Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Alfredo Sanzol y Andrés Lima presentan dos textos de nueva creación que inciden en el humor, sus mecanismos y su capacidad de reflexión Junto a estos dos espectáculos Dan Jemmett prepara un menú parateatral que ofrecerá a los espectadores la posibilidad de vivir 11 experiencias escénicas diferentes El Teatro de la Ciudad, Premio Max 2016 a la Mejor Producción Privada de Artes Escénicas, regresa a La Abadía, coproductor del proyecto, después de acometer la investigación sobre la tragedia griega en su primera temporada (Medea, Antígona y Edipo Rey). Para la presente temporada Alfredo Sanzol, Andrés Lima y todo su equipo se enfrentan ahora al reto de desentrañar la comedia. A lo largo de este último año se ha realizado un total de ocho talleres para profundizar en el arte de hacer reír, en el sentido del humor, en la risa. ¿Es la comedia constructiva? ¿Por qué el paso del tiempo transforma la tragedia en comedia?… “Cuando pase el tiempo nos reiremos de esto”, decía ella llorando a moco tendido. ¿Es menos profunda la comedia que la tragedia? ¿Cómo se hace reír? ¿Qué diferencia hay entre un payaso y un bufón, entre un comediante y un clown? ¿Es el sentido del humor una forma de ver la vida? ¿Y de vivirla? El proceso culmina con la producción de dos espectáculos de nueva creación que se exhibirán en ambas salas del Teatro de La Abadía desde finales del mes de abril. Cada uno a su manera y con el sello de su autoría, jugarán con motivos y tramas de la comedia de Shakespeare, el indiscutible maestro que recoge no solo la tradición clásica sino también la de la commedia dell’arte, los cómicos ambulantes y las historias tardomedievales de figuras como Boccaccio. Desde el 27 de abril al 4 de junio podremos ver a Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón en La Ternura, de Alfredo Sanzol, en la Sala José Luis Alonso. El Sueño de Andrés Lima podrá verse en la Sala Juan de la Cruz del 10 de mayo al 18 de junio con Chema Adeva, Laura Galán, Nathalie Poza, Ainhoa Santamaría y María Vázquez en el reparto. Aperitivos shakesperianos a cargo de Dan Jemmett Junto a los dos montajes y a modo de enlace entre ellos Dan Jemmett prepara un menú parateatral que ofrecerá a los asistentes la posibilidad de vivir 11 experiencias escénicas diferentes. Moviéndose por diferentes partes del jardín de La Abadía a partir del momento en que ambos espectáculos estén en cartel, Jesús Barranco interpretará a un ser indefinido, ni hombre ni mujer, mitad Puck mitad Calibán, que brindará a gusto del consumidor acciones lúdicas relacionadas con el amor, el deseo, la vida de pareja, con resonancias de Shakespeare y actuales. Partiendo del Manifiesto Contrasexual de Paul B Preciados, Puck/Barranco, alegre y transgresor, improvisa sus actuaciones a la venta. Todo dependerá de lo que pase en la tarde… Dependerá de cómo se relacione con el espectador y hasta dónde esté dispuesto el espectador a dejarse llevar. Todo será posible en este espectáculo o invasión escénica que tendrá lugar antes, durante y después de las dos funciones. La Ternura, amores posibles en situaciones imposibles El primero en estrenar será Alfredo Sanzol con La Ternura, una comedia romántica de aventuras en la que intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor, porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir. Tampoco los padres pueden proteger a los hijos del sufrimiento de la vida porque eso pone en peligro la vivencia de una vida plena. Para Sanzol el espectáculo se llama La Ternura “porque habla de la fuerza y de la valentía para amar. La ternura es la manera en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”. La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un  leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos, y las confusiones. En La Ternura se ve la influencia sobre todo de La Tempestad, y de Noche de Reyes, pero  también de Como gustéis, de Mucho ruido y pocas nueces y del Sueño de una noche de verano. El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades, los espacios como elementos mágicos, los bosques, las islas… todo ello forma parte del imaginario shakesperiano interiorizado por Sanzol: “Quiero que La Ternura sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar La Ternura como sea, donde sea, con quien sea”. Una vez más el director se rodea de su equipo de confianza, no solo en el reparto (Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón) sino en la escenografía y vestuario, a cardo de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez. Sueño, comedia muy trágica Andrés Lima ya se ha acercado en varias ocasiones al humor y al horror de Shakespeare, en torno a las figuras de Falstaff, Tito Andrónico y Macbeth. Ahora se busca su propio camino a través del bosque del Sueño de una noche de verano, conectando el pálpito del “eros” y “thánatos” de esta comedia con un recuerdo personal de otra naturaleza bien distinta, cuando falleció su padre. Y así, seguramente, se ampliará aún más el mundo de contrastes que impera en la obra original de Shakespeare, escrita curiosamente en medio del invierno, pese al título y a la temperatura que exhala: la delicadeza humana y el instinto animal, lo etéreo y lo terrenal, lo onírico y lo banal, el artificio frente a lo natural, el desenfreno y lo racional, el deseo y lo real.” En la versión de Andrés Lima un viejo recuerda. Un viejo le cuenta a una loca su vida. Parece un sueño. De joven se enamoró de Elena, la reina de la hermosura, que es muy fea. Y su amiga Titania, amiga de él y hermana de ella, se enamoró de su amigo, de él, Javier, que se convirtió en un asno y rebuznaba poemas de amor de Shelley para Elena, pues despreciaba a Titania, diosa enana. Elena, bella fea, que quería al que no le quería, ora si ora no, porque es caprichosa como las ostras o las setas. La música trance les envuelve en el bosque y el deseo les consume en la residencia de ancianos. Solo la loquita mantiene la cabeza sobre los hombros… y acompaña al viejo a una buena muerte. Lima reflexiona: “¿Por qué decimos ‘te necesito’? ¿Cuál fue tu primer amor? ¿Qué te vuelve loco: un amor no correspondido o una vida no vivida? ¿Por qué nos intranquilizan los locos?, ¿y los simples? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Y antes? Quiere esta comedia mirar el placer y el dolor y darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida”. Nuevos conceptos para volver a las raíces Teatro de la Ciudad es un proyecto concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, creación, producción y exhibición del teatro contemporáneo. El proyecto aglutina toda la experiencia profesional de los impulsores y de sus equipos. Condicionados por el tiempo convulso en que vivimos, proponen hacer un teatro riguroso, de calidad, que no sólo dependa del éxito de taquilla. Un teatro que nace del deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos. Nuevos conceptos para volver a las raíces… Después de la grata aventura conjunta de adentrarse en las tragedias grecolatinas, el Teatro de La Abadía coproduce y acoge al TdlC, que aúna la energía y el talento de Andrés Lima y Alfredo Sanzol y sus respectivos equipos, abiertos a sumar a otros creadores, como es el caso de Dan Jemmett en la presente temporada. Un teatro que parte de una premisa afín a La Abadía, el deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos...

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena El Boletín Oficial del Estado (BOE) ha publicado este martes 11 de abril los tres reales decreto ley por los que se declara a la Semana Santa, el Carnaval y la Trashumancia como Manifestación Representativa de Patrimonio Cultural Inmaterial, al ser considerados fenómenos plurales que configuran la identidad de España. El pasado viernes 7 de abril el Consejo de Ministros aprobó esta declaración, a propuesta del ministro de Educación, Cultura y Deporte, Iñigo Méndez de Vigo. Se trata de la primera ocasión en la que se aprueba una declaración de estas características en aplicación de la Ley de Salvaguarda del Patrimonio Cultural Inmaterial. Además, no afecta a la declaración que puedan recibir en cada Comunidad Autónoma. Sobre la Semana Santa, el Gobierno considera que es necesario un reconocimiento a nivel nacional y no solo local porque «no existe un único modelo de celebración de la Semana Santa española» sino que esta manifestación encuentra en el país «múltiples variables». «Es, por tanto, un fenómeno plural que, aun compartiendo rasgos esenciales a lo largo de la geografía española, no permite establecer modelos de fiesta», señala. Además, pone de relieve que la Semana Santa en España comprende «una gran diversidad de valores culturales, desde su función como forma de expresión de la religiosidad popular a su papel como marcador identitario, pasando por su importancia como vehículo de conocimientos tradicionales y su relación con oficios artesanos, así como con las múltiples obras muebles e inmuebles de valor artístico». Expresión de religiosidad En este sentido, el Ejecutivo subraya que desde la época medieval, las celebraciones de Semana Santa han funcionado como «formas de expresión de la religiosidad popular» y como «referentes identitarios, no sólo para el mundo católico, sino también para gran parte del conjunto de la población. De esta forma, según agrega, se ha convertido en un fenómeno plural en el que participan «todos los géneros y capas sociales, en muchos casos al margen de la práctica religiosa». También destaca su «gran proyección internacional», en especial para Latinoamérica. Por otro lado, sobre el Carnaval, el Gobierno lo define como «una de las manifestaciones culturales inmateriales más emblemáticas, vividas y recreadas de España». El origen de esta fiesta, según apunta, se remonta a épocas ancestrales, habiendo experimentado numerosas «hibridaciones culturales» hasta la actualidad y siendo prohibido en varias ocasiones. Diversión y catarsis Según añade, el Carnaval se manifiesta «tanto en los valores relacionados con la diversión, la catarsis, el ocio e incluso la religión, como en su capacidad de expresión identitaria para muchos colectivos». También expone las diversas formas de vivir el Carnaval, desde las expresiones rurales más primitivas a las grandes manifestaciones urbanas con símbolos de origen pagano. «Se trata, por tanto, de un conjunto de bienes dispersos territorialmente donde no existe un único modelo de celebración, sino que es un fenómeno plural y diverso, pero que responde a una vivencia común que le da unidad y representatividad en España», subraya el Ejecutivo. En cuanto a la Trashumancia, el Gobierno señala que constituye en la actualidad «un patrimonio vivo» que además de haber contribuido a «conformar la identidad cultural de muchos territorios», ha originado «un rico patrimonio cultural y etnográfico, reflejado en fiestas y tradiciones, en la toponimia, en la gastronomía y en toda la arquitectura relacionada con esta actividad». La cultura trashumante Entre los elementos de la cultura trashumante, destaca: la tradición oral, la artesanía, las técnicas de pastoreo tradicional o la ordenación de los pastos en el marco del derecho consuetudinario. También recuerda cómo a través de la amplia red de vías pecuarias, se produjo la transmisión de noticias y conocimientos. Con estas declaraciones, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte quiere manifestar su compromiso por «salvaguardar, proteger y difundir» el patrimonio cultural inmaterial, cumpliendo así con los principios de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial, aprobada por la UNESCO en 2003 y ratificada por España en 2005, y con el Plan Cultura 2020...

