perea han estado la productora y distribuidora teatral Concha Busto; la directora de escena, actriz, dramaturga y gestora teatral Natalia Menéndez; y el actor, director teatral y co-director artístico de El Pavón Teatro Kamikaze de Madrid, Israel Elejalde. El debate lo ha moderado Paloma Cortina (Dramedias). En relación con la bajada del IVA cultural Israel Elejalde considera que «sería una vuelta a la cordura», mientras que Concha Bustos cree que el descenso de este tributo «va a suponer una mejora para los teatros», pero no tanto a las compañías teatrales que están constantemente de gira y tienen que pagar los traslados, decorados o los salarios. «Con el dinero que da la taquilla no se cubre todo lo que está encima del escenario», ha advertido Bustos, al tiempo que Natalia Menéndez ha propuesto explorar la vía del micromecenazgo para apoyar la creación cultural. Preguntados sobre la salud de las artes escénicas en la actualidad, Fran Perea ha señalado que es «un sector necesitado de un plan general por parte del Gobierno» y Concha Busto se ha mostrado más positiva asegurando que hay «un momento brillante en las artes escénicas». «Nunca ha habido unos creadores tan importantes, una preparación de los actores o unos dramaturgos tan buenos… y curiosamente en un momento de crisis en el que no hay una ley del teatro», ha zanjado la productora y distribuidora teatral...

  La producción de danza ‘Oskara’ es la favorita de la próxima edición de los Premios Max con un total de siete nominaciones, seguida por el espectáculo de danza ‘Caída del cielo’ y la obra de teatro ‘Nomes són dones’, que aspiran a cuatro galardones cada una, según ha informado este miércoles 19 de abril la Fundación SGAE, que organiza estos premios. En concreto, el montaje ‘Oskara’, obra del coreógrafo Marcos Morau (La Veronal) con Jon Maya (Kukai Dantza), aspira a los premios a Mejor espectáculo de danza, Mejor producción privada de artes escénicas, Mejor diseño de espacio escénico, mejor diseño de vestuario, Mejor diseño de iluminación, Mejor intérprete masculino de danza y Mejor elenco de danza. Por su parte, ‘Caída del cielo’, el espectáculo de Rocío Molina que aúna vanguardia y tradición, aspira a los premios a Mejor espectáculo de danza, Mejor coreografía, Mejor diseño de iluminación y Mejor intérprete femenina de danza. En el caso de ‘Nomes són dones’, Carme Portaceli, es finalista en las categorías de Mejor espectáculo de teatro, Mejor autoría teatral, Mejor composición musical para espectáculo escénico y Mejor dirección de escena. En número de finalistas, le siguen con tres nominaciones el musical de Ron Lalá ‘Cervantina. Versiones y diversiones sobre textos de Cervantes’, la obra de teatro ‘ El laberinto mágico’, una revisión de la obra de Max Aub sobre la tragedia de la Guerra Civil dirigida por Ernesto Caballero, y ‘Los malditos’. Por su parte, cuentan con dos nominaciones ‘Amour’, ‘Catedral’, ‘Habitat’, ‘Hamlet’, ‘La partida’, ‘La respiración’, ‘Mulïer’, ‘Raclette’, ‘Tierra loca’ y ‘Vuelos’. Finalistas a mejor actor y actriz En el apartado de Mejor actor protagonista se encuentran Josep Manel Casany (‘Hamlet canalla’), Ramon Medaula (‘A teatro con Eduardo’) y Ángel Ruiz (‘Miguel Molina al desnudo’), mientras que en el apartado femenino se encuentran Mercè Arànega (‘Un cel de plom’), Garbiñe Insausti (‘Edith Piaf’) y Nuria Mencía (‘La respiración’). Por su parte Chema Cardeña (‘Shakespeare en Berlín’), Paco Ochoa (‘El laberinto mágico’) y Álvaro Tato (‘Cervantina’) aspiran al premio a Mejor actor de reparto, mientras que en el apartado femenino figuran Esther Isla (‘Tartufo, el impostor’), Ainhoa Santamaría (‘La estupidez’) y el reparto femenino de ‘Fueteovejuna’). En el apartado de danza, al galardón a Mejor intérprete femenina de danza aspiran Luz Arcas (‘Kaspar Hauser. El huérfano de Europa’), Patricia Guerrero (‘Catedral’) y Rocío Molina (‘Caída del cielo’), mientras que en el apartado masculino están Daniel Doña (‘Hábitat’), Manuel Liñán (‘Reversible’) y