Cine, sueños y comunidad a escena: el Festival ÍDEM presenta las claves de su XIII edición con  nueva dirección artística de Rolf Abderhalden

El festival, que busca la diversidad en todos los sentidos e impulsar la reflexión sobre los problemas contemporáneos, presenta trece propuestas escénicas y reunirá a lo largo de diez días a 29 artistas e investigadores nacionales e internacionales que coinciden en su compromiso social y en su marcado activismo. Para esta XIII edición, Rolf Abderhalden ha planteado una programación bajo el lema “Campos magnéticos” partiendo de la premisa de que la creación artística actúa como un campo magnético y que el encuentro con otras fuerzas detona reacciones, nuevas formas de hacer y relacionarse con “otras comunidades”, y plantea preguntas en torno a la creación en ámbitos extra-artísticos. Una perspectiva reconocible en el enfoque asociativo del programa, que implica a socios y colectivos de dentro y fuera del sector cultural y artístico, y en los múltiples formatos que integra, desde performance, instalación o cine vivo a laboratorios de creación o encuentros con artistas. 

El cine, los sueños y la comunidad están muy presentes a través de diversas propuestas en esta edición de ÍDEM, quepor primera vez se irradia a Casa San Cristóbal, espacio social y cultural de la Fundación Montemadrid en el barrio de San Cristóbal de Los Ángeles.

El colombiano Santiago Sepúlveda estrena en España el 18 y 19 de septiembre uno de los platos fuertes del festival: la película de cine vivo Una estación fisiomágica en la que dos personas sordas interpretan una serie de propuestas visuales que evocan la magia que representaba el cine mudo de los inicios, cumpliendo un rol similar al de la figura delbenshi, como se conocía en Japón a la persona que, a través de la narración oral, interpretaba para el público las películas sin sonido. Al juntar personas sordas y cine mudo, Sepúlveda reflexiona sobre la creación de sonido más allá de las palabras articuladas y más allá del ser humano en sí. El proyecto surge a partir de sus investigaciones alrededor de dos personajes pioneros de la pantalla grande: el médico y fotógrafo Étienne Jules Marey y el ilusionista y cineasta George Méliès. Preguntándose cómo hubiera sido una película realizada entre ambos, Sepúlveda construye dos experiencias sonoras, visuales y espaciales, que podrán ser vistas por los espectadores.

En torno al cine gira también la propuesta de la artista en residencia de La Casa Encendida 2025 Bibi Dória, brasileña afincada en Lisboa, que el 17 de septiembre presenta por primera vez en Madrid Nome de filme (Nombre de película) y Cão de sete patas (Perro de siete patas), un proyecto situado en el cruce entre la performance y el cine a partir de la película de ficción Copacabana Mon Amour, del director Rogério Sganzerla, filmada en Río de Janeiro en 1970 y no estrenada debido a la censura de la dictadura militar, que sobrevivió al gran incendio que arrasó el edificio de la Cinemateca Brasileira en São Paulo en 2021 como consecuencia de una política de negligencia y abandono.

El venezolano Euyín Eugene estrena en España el 16 de septiembre Tuerce, resultado de su residencia en La Casa Encendida en 2024, una pieza escénica que nace de la necesidad de crear un espacio dentro del arte para dialogar en torno a la disforia de género —malestar causado por la no correspondencia entre sexo biológico e identidad— junto a las personas que la transitan y el legado colonial, más allá del discurso medicalizado que patologiza dicha experiencia. Los paisajes sonoros son obra del artista Íren Márquez Dos Santos, artista sonoro afrodescendiente que investiga y abraza las formas de resistencia y sanación de las comunidades diaspóricas a través del sonido.

La dimensión social y comunitaria articula también algunos de los proyectos del festival. El Desenterrador, deSocietat Doctor Alonso — compañía dirigida por Tomàs Aragay  y Sofia Asencio a la que se dedica Foco 2025, programa que revisita los trabajos de creadoras y creadores que han sido importantes en la trayectoria de La Casa Encendida y de la ciudad de Madrid— presenta los días 10 y 11 de septiembre el proyecto de creación e investigación en torno al lenguaje que han llevado a cabo con personas internas del centro penitenciario de Estremera. En la primera parte del programa, que se desarrolló en el mes de mayo, se trabajó conjuntamente con las internas y educadores y será en ÍDEM donde se abrirá y compartirá el proceso con el público.