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena La Fundación SGAE ha publicado las obras ganadoras de la I Convocatoria de Teatroautor Exprés 2016 dentro de la colección homónima que la entidad promueve con el objetivo de contribuir a la difusión de la dramaturgia contemporánea. Así, los galardonados han sido ‘Raclette’ de Santiago Cortegoso, ‘Motel Oh!’ de Félix Estaire, ‘Cruz e mayo’ de Lupe Gehrenbeck, ‘DioS K’ de Antonio Rojano e ‘hISTORIA’ de Jan Vilanova, según informa en un comunicado. La colección persigue la difusión y promoción de obras de teatro recientemente estrenadas. «Se trata de una iniciativa necesaria, que permite que los textos se conozcan y lleguen a personas y profesionales que no pudieron acudir al estreno» ha explicado el autor Antonio Rojano, quien acaba de estrenar ‘Furiosa Escandinavia’ en el Teatro Español. Así, el jurado, compuesto por los críticos y especialistas Afonso Becerra, Guadalupe Soria y Rosana Torres, ha seleccionado las obras de entre más de 21 textos enviados. Dos de los textos seleccionados estaban escritos originalmente en gallego y catalán ‘Raclette’ de Santiago Cortegoso e ‘hISTORIA’ de Jan Vilanova Claudín respectivamente. Sin embargo, ambos autores apostaron por la traducción de su obra para formar parte de esta colección, «editar la obra en castellano era una gran oportunidad, sirve como material de promoción y permite que llegue a más espectadores», ha señalado Vilanova. «Si a los autores de teatro nos cuesta mucho publicar, imagina en otra lengua. Me interesa darla a conocer en castellano pero para mí sigue siendo prioritario el montaje en gallego», ha declarado por su parte Cortegoso. En cuanto a las obras, las cinco realizan un recorrido por las «diferentes caras de esta sociedad». Así, Cortegoso explica que se trata de «cinco mosaicos» que indagan sobre las estructuras de la sociedad actual y que a veces son incompatibles entre ellas. Igualmente, ha señalado que su obra, ‘Raclette’, es un teatro «muy contemporáneo» y que «trata muchos conflictos diferentes que pertenecen a nuestras vidas». Por su parte, Gehrenbeck realiza en ‘Cruz de Mayo’ una disección sobre el matriarcado y «el desprecio con el que nuestra cultura castiga el envejecimiento», mientras que, Rojano, con ‘DioS K’ analiza los excesos y la capacidad destructiva del poder en los que se asienta un Occidente en crisis. Vilanova propone un viaje hacia la Europa más deshumanizada del siglo XX que se da la mano con el día de hoy. Casualidades encerradas en hISTORIA que «han interesado muchísimo al espectador como una forma de recuperar el pasado». Por último, Estaire escribe en ‘Motel Oh’ sobre «las alternativas de nuestros propios caminos, llenos de posibilidades y elecciones que siempre atormentan», en una obra contemporánea pero con tintes clásicos que «ofrece una extraña poesía dicha en un mundo nada poético, el universo motero»...