Martxel Rodríguez (‘Oskara’). El premio a Mejor espectáculo de teatro podrá ser para ‘Hamlet’, ‘El laberinto mágico’ o ‘Només són dones’, mientras que el galardón al Mejor espectáculo de danza podría ser para ‘Caída del cielo’, ‘Hábitat’ o ‘Oskara’. El jurado, presidido por Alfonso Plou, ha estado compuesto por Pascual Carbonell, Marta Carrasco Benítez, Norka Chiapusso, Mudit Grau, Susana Sánchez, Alicia Soto, Ana Fernández Graciani y Emmanuel Berruezo (Manuel Segovia). Un total de 112 espectáculos de los 311 inscritos han sido seleccionados para participar como candidatos en esta edición. Además de las 23 categorías a concurso -con la incorporación del Espectáculo de Calle- se conceden tres premios especiales: Contribución a las Artes Escénicas, que se ha otorgado a la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro; Honor, que se anunciará el próximo 26 de abril, y Aficionado, que se fallará el 10 de mayo. Los ganadores de la 20 edición de los Premios Max de las Artes Escénicas se darán a conocer el próximo 5 de junio en la gala que se celebrará en el Palau de les Arts de Valencia. Este año, los Premios Max cuentan con la colaboración de la Generalitat Valenciana...

El diputado de Ciudadanos Toni Cantó protagoniza la obra ‘Aquiles, el hombre’, un texto con trasfondo antibelicista que tras su paso por el Festival de Mérida el pasado verano se representará en el Teatro de Bellas Artes de Madrid del 19 al 23 de abril. «Por desgracia cada vez se practica más una política de trinchera, se banaliza la violencia, se instiga el enfrentamiento, se utiliza una política muy simplista, de dos bandos, donde uno es el bueno y los demás son malos y hay que pelear por algo que tenga más matices que eso», ha señalado, con motivo del regreso de este. Cantó (Valencia, 1965) regresó a Mérida tras más de 20 años acompañado por Ruth Díaz, Pepe Ocio, Philip Rogers, David Tortosa y Rubén Sanz, entre otros, una experiencia que supuso «un regalo» por tratarse de «uno de los lugares más emblemáticos para el teatro clásico», en palabras del actor y político, por tratarse de el único lugar en el que se puede representar teatro ante 3.000 personas. Según ha señalado Cantó, Aquiles es «el primer gran héroe que empieza a reconocer a la humanidad en sí misma y en los adversarios», algo que a su juicio «es lo que le hace más grande todavía» y lo que le convierte en «un semidios» y «un personaje que ha quedado en el imaginario colectivo». Aquiles es un personaje capaz de entender a su enemigo y de aceptarse a sí mismo, algo que para Cantó es una lección que merece tener en cuenta en el terreno político. En este sentido, ha señalado que es necesario «reivindicar un espíritu que se parezca más al de épocas en la que hubo héroes, como la transicion, cuando se supo avanzar, perdonar y no mirar atrás, y poner por encima lo que unía al país y no poner el acento en lo que separaba». «De otra forma no habríamos superado la tremenda época de la dictadura», ha apostillado el actor y político, quien critica que «actualmente se practica una política en algunos partidos de brochazo gordo, de trinchera y de frontera» que ve «muy negativa» y que espera que se convierta en «una moda pasajera». La actividad parlamentaria le ha alejado de la cultura en los últimos años. No obstante, Cantó reivindica su profesión como actor. «Es lo que me siento, un hombre de teatro. Como siempre dije, mi paso por la política es temporal», ha destacado el intérprete, quien señala que de momento no tiene más proyectos teatrales a corto plazo, más allá de representar esta obra en ciudades como Oviedo o Sevilla. Preguntado por su actividad como político, Cantó ha celebrado que su partido, Ciudadanos, haya conseguido el compromiso del Gobierno para bajar el IVA en espectáculos y está convencido de que también se bajará en el cine en los siguientes presupuestos. «Lo que hay que hacer es política más seria, no usarla para ganar votos sino fomentarla como patrimonio y valor añadido del país», ha dicho...

  Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid albergan desde este miércoles 19 de abril ‘La vida es sueño [vv.105-106]’, una obra dirigida por Carles Alfaro e interpretada por Moma Teatre que recupera «de manera fiel» los dilemas filosóficos de Calderón de la Barca. Este montaje estará en la Sala Verde hasta el próximo 14 de mayo. A partir del clásico de Calderón, Carles Alfaro y Eva Alarte adaptan el texto y la dramaturgia para presentar su propia versión. Un rey, trastornado por la muerte de su esposa el mismo día en que da a luz a su primogénito, da crédito a la interpretación de las ciencias astrales que determinan la fiereza del recién nacido y la consecuente debacle que su reinado comportaría. Aterrado, oculta su existencia aislándolo en un encierro del que solo se ocupa su más fiel cortesano. Sin embargo, treinta años más tarde, llegada la hora de nombrar un heredero a su corona, se cuestiona si cometió un error y decide salir de dudas poniendo a prueba al monstruo que ha estado alimentando en la oscuridad. «Este montaje propone volver a la esencia del texto cumbre de Calderón, manteniéndose fiel a la poética y a los dilemas filosóficos que el autor plantea», explican desde la compañía. El protagonista, Segismundo, está interpretado por Alejandro Saá; Basilio es Vicente Fuentes; Clotaldo, Enric Benavent y Rosaura, Rebeca Valls. «Sumergirse en el universo de La vida es sueño supone sentir el latir de los seres que nos habitan, que nos hacen vivir plenamente otra realidad, que no es más que nuestra propia y descarnada realidad ¿Soñada? ¿Vivida? Esta es la pesadilla y la belleza de Calderón», apuntan en Moma Teatre. Los próximos sábado 6 y domingo 7 de abril las funciones serán de Teatro Accesible y tendrán servicio de subtitulado, amplificación de sonido, bucle magnético individual y audiodescripción...

El director y actor Adolfo Fernández recupera la novela del escritor Rafael Chirbes ‘En la orilla’ para proponer, desde este miércoles 19 de abril en el Teatro Valle-Inclán, un recorrido por la «corrupción del pueblo llano» a través de la figura de un modesto carpintero estafado. «Halamos de un señor con una pequeña carpintería que en el último momento de su vida se ha comportado como un pardillo. Esta obra no habla de multinacionales, ni del Ibex, sino de nosotros, como en un juego de espejos», ha explicado Fernández, quien ha reconocido que buscaron textos de autores contemporáneos para hablar de la corrupción, pero finalmente apostaron por esta novela. «Esta obra es un espejo donde la gente ve sus miserias, cómo han destruido sus conceptos éticos y toda la sociedad se ha vuelto codiciosa», ha remarcado el actor, responsable junto a Ángel Solo de la adaptación de una novela de casi 500 páginas a una obra de hora y media de duración. ‘En la orilla’ -coproducción entre el CDN, K Producciones y La Pavana y que estará en cartel hasta el 21 de mayo– es la historia de Esteban, un carpintero que tiene que cuidar de su padre enfermo y que lleva su día a día con amargura, rodeado por diversos personajes del pueblo de Olba que le han acompañado toda la vida. Víctima de una estafa, el protagonista recorrerá su vida analizando a sus compañeros de viaje. César Sarachu es el actor encargado de dar vida a Esteban, si bien estará acompañado en el escenario por Sonia Almarcha, Rafael Calatayud, Marcial Álvarez o los propios responsables de la adaptación, Fernández y Solo, para interpretar a varios de los personajes que también aparecen en la novela de Chirbes. La adaptación repite la estructura circular del libro, acabando donde empezó, y entre medias surgen diálogos y también la «ruptura de la cuarta pared» con las intervenciones de Esteban. Entre Cela y Galdós Fernández se hizo con los derechos de la obra de Chirbes pero nunca llegó a hablar con el autor sobre la adaptación. Ambos coincidieron en un seminario literario en Menorca, cuando el actor ya contaba con una primera versión. «Hablamos largo y tendido sobre vida y literatura, pero ni yo saqué el tema ni él tampoco», ha señalado sobre esta adaptación que llevó tres años y nueve versiones distintas. El director ha hablado de una obra que mezcla tanto el costumbrismo de Pérez Galdós –a quien Chirbes admiraba– como el tremendismo de Cela, con