El colombiano Checho Tamayo lleva a cabo otra iniciativa comunitaria singular con su proyecto Entre la espalda y el cielo. Creador escénico, mediador, performer y ex-futbolista, ganador tres años consecutivos de la convocatoria nacional INJUVE, plantea una nueva manera de relacionarse con el fútbol a través de combinación de prácticas venidas de la danza y la creación, y busca dar lugar a una reflexión sobre el fútbol y la danza como lenguajes percibidos de forma antagónica en nuestra sociedad, pero que sin embargo comparten naturaleza en sus elementos esenciales. Tamayo ha estado trabajando con un grupo de jóvenes de San Cristóbal, en un proceso que pone en valor otras formas de comunicarse, de jugar, de entender el movimiento y la danza y de vivir el barrio, y presenta en el festival una pieza performativa que se mostrará el 13 de septiembre en el patio del CEIP Azorín, junto a Casa San Cristóbal.

Por su parte, Panorama móvil: de ida y vuelta II  muestra la confluencia del trabajo personal de Alegría y Piñero y su extensa colaboración artística con las personas con discapacidad intelectual del Centro Ocupacional de La Puebla de Cazalla (Colectivo Ojo Pértico). La pieza está compuesta por una estructura giratoria que contiene un rollo de tela pintado de 45 m de largo por 1,40 m de alto. Habrá dos activaciones el 12 y 13 de septiembre durante las cuales la tela, pintada por ambas caras, gira mostrando las distintas escenas sincronizadas con diferentes efectos de luces, sombras chinescas, y un archivo sonoro compuesto por narraciones y temas musicales propios. 

Comunidades soñantes es un laboratorio de investigación-creación de artes vivas en torno al sueño y  las imágenes mentales que invita a abordar el mundo de las imágenes que no pensamos de manera racional pero que existe y nos configura: el mundo de las visiones, recuerdos, fantasmas, ensoñaciones y sueños. Se desarrolla en el marco del proyecto de investigación ‘EXPERIMENTA. Comunidad experimental de investigación en artes vivas: creación, intervención, genealogía’ de la Universidad de Castilla-La Mancha. Se abre el jueves 11 con la charla de la profesora e investigadora Victoria Pérez Royo, Comunidades soñantes. De violencias y fantasmas, que dará paso a dos actividades.

La primera es Escuchatorio de sueños: archivos oníricos de ruina y reconstrucción, de Shaday Larios, que propone el 12 de septiembre una lectura performativa de archivos oníricos que explora las imágenes, texturas, palabras, vínculos humanos y no-humanos, arquitecturas, sensaciones corporales que se tejen entre la experiencia individual y las vivencias de conflictos sociales existentes en las memorias y el imaginario colectivo. A partir del libroEscuchatorio de sueños, de la Comunidad Soñante integrada por Shaday Larios, Giulianna Zambrano y Francisco Arrieta, fruto de cuatro meses y medio de compartir sueños cada mañana en el confinamiento pandémico, y de un trabajo de socialización del sueño realizado por la misma comunidad en Tijuana con migrantes haitianos y haitianas en tiempos de deportaciones masivas por parte del gobierno de Estados Unidos, el Escuchatorio se plantea como cuaderno de campo etnográfico abierto y colaborativo.

A su vez, el taller BUG STORIES. Tercer despliegue de Material Girls, de Silvia Zayas, que tendrá lugar en Casa San Cristóbal entre el 15 y el 17 de septiembre, indaga en las memorias infantiles, las confusiones de imágenes, lo visto y lo imaginado para explorar el trauma colectivo y la culpa heredada por una segunda generación de niñas y niños descendientes de familias que han sufrido guerras, migraciones, o violencias de diverso tipo. Para ello se invita a participar a niñas y niños de entre 6 y 11 años de familias con un pasado migrante, quienes trabajarán con un grupo de artistas e investigadoras invitadas en el ensayo de filmación colectiva de una película.

Dos encuentros, Nada podrá con nuestras glándulas acuíferas con la colombiana Adriana Urrea —filósofa de formación que ha combinado su vida académica con el trabajo en el mundo de la cultura, las artes y editorial—, y La cultura de la resistencia con Nabil Al-Raee —dramaturgo palestino que invita a reflexionar sobre el poder del arte en contextos de opresión y violencia colonial—completan la programación del festival.