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena ‘Harry Potter y el niño maldito’, la obra que recupera los personajes creados por J.K. Rowling, ha hecho historia en los premios Olivier, los máximos galardones del teatro británico, al alzarse con nueve galardones convirtiéndose así en «la producción más condecorada en la historia de estos premios». El montaje, escrita por Jack Thorne y dirigida por John Tiffany, que se estrenó el año pasado en el West End de Londres, partía como gran favorita en esta edición con 11 nominaciones. Y no defraudó. Se llevó los premios a mejor obra nueva; mejor director para John Tiffany; mejor actor para Jamie Parker, que interpreta a un Harry Potter treintañero que está a punto de mandar a su hijo a la escuela de magia de Howargts; mejor actriz de reparto para Noma Dumezweni, que encarna a Hermione; y mejor actor de reparto para Anthony Boyle, que da vida a Scorpius Malfoy. ‘Harry Potter y el niño maldito’ también se llevó los Olivier a mejor iluminación, mejor sonido, mejor vestuario y mejor diseño de escenarios. «El poder de la imaginación es infinito. Y ahora lo necesitamos más que nunca», afirmó el director John Tiffany en su discurso de aceptación. «Gracias a J.K. Rowling por crear a Hermione y… es un privilegio de ser capaz de interpretar a Hermione, es abrumador», dijo Dumezweni, cuya elección para interpretar al personaje encarnado por Emma Watson en las películas generó cierta polémica al tratarse de una actriz negra. Otros ganadores de la ceremonia que se celebró en el Royal Albert Hall de Londres también fueron películas que saltaron a las tablas del teatro. Fue el caso de ‘Escuela de Rock’, la adaptación del compositor Andrew Lloyd Webber de la película de 2003, que ganó en el en la categoría musical, y de ‘Atrapado en el tiempo (El día de la marmota)’, la adaptación de la famosa película de 1993 protagonizada por Bill Murray que se hizo con el premio Olivier al nuevo musical y con el de mejor actor en un musical para Andy Karl. Amber Riley, actriz de la serie ‘Glee’ se llevó el premio a la mejor actriz en musical por su trabajo en ‘Dreamgirls’, mientras que su compañero de reparto Adam J Bernard ganó el de mejor actor secundario en un musical. Billie Piper ganó el Olivier a la mejor actriz por ‘Yerma’, una adaptación de la obra de Federico García Lorca, que también se llevó el premio al mejor reestreno. Un galardón que en la categoría musical fue para ‘Jesucristo Superstar’. El actor y director Kenneth Branagh fue galardonado con el Premio Especial en reconocimiento a su «destacada contribución al teatro británico»...

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena ‘Harry Potter y el niño maldito’, la obra que recupera los personajes creados por J.K. Rowling, ha hecho historia en los premios Olivier, los máximos galardones del teatro británico, al alzarse con nueve galardones convirtiéndose así en «la producción más condecorada en la historia de estos premios». El montaje, escrita por Jack Thorne y dirigida por John Tiffany, que se estrenó el año pasado en el West End de Londres, partía como gran favorita en esta edición con 11 nominaciones. Y no defraudó. Se llevó los premios a mejor obra nueva; mejor director para John Tiffany; mejor actor para Jamie Parker, que interpreta a un Harry Potter treintañero que está a punto de mandar a su hijo a la escuela de magia de Howargts; mejor actriz de reparto para Noma Dumezweni, que encarna a Hermione; y mejor actor de reparto para Anthony Boyle, que da vida a Scorpius Malfoy. ‘Harry Potter y el niño maldito’ también se llevó los Olivier a mejor iluminación, mejor sonido, mejor vestuario y mejor diseño de escenarios. «El poder de la imaginación es infinito. Y ahora lo necesitamos más que nunca», afirmó el director John Tiffany en su discurso de aceptación. «Gracias a J.K. Rowling por crear a Hermione y… es un privilegio de ser capaz de interpretar a Hermione, es abrumador», dijo Dumezweni, cuya elección para interpretar al personaje encarnado por Emma Watson en las películas generó cierta polémica al tratarse de una actriz negra. Otros ganadores de la ceremonia que se celebró en el Royal Albert Hall de Londres también fueron películas que saltaron a las tablas del teatro. Fue el caso de ‘Escuela de Rock’, la adaptación del compositor Andrew Lloyd Webber de la película de 2003, que ganó en el en la categoría musical, y de ‘Atrapado en el tiempo (El día de la marmota)’, la adaptación de la famosa película de 1993 protagonizada por Bill Murray que se hizo con el premio Olivier al nuevo musical y con el de mejor actor en un musical para Andy Karl. Amber Riley, actriz de la serie ‘Glee’ se llevó el premio a la mejor actriz en musical por su trabajo en ‘Dreamgirls’, mientras que su compañero de reparto Adam J Bernard ganó el de mejor actor secundario en un musical. Billie Piper ganó el Olivier a la mejor actriz por ‘Yerma’, una adaptación de la obra de Federico García Lorca, que también se llevó el premio al mejor reestreno. Un galardón que en la categoría musical fue para ‘Jesucristo Superstar’. El actor y director Kenneth Branagh fue galardonado con el Premio Especial en reconocimiento a su «destacada contribución al teatro británico»...