la vista puesta en mostrar que «todos somos cómplices de lo que ocurre» en España, tal y como ha aseverado el actor Rafael Calatayud, quien da vida a Francisco, el amigo de juventud de Esteban. En esta misma línea, Yoima Valdés (Liliana en la obra, mujer colombiana que ayuda a Esteban en la casa), reconoce que los personajes de Chirbes son «feos de ver». «Muestra los cadáveres de la crisis, lo peor de cada persona en una situación bastante difícil, y el dinero es el factor fundamental que hace que todos se muevan», ha señalado. «Chorizos de poca monta» Para Fernández, ‘En la orilla’ «no tiene esperanza», pero es algo que han buscado desde el principio. «Hemos sacada un producto triste, pero es que es lo que queríamos hacer: había que ser coherentes con Chirbes», ha indicado el actor. Esta obra ya se estrenó en la Comunidad Valenciana y contó con la presencia de los sobrinos de Chirbes, que felicitaron a los responsables de la adaptación. «A Trump le han votado millones de personas que son xenófobos, racista y ríen las gracias de este demente, y aquí se vota a corruptos porque en el fondo se piensa igual que ellos. En esta obra pasa eso, hay chorizos de poca monta que han robado en la medida de sus posibilidades», ha añadido. No obstante, ha insistido en la idea de que «no es teatro político, sino actual», remarcando que en la obra no aparece ningún personaje dedicado a la política...

  El ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, ha descubierto este lunes 17 de abril una placa conmemorativa en homenaje a la actriz María Guerrero en el teatro al que da su nombre y que también es sede del Centro Dramático Nacional, con motivo del 150 aniversario de su nacimiento. En el acto, además de Méndez de Vigo, han participado la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, y el director del Centro Dramático Nacional, Ernesto Caballero. También estaban presentes las dos nietas de la actriz y varios bisnietos. Esta placa supone el pistoletazo de salida para una serie de reconocimientos en torno a Guerrero, en los que también participarán el Museo del Prado o RNE. «Aquí vivió y murió María Guerrero (1867-1928), gran actriz, empresaria e impulsora del Teatro Español», recuerda la placa que luce encima de una foto de la actriz en blanco y negro. María Guerrero compró el Teatro de La Princesa en 1908 –que también usó como vivienda junto a su marido desde 1917– y pasó a llamarse con su nombre tras su fallecimiento en el año 1928. «Tuvo una vida orientada al teatro y para hacer felices a los demás, no solo en España sino allende los mares. Debemos un reconocimiento a esta gran mujer por la semilla que dejó, espero que los afectos y aplausos sigan resonando hoy en nuestros oídos», ha señalado Méndez de Vigo en su discurso. Por su parte, Carmena ha pedido «identificarse» con una mujer «de mirada profunda y que todavía está entre nosotros». «María Guerrero sabía mucho de su alma y de su interior y por eso era capaz de dar vida a otras almas. Fue una gran artista, empresaria y mujer moderna», ha concluido, tras resaltar la «capacidad enorme de entender» que se percibe al observar fotos de Guerrero. Mientras, Caballero ha resaltado la «autoexigencia y fe» en el teatro de esta actriz, que abrió el camino a muchas mujeres emprendedoras en la cultura. «María Guerrero es un mito de nuestra cultura. Gracias por tu ejemplo, brava, reina de los escenarios», ha señalado el director del CDN. Tras este acto, ha tenido lugar una ofrenda floral en el Cementerio de la Almudena. Además, otras instituciones se han sumado a la celebración, como el Museo del Prado, que celebrará una conferencia a propósito de los tres retratos de la actriz albergados en sus salas. Asimismo, Radio Nacional de España emitirá un programa especial sobre María Guerrero. Biografía María Guerrero María Guerrero ha sido una de las mejores actrices de la escena española. Se preocupó tanto de representar a los autores clásicos como de dar oportunidad a nuevos talentos, y con unos y otros consiguió grandes éxitos. Se casó en 1896 con el actor y aristócrata, dos veces Grande de España, Fernando Díaz de Mendoza, y tuvo dos hijos, Luis Fernando nacido en 1897 y Carlos Fernando en 1898. El matrimonio formó la compañía Guerrero Díaz de Mendoza