ÍDEM 2025 se cierra en Casa San Cristóbal el sábado 20 de septiembre con una deriva  escénica centrada en ese barrio, realizada por los artistas de  ‘Experimenta/MADRID’, laboratorio de pensamiento-creación coordinado por Rolf Abderhalden y Adriana Urrea y dirigido a jóvenes creadores de todas las disciplinas seleccionados en convocatoria pública, quienes trabajarán sobre las actividades programadas durante el festival.

Para celebrar la clausura tendrá lugar además una sesión vinilera salsera gratuita y abierta al público: Imaginarios Polirrítmicos, archivo sonoro de La Parcería y Salsódromo. Se trata de una acción sonora, corporal y política que explora los procesos de hibridación musical y resistencia cultural entre África, Europa y el Caribe. La propuesta activa el archivo del colectivo La Parcería desde el cuerpo, el vinilo y la percusión en vivo, como formas de memoria insurgente. Bajo la investigación de David Santamaría y Johan Posada se convoca esta acción desde la experiencia del Salsódromo Madrid, con más de una década de trabajo en liberación de fronteras a través del baile. Los acompaña el maestro de percusión Jaime Vásquez, cuya interpretación en directo con instrumentos como la conga y el batá —históricamente censurados o invisibilizados— se convierte en un acto simbólico de reapropiación y visibilización.

Rolf Abderhalden (Manizales, Colombia, 1965)

Artista transdisciplinar, docente e investigador. En 1984 funda con su hermana Heidi Abderhalden Mapa Teatro, laboratorio de artistas con sede en Bogotá dedicado a la creación artística interdisciplinar que ha construido un universo dentro del ámbito de las Artes Vivas, un lugar propicio para la trasgresión de fronteras disciplinares, para la fusión de lenguajes y lecturas y la articulación de problemáticas locales y globales. En España, el Museo Reina Sofía dedicó a Mapa Teatro la exposición De los dementes o faltos de juicio en 2018, además de incluir la instalación Los Incontados, 2014/2021 en su colección. 

Docente e investigador de las artes, es profesor de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, fundador de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de esta universidad y doctor en Estéticas, Ciencias y Tecnologías de las Artes de la Universidad de Paris 8. Ha presentado y expuesto su trabajo artístico en numerosos teatros, festivales de arte, museos y encuentros académicos en todo el mundo. Es Premio Nacional de las Artes en Colombia, Medalla al Mérito Universitario y Medalla Goethe.

Festival ÍDEM

ÍDEM, Festival Internacional de Artes Escénicas, se celebra con periodicidad anual en el mes de septiembre. Tiene como objetivo acercar la diversidad a la ciudadanía y eliminar barreras a través de la creación artística, además de impulsar la reflexión en torno a las cuestiones sociales que afectan a la sociedad en su conjunto.

A lo largo de sus doce ediciones ha presentado el trabajo de artistas nacionales e internacionales que coinciden en su compromiso con los problemas contemporáneos: la justicia y economía geopolíticas, la colonización y descolonización, el asilo político, la enfermedad mental, los cuidados, la diversidad y la inclusión. Desde diferentes perspectivas, ÍDEM invita a recolocar nuestra posición como espectadores y a afinar nuestra mirada para poder reconectar con el compromiso esencial del arte: su capacidad transformadora.

Algunos de estos artistas han sido La Ribot (España), Dançando com a diferença (Portugal), Tamara Cubas (Uruguay), Milo Rau (Suiza), Chiara Bersani (Italia), Fritsch Company – Fundación Psico Ballet Maite León (España, Madrid), Mariantònia Oliver (España, Baleares), Societat Doctor Alonso (España,Cataluña), Nora Chipaumire (Zimbabue), Michael Turinsky (Austria), Bill Sannon (EEUU), Yanel Barbeito (Cuba), L’Oiseau -Mouche (Francia), Teatro de los Sentidos (Cataluña – Colombia), Pippo Delbono (Italia), Mónica Valenciano (Madrid), Amanda Piña (México) y Zora Snake (Camerún), entre muchos otros.

Es un festival multidisciplinar y también diverso en sus formatos: performance, instalación, documental escénico, radio, cine, fotografía, talleres de investigación, realidad virtual, o encuentros con artistas y entre artistas online y presenciales.

ÍDEM promueve además proyectos innovadores y comprometidos con el entorno con un claro enfoque asociativo, implicando y movilizando a socios dentro y fuera del sector cultural y artístico, en el ámbito social, educativo y sanitario.