Texto: Agencia / Fotografía: Teatros del Canal Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid han presentado este martes 11 de abril la obra ‘El Pack’, una comedia escrita y dirigida por Áurea Martínez e interpretada por nueve actores pero sólo con una (Marta Solaz) en escena. «Soy humana, si me equivoco que valoren que estoy actuando con una máquina», ha señalado la actriz protagonista. El montaje, que estará en la Sala Negra del 17 de abril al 7 de mayo, cuenta con una tecnología digital que no es sólo un elemento escenográfico, sino que es un personaje más de la obra, inseparable de la temática que plantea, que es la deriva de las relaciones humanas en la época de las redes interconectadas. La obra, que se estrenó en marzo de 2015 en La Habana (República de Cuba), utiliza diferentes recursos dramáticos y audiovisuales, mezclando la escenografía, la iluminación o la música con las nuevas tecnologías digitales, que interactúan con la fuerza dramática de la protagonista. Los actores virtuales que aparecen en pantalla durante la representación son Sergio Peris-Mencheta, Ana Rayo, Manuela Vellés, Laura Gómez-LaCueva, Félix Gómez, María José Moreno, María Forqué, Jorge Usón y las voces de María Vázquez, Lorena Berdún y Nacho Rubio. Primera vez sola en escena Durante el acto de presentación, Marta Solaz ha afirmado que es la «primera vez» que está sola en escena. Además, ha comentado que cuando leyó el guión le «gustó mucho», por lo que hizo la obra aunque acababa de tener un hijo. Sobre los recursos con los que cuentan, ha declarado que han hecho un «menos es más sacando partido de la esencia de la obra». «Ha sido un proceso de coger la obra y llevarla a algo teatral», ha dicho la actriz. Para Solaz, su personaje «no necesita salir de casa» porque tiene una pantalla con la que se relaciona con el mundo exterior. «Es algo muy marciano pero hay algunas personas que les pasa esto», ha afirmado. La comunicación en la era de la comunicación En este sentido, ha destacado que las personas, al igual que su personaje, dependen de «una extensión que es el móvil», que si falla «sienten ansiedad». La actriz ha añadido que la obra «va sobre las relaciones» y que es «más sencillo» pedir disculpas «por Whatsapp que a la cara». En la misma línea, la directora Áurea Martínez ha declarado que la obra «va de la comunicación en la era de la comunicación», y que las nuevas tecnologías es algo que facilita la vida «a todos» pero que también «genera cierta inquietud». Por ello, ha añadido que la obra es «una reflexión sobre la era digital» y sobre «cómo las nuevas tecnologías afectan a las relaciones personales». El título de la obra, ‘El Pack’, es para la directora «como la letra pequeña de los contratos», ya que hace referencia a algo que «no viene incluido». «Es algo de lo que no somos conscientes y te lo comes con patatas», ha dicho. Acogida «impresionante» en La Habana Por otro lado, Áurea Martínez ha recordado el estreno en La Habana y ha resaltado que la acogida que tuvo fue «impresionante», sobre todo por la gente joven, ya que, en su opinión, les «encanta» la obra porque tiene «un código que les interesa». Además, ha señalado que la obra con tres actores habría sido «mucho más sencilla» que llevar «todo el tinglao», en referencia a los recursos audiovisuales necesarios para representar la pieza. Por su parte, la encargada de la composición musical, Carmen París, ha resaltado que esta experiencia ha sido para ella «todo un reto» porque «nunca» había hecho «toda» la música electrónica. Asimismo, ha señalado que este «experimento» ha sido «muy divertido», y que hay un momento en el que los sonidos son «orgánicos completamente». Además, París se ha definido como una persona «bastante troglodita» por no haberse adaptado a las nuevas tecnologías, por lo que se ha dado cuenta de que se ha convertido «en un perro verde». «Para mí es un hecho que la comunicación humana ha empeorado, por eso me interesó tanto el proyecto de Áurea», ha concluido. El pack from Joe Alonso on Vimeo...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: BNE Con motivo del Día Mundial del Parkinson, el Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Antonio Najarro, se ha unido al proyecto “Danza para el Parkinson” de Danza-T: Red de Trabajadores de la Danza, interpretando fragmentos de una coreografía del BNE junto a personas afectadas por esta enfermedad. La actividad ha tenido lugar en la sede del BNE hoy martes 11 de abril a las 11:30 h. La creación conjunta se ha enmarcado en una clase magistral práctica y pasará a formar parte del repertorio coreográfico internacional de Danza para el Parkinson. La danza puede significar un horizonte nuevo para las personas afectadas por la enfermedad del Parkinson, tal como hemos tenido ocasión de comprobar en la clase magistral impartida hoy martes 11 de abril en la sede del Ballet Nacional de España (BNE). Esta mañana 30 participantes en el proyecto Danza para el Parkinson de la red de trabajadores de la danza Danza-T han podido interpretar una coreografía de Antonio Najarro, Director de la Compañía, junto a 12 de nuestros bailarines, experimentando y sintiendo lo que supone bailar con un cuerpo de baile profesional. Dicha coreografía quedará incorporada al repertorio de Danza para el Parkinson, un programa presente en más de 120 comunidades de 16 países. El pensar como un bailarín, el control del espacio y la elasticidad que suponen su práctica hacen de la Danza y la Música unos aliados valiosísimos para los pacientes en su lucha diaria contra la enfermedad del Parkinson. La Danza y la Música les permiten retardar sus efectos y mejorar su calidad de vida tanto física como anímicamente. Al Ballet Nacional de España este encuentro le permite continuar su trayectoria de acercar la Danza Española a nuevos públicos y espacios, manteniendo su compromiso con la sociedad y los colectivos vulnerables, siendo un género de danza especialmente útil para ello debido a su ritmo muy marcado y a su expresividad. En la sala de ensayos del Ballet Nacional de España (BNE) se respira un ambiente de positividad y colaboración. Dispuestos en un círculo, sentados, los bailarines de Danza para el Parkinson aguardan. Antonio Najarro, director de la Compañía del BNE, presenta la actividad como una oportunidad para un “intercambio de emociones” entre bailarines y para que “todos nos sintamos privilegiados” por participar en eventos de estas características. César Casares, impulsor de la iniciativa y miembro de la red Danza-T explica a continuación como ésta supone la “alianza de dos comunidades: la de los familiares y afectados por el Parkinson pertenecientes a diversas asociaciones de Madrid y la de los bailarines”. Seguidamente, en un círculo interno, sentados, los bailarines del BNE, adaptándose a la capacidad de movimiento de los participantes, guían a sus colegas en una clase de movimientos y posturas sencillas, dirigida por la Primera Bailarina del BNE Inma Salomón. Tras ello y ya en pie, Antonio Najarro dirige la enseñanza y la puesta en práctica de la pieza Luz del ballet Alento, actualmente en el repertorio en gira del Ballet Nacional de España. La inseguridad y los nervios han dado paso a la complicidad y a la creación de un auténtico cuerpo de baile en conjunto, sin divisiones. Para finalizar, cogidos de la mano, los bailarines se saludan entre sí y saludan al público asistente, en medio de un aplauso general que supone un reflejo de que el objetivo que se perseguía con esta iniciativa de normalización, socialización y visibilización de esta enfermedad se ha conseguido...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena La Asociación Circos Reunidos ha reiterado este miércoles su petición al Gobierno para blindar los circos con animales y ha vuelto a reclamar al Ministerio de Cultura que dirige Íñigo Méndez de Vigo que, como los toros, este tipo de espectáculos también sean declarados patrimonio inmaterial de la humanidad. Representantes de la asociación y del Grupo Parlamentario Popular han mantenido una reunión este miércoles en el Congreso de los Diputados durante la cual se ha trasladado la «preocupación» que vive el mundo del circo ante la oposición hacia su profesión por parte de ayuntamientos y grupos animalistas. Nacho Pedrera, portavoz de la Asociación Circos Reunidos, ha censurado así la actitud de «los más de 300 ayuntamientos españoles» que prohíben «de forma injustificada» el ejercicio de esta profesión. Para acabar con esta situación, ha reclamado al Ministerio de Cultura que se culminen los trámites para el blindaje del circo con animales y que sea declarado patrimonio inmaterial de la humanidad, lo que permitiría el amparo de una ley estatal «contra la persecución de algunos ayuntamientos y grupos animalistas» hacia este sector. En el marco de la reunión, la asociación también ha pedido que el Ministerio de Agricultura que dirige Isabel García Tejerina lleve a cabo un registro único para la identificación de todos los animales de circo en España. Finalmente, ha trasladado a los ‘populares’ que los circos con animales en España cumplen con toda la normativa del convenio Cites y del núcleo zoológico...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena El Ballet Nacional de España se ha unido al proyecto ‘Danza para el Parkinson’ de Danza-T: Red de Trabajadores de la Danza, con motivo del Día Mundial del Parkinson que se celebra el 11 de abril. Según informa en un comunicado, los bailarines del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Antonio Najarro, interpretarán este martes fragmentos de una coreografía del BNE, junto a personas afectadas por esta enfermedad. Así, esta creación pasará a formar parte del repertorio coreográfico de ‘Danza para el Parkinson’. De este modo, un grupo de personas afectadas por la enfermedad recibirán, una «clase magistral» para interpretar una coreografía del director de la compañía, Antonio Najarro, junto con doce bailarines y cinco profesionales de la plataforma. Por lo que, «la creación más actual de nuestra Danza Española» quedará incorporada al repertorio de ‘Danza para el Parkinson’. El objeto de esta acción es que las personas aquejadas de Parkinson «se conviertan en bailarines» para utilizar la danza y la música como un vehículo canalizador de sensaciones, emociones y movimientos, y que este encuentro permite llevar la Danza Española «más allá de los escenarios», en la línea que mantiene de compromiso con la sociedad y los colectivos más vulnerables...