que mantuvo una intensa actividad teatral. Hizo numerosas giras por Europa e Hispanoamérica. Comenzaron gestionando el Teatro Español de Madrid pero en 1908 se decidieron a comprar el Teatro de La Princesa. Años más tarde, en 1917, lo convirtieron en su vivienda. María Guerrero interpretó con éxito a nuestros clásicos, como en ‘La dama boba’ de Lope de Vega. Hizo exclamar a José Zorrilla, ¡esta es mi Doña Inés!, ¡Con la que siempre había soñado! cuando la vio en su Don Juan Tenorio. Tuvo interpretaciones memorables con los autores de la época como ‘La Malquerida’ de Jacinto Benavente, ‘Malvaloca’ de los Hermanos Álvarez Quintero o ‘Doña María la Brava’ de Eduardo Marquina. Repertorio de más de 200 títulos Su amplio repertorio contaba con más de 200 títulos. La compañía, con La Guerrero a la cabeza, realizó 24 giras por Hispanoamérica y en Buenos Aires costearon la construcción del Teatro Cervantes, que inauguraron en 1921. La que dicen es la mujer más retratada de España, conoció en vida el reconocimiento y cariño del pueblo, ya que le fue otorgada la Gran Cruz de Alfonso XII y fue nombrada hija predilecta de Madrid. María Guerrero falleció el 23 de enero de 1928 en su vivienda del Teatro de la Princesa. En 1931, el Ayuntamiento de Madrid decidió cambiar el nombre del teatro. Dejó de llamarse de La Princesa para adoptar el que mantiene, Teatro María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional, en recuerdo y homenaje a la gran actriz y empresaria teatral...

El secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo, ha comparecido hoy en la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados para detallar el proyecto de presupuesto para el año 2017 de su Departamento. Benzo ha destacado que la partida de la Secretaría de Estado de Cultura, que respalda financieramente el Plan Cultura 2020, se incrementa un 1,15% en comparación con 2016, alcanzando los 540,89 millones de euros. En su intervención, el secretario de Estado de Cultura ha afirmado que el proyecto de presupuesto ya incorpora partidas que servirán para dar cumplimiento a las medidas previstas en el Plan Cultura 2020, presentado en la Comisión correspondiente del Congreso a finales del pasado mes de marzo. Este Plan tiene como objetivo estratégico un nuevo modelo cultural. En él se incluye un total de 150 medidas que abarcan al conjunto del mundo cultural y que podría suponer el germen de un Pacto de Estado sobre Cultura, al haber contado para su realización con las aportaciones de cuatro grupos parlamentarios de la Cámara Baja: PP, PSOE, Unidos Podemos- En Comú Podem-En Marea y Ciudadanos. El secretario de Estado de Cultura ha afirmado que estos presupuestos de su Departamento responden a los principios de viabilidad y responsabilidad y que muestran la alianza entre el sector público y el privado que se ha mostrado como un instrumento fundamental para la política cultural. Fernando Benzo ha hecho hincapié en la apuesta para continuar introduciendo instrumentos que favorezcan la atracción de la financiación a través del mecenazgo. Incremento presupuestario El aumento en los presupuestos de la Secretaría de Estado de Cultura se observa especialmente en las partidas dedicadas a Cinematografía, que se incrementan un 13,38%; pero también aumentan las de la Promoción del Libro y Publicaciones Culturales, en un 12,8%; las destinadas a Música y Danza, en un 5,7%; o las de Protección del patrimonio histórico un 5,19%, según ha detallado en su comparecencia Fernando Benzo. Destacan además las partidas destinadas al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y al Museo Nacional del Prado, que crecen en un 3’5% y un 1’8% hasta alcanzar los 37,99 y 46,21 millones de euros, respectivamente. Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. El ICAA recibe el mayor crecimiento presupuestario de la Secretaría de Estado de Cultura, incrementándose en un 13,38%, hasta alcanzar 86,9 millones. Así el Fondo de Protección a la Cinematografía suma los 70 millones, lo que representa un monto de 10 millones más en comparación con el año anterior. Especial significación se ha dado a la inclusión del Plan 2020 de apoyo a los nuevos creadores cinematográficos y a la conservación y difusión de la historia del cine español como acontecimiento de especial interés. INAEM. El Instituto de las Artes Escénicas y de la Música pasa de 149,9 millones a 152,4 millones. Destaca el incremento destinado al programa de Música y Danza, en un 5,65%, que alcanza casi los 100 millones. En este aumento tiene especial significación las transferencias para financiar a las grandes instituciones de nuestro país como la Fundación Teatro Real o la Fundación Teatre del Liceu. El presupuesto del INAEM tendrá, dentro del Plan Cultura 2020, 31,5 millones para producción artística y giras; 14 millones de euros para programas como ‘Con red’ o ‘Escena en gira’; y 5 millones de euros para el programa Platea. Bellas Artes y Patrimonio Cultural. La Dirección General de Bellas Artes y Patrimonio Cultural recibirá para 2017 un total de 100,83 millones €, destacando el incremento que se produce en la partida destinada a la Protección del patrimonio histórico, que se incrementa en un 5,19%, hasta los 4,6 millones de euros. Igualmente se han iniciado los trabajos en el Portal de Información de bienes del Patrimonio Histórico Español que también se contemplaba en el plan previsto de Cultura 2020. Archivos. El crédito destinado alcanza los 18,81 millones de euros, con los que se garantiza el mantenimiento de Archivos Estatales de gestión directa, la participación en proyectos internacionales y la convocatoria de ayudas para proyectos archivísticos •Bibliotecas. El crédito destinado a actuaciones se incrementa, contando con 5 millones de euros, un incremento producido en inversiones, principalmente para la adquisición de libros electrónicos para su préstamo por las bibliotecas como parte del Plan de Fomento de la Lectura Museos. Aquí se cuenta con 49,93 millones de euros, priorizándose la financiación del funcionamiento de los servicios esenciales de los 16 museos de gestión directa, el refuerzo del Plan Museos+Sociales, las actividades culturales y el programa expositivo para fomentar la participación cultural y aumentar los perfiles, cumpliendo así el Plan Cultura 2020. Exposiciones. Se dispone prácticamente de 2 millones de euros con el objetivo general de fomento de la creación y la difusión de las artes visuales y el desarrollo de nuevas formas de expresión. Por otra parte, y siguiendo el Plan Cultura 2020, se apuesta por consolidar el proyecto de Tabacalera como ejemplo de gestión cultural participativa y sostenible. Restauración bienes culturales. La conservación y restauración de bienes culturales aumenta más de un 5%. Se han iniciado los trabajos para atender los nuevos proyectos vinculados al Plan Cultura 2020 como la creación de un centro de información y documentación del patrimonio cultural, la puesta en marcha de nuevos planes nacionales de conservación de yacimientos arqueológicos o el Plan Nacional de Conservación del patrimonio digital. Museo del Prado y MNCARS. Por lo que se refiere al Museo Nacional del Prado el proyecto de presupuesto asciende a 46,21 millones de euros, lo que representa un incremento del 1,8%. Dentro de los proyectos prioritarios para 2017 y conforme a la estrategia del Plan Cultura 2020 para promover el conocimiento crítico del público sobre el arte moderno contemporáneo, el Museo Reina Sofía alcanza los 37,99 millones, incrementándose en un 3’5%, lo que permitirá atender la realización de exposiciones temporales y relecturas de la colección. Industrias Culturales y Libro. En este capítulo hay que resaltar el nuevo Plan de Fomento de la Lectura, que se presentará en breves fechas, para el que se ha incluido un incremento presupuestario de un 12’8%. Para el fomento de las industrias culturales, contemplado en el Plan Cultura 2020, y la promoción y cooperación cultural se cuenta con 13,5 y 7 millones de euros respectivamente. Gerencia de Infraestructuras. Dispondrá de casi 34 millones de euros, con el que se abordarán inversiones en museos, archivos estatales y bibliotecas públicas del Estado. Incentivos al mecenazgo. El proyecto de Presupuestos Generales del Estado para 2017 incluye un ambicioso programa de incentivos al mecenazgo, declarando acontecimiento de excepcional interés, con los consiguientes beneficios fiscales asociados, un total de 15 proyectos, entre ellos el Plan de Fomento de la Lectura y el de Nuevos Creadores...