Esta edición de IDEM cuenta con:

El apoyo de: INAEM

El patrocinio de: Siemens Stiftung

En colaboración con UCLM

Agradecimientos: Fundación Gabeiras, Goethe-Institut

Las entradas están disponibles en www.lacasaencendida.es.

PROGRAMA

El Desenterrador, Societat Doctor Alonso
Miércoles 10, 16 h, y jueves 11, 19 h

Dinámica grupal y mesa redonda. Proyecto de creación e investigación alrededor del cuerpo y las palabras con personas internas del centro penitenciario de Estremera.

Un proceso llevado a cabo previamente por un equipo interdisciplinar que se abrirá y compartirá con el público los días 10 y 11 de septiembre.

El Desenterrador es un proyecto que se ha implementado en una serie de residencias-talleres en distintos lugares de España y Sudamérica. Su objetivo es indagar en la estrecha y cambiante relación que se produce entre las palabras y su uso, y las acciones que de ellas se derivan. Se trata de un mecanismo pedagógico alrededor de las palabras, el lenguaje, el diálogo y los valores éticos, que permite intercambiar conocimiento y mejorar la capacidad de razonar, escuchar y construir de manera conjunta un nuevo pensamiento y discurso.

A lo largo del mes de mayo se trabajó conjuntamente con educadoras y dos grupos de 40 internos e internas del centro penitenciario de Estremera. En paralelo a este proceso, Societat Doctor Alonso ha abierto otras excavaciones organizadas por el colectivo Paisanaje en Esta es una Plaza, en el barrio de Lavapiés.

Ambos procesos confluyen en La Casa Encendida con unas sesiones abiertas dentro del Festival IDEM.

Este proyecto se ha desarrollado hasta hoy con la colaboración intensiva de Jordi Claramonte, Jaime Conde Salazar, Bárbara Sánchez, Silvia Zayas, Lluc Baños, Tomàs Aragay y Sofía Asencio.

Actividad en colaboración con el proyecto ‘La Voz que nadie escucha’ de Fundación Gabeiras.

Societat Doctor Alonso

Dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (bailarina y coreógrafa), se creó en 2001. Ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto de desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje, tanto en cuanto a su gramática constitutiva como en lo que respecta a la lectura que un observador puede hacer. Desplazarse para despertar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que ponga en cuestión el statu quo de nuestra comprensión de la realidad.

Encuentro con Victoria Pérez Royo. Comunidades soñantes. De violencias y fantasmas
Jueves 11, 18 h

Conversación entre Victoria Pérez Royo, Silvia Zayas y Shaday Larios para presentar Comunidades soñantes, laboratorio de investigación-creación en torno al sueño y las imágenes mentales.

Una propuesta para abordar el mundo de las imágenes que no encuentran un soporte visual para aparecer, aquellas que llamamos con términos insatisfactorios como imágenes internas, o imaginarias, lo cual parece sugerir que tienen menos realidad que las que aparecen en pantallas o en otras superficies.

Descartes funda el pensamiento moderno estableciendo una ontología que divide el mundo en dos tipos de seres: la sustancia extensa, res extensa, lo que existe materialmente, lo que ocupa un espacio, y la res cogitans, sustancia pensante, actividad de la mente. En esta ontología dual deja fuera todo el mundo de la imagen que media entre el sujeto y el mundo, toda la densidad “imaginal” a través de la que vemos, en la que habitamos, que conforma el mundo mismo en el que vivimos. Siguiendo su vocabulario, de lo que se ocupa Comunidades soñantes es justo de esto, de la res somnians, de todo aquello que no vemos tomando una extensión en el mundo y que no pensamos de manera racional, pero que de forma evidente existe y nos configura, todo el mundo de las visiones, recuerdos, fantasmas, ensoñaciones y sueños.

Desarrollado en el marco del proyecto de investigación EXPERIMENTA. Comunidad experimental de investigación en artes vivas: creación, intervención, genealogía de la Universidad de Castilla-La Mancha.

Escuchatorio de sueños: archivos oníricos de ruina y reconstrucción, de  Shaday Larios. Comunidades soñantes
Viernes 12, 20 h

Lectura performativa de archivos oníricos sobre la vida que emulsiona al dormir en contextos de conflicto social.

Parte de la escucha y observación de las imágenes, texturas, palabras, vínculos, arquitecturas, sensaciones corporales que se tejen entre la experiencia individual y las vivencias de conflictos sociales existentes en las memorias y el imaginario colectivo.

Las brújulas del proyecto son, por un lado, el libro Escuchatorio de Sueños (Recodo Press, 2