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Aisge La actriz barcelonesa Alicia Agut, de 87 años, ha fallecido este viernes 7 de abril en el hospital madrileño de Nuestra Señora de América, donde llevaba ingresada desde el pasado martes 4 de abril por complicaciones respiratorias, según ha informado AISGE en un comunicado. La actriz, nacida en Barcelona el 7 de septiembre de 1929, debuto en teatro con clásicos de la escena como Lorca, Lope de Vega, Tennessee Williams, Eugene O’Neill, Jacques Deval o Shakespeare, con la Compañía Festivales de España bajo la dirección de José Tamayo. En 1977, a las órdenes de Adolfo Marsillach, colaboró en el montaje de ‘Las arrecogías del beatario de Santa María Egipciana’, un texto de José Martín Recuerda sobre la heroína liberal Mariana Pineda que no había podido ser estrenado hasta la llegada de la democracia. Antes, había trabajado con Miguel Narros en ‘Anillos para una dama’, obra que le valió a su director el Premio Teatral Radio España en 1974 y al montaje, el de mejor obra española. Cuatro años después se puso bajo la dirección de José Luis Gómez en ‘Bodas que fueron famosas del Pingajo y la Fandanga’, primera representación del Centro Dramático Nacional. Además, en otoño de 1985, también con Gómez, representó en Almería la tragedia que inspiró a García Lorca para escribir ‘Bodas de sangre’. Con el director teatral Joaquín Vida -ayudante que fuera de Fernán-Gómez, Narros y José Luis Gómez, de los que aprendió el oficio- repitió hasta en seis ocasiones. La última, ‘La malquerida’, de Jacinto Benavente, en 2000. Desde entonces, la actriz catalana colaboró en el debut teatral de Gonzalo Suárez con ‘Arsénico, por favor’. La obra, basada en el clásico del cine de Frank Capra, ‘Arsénico, por compasión’, provenía de un texto teatral, ‘Cadáveres en nuestra bodega’, del dramaturgo norteamericano Joseph Kesserling...

Escrito por: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena Lolita Fores y el actor hispanoargentino Luis Mottola estrenarán el próximo 20 de abril la obra ‘Prefiero que seamos amigos’, bajo la dirección de la Tamzin Townsend, que ha llevado al escenario obras como ‘Bones Festes’, ‘La última sesión de Freud’ o ‘Un dios salvaje’, entre otras. En esta ocasión, se trata de un espectáculo ideado por el cómico y dramaturgo francés Laurent Ruquier que en el país vecino ha tenido más de 300 representaciones y en torno a 5 millones de espectadores, gracias . La obra se estrenará en el Teatro La Latina de Madrid, donde permanecerá hasta el 25 de junio, para hacer después un recorrido por los escenarios de varias comunidades autónomas. «Iremos por el norte, Castilla, Andalucía, Valencia, Zaragoza… Vamos a a recorrer España entera», ha asegurado Lolita Flores. ‘Prefiero que seamos amigos’, según ha explicado la directora de la obra, cuenta la historia de «dos personajes fabulosos, valientes y fuertes», Claudia y Valentín, con una historia en común «muy bonita» que, además, «está llena de sorpresas». «Es una obra que se estrenó en Francia con muchísimo éxito. Me pasó Jesús Cimarro la obra en navidad, la leí y dije: ‘¡Qué bonito, me encanta!’ Además, trabajar con Lolita y Luis… ¡Me pareció todo muy bonito!», ha explicado la directora de origen británico. El núcleo de la obra gira en torno a la amistad entre Claudia (encarnada por Lolita Flores) y Valentín (a quien dará vida Luis Mottola), ambos por encima de los 50 años y amigos desde hace tiempo. «Mi personaje es Claudia, una mujer más o menos de mi edad, año arriba año abajo, que tiene una floristería y que es una mujer con una serie de sentimientos que decide un día plasmárselo a su mejor amigo», ha explicado Flores. A raíz de eso, Valentin verá como «empiezan a romperse reglas» y se producen «enfrentamientos, combate de palabras y acuerdos y desacuerdos». «Hay vida después de los 50» «En esa conversación empiezan a salir cosas que no sabían el uno del otro y eso genera una grieta, unas partes de la obra que no puedo contar pero sí puedo decir que acaba bien. No puedo decir por qué acaba bien pero acaba bien», ha adelantado la actriz que señala que una de las conclusiones de la obra es que «hay vida después de los 50» tanto para los hombres como para las mujeres. «Únicamente, hay que ser coherente con los sentimientos de uno y ya está. Ponerse el mundo por montera y tirar para adelante», ha indicado. Por su parte, Mottola ha prometido una comedia romántica «con el poder sostener una sonrisa durante una hora y media» pese a que habrá momentos cómicos y momentos que no lo sean. «La idea es empatizar absolutamente. Que sea una obra muy cercana, muy humana, y que el asistente pueda identificarse no solamente con la situación sino también con las emociones que tienen estos personajes. Que vengan a pasársela bien, que de eso se trata», ha subrayado el actor. Según han explicado los dos protagonistas de ‘Prefiero que seamos amigos’, la idea de poner en marcha l espectáculo surgió a raíz de la colaboración que ambos, Lolita y Luis, realizaron en un corto titulado ‘Carne’ en 2016. «Queríamos hacer teatro y tuvimos la suerte de que Jesús Cimarro tenía esta obra en su poder. Me la pasó, la leímos, nos gustó y ya está –ha explicado Flores–. A veces las cosas son así. Es simplemente querer hacer algo y cuando llega a tus manos algo que te apetece hacer y es una obra divertida y encima tenemos una buena directora y somos dos actores que nos entendemos muy bien en el escenario. Pues no hay más, somos actores y hay que trabajar». Finalmente, el espectáculo se estrenará este mes de abril con la coproducción de Pentación, Bitó y Focus y con Ricardo Sánchez Cuerda como responsable de la escenografía; Felipe Ramos, en la iluminación; Gabriela Salaberri, de vestuario; y el propio Jesús Cimarro como productor...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena El Teatro Español acoge desde el próximo día 19 de abril la primera edición del ciclo ZIP, en el que siete compañías de teatro mostrarán ocho propuestas diferentes de teatro de vanguardia procedente de distintos puntos de España. «Estas compañías buscan un lenguaje que rompa con lo convencional y que explique este mundo caótico hasta un límite extraordinario. Por eso lo llamamos teatro radical», ha afirmado la directora artística del Teatro Español, Carme Portaceli. Durante los cinco días, las siete compañías «okuparán» todo el edificio del teatro, desplegando sus propuestas en sus diferentes espacios, incluidas las salas de ensayo y la propia Plaza de Santa Ana de Madrid. En este sentido, Portaceli ha señalado que utilizan la palabra «okupa» con ‘k’ porque son los artistas los que van eligiendo dónde se van situando para ofrecer al público «una especie de menú degustación del teatro radical». En la misma línea, ha destacado que tienen ocho espectáculos en cinco días de una manera «muy comprimida» de un teatro que «no es muy habitual», y ha comentado que un teatro público «tiene que estar» al lado de la gente joven porque es «la que cambiará el mundo». «Al Teatro Español lo que le gustaría de verdad sería ser el centro de una red en la que este tipo de teatro pueda girar por toda España», ha dicho. El ciclo comenzará el próximo día 19 de abril con las funciones ‘Kokoro’, una propuesta en la que Lali Ayguadé dirige a un cuarteto de bailarines; y ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro enmarcada dentro del proyecto ‘Díptico por la Identidad’. La compañía Obskené representará el día 20 ‘Anar de carenes al cel’, una propuesta polifónica entre el teatro, el cine documental y la música en directo. Por su parte, la creadora y coreógrafa Louisa Merino dirige los días 20 y 21 ‘The course of memory’, una pieza documental a medio camino entre las artes escénicas y las artes plásticas, que parte de un trabajo con voluntarios en cada ciudad en la que se representa. Durante los días 21 y 22, el escenario de la Sala Principal acogerá ‘Wohnwagen’, un espectáculo estrenado en Berlín con integrantes del P14, el grupo joven de experimentación del teatro Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz; y en la Plaza de Santa Ana la compañía Cabosanroque presentará ‘Mural sonoro’, dos conciertos gratuitos que ofrecerá el colectivo musical procedente de Barcelona. Completan el ciclo los espectáculos ‘Extraños mares arden’, un documental escénico de Txalo Toloza-Fernández en colaboración con Laida Azkon, los días 22 y 23; y ‘Faena’, el día 23, que es, al igual que ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro de su proyecto ‘Díptico por la identidad’. Un espectáculo de 360º Durante el acto de presentación de ZIP, el integrante del espectáculo ‘Wohnwagen’ Marc Salicrú, ha subrayado que van a contar, desde su visión, una historia que habla de un amor del siglo XXI, un amor «un poco inmaduro». «Va a ser una obra de 360º», ha manifestado. Por su parte, la directora de ‘Anar de carnes al cel’, Judith Pujol, ha dicho que está «muy contenta» por hacer la función en español, y ha comentado que van a «beber y comer mucho» porque el espectáculo es un «gran brindis». Por ello, ha añadido que querían que el vino «estuviera presente». Asimismo, el miembro de Vértebro Juan Diego Calzada, ha afirmado que en sus espectáculos, ‘Faena’ y ‘Pregón’, han querido contar con familiares como invitados, ya que, en su opinión, tienen una calidad en escena a la que ellos saben que no van a llegar por estar «ya deformados». «Va a ser una experiencia muy enriquecedora», ha dicho. Por último, la creadora y coreógrafa de ‘The course of memory’, Louisa Merino, ha comentado que trabaja «con personas mayores», con las que ha intentado hacer un relato a partir de hechos de su biografía y de las historias que le han contado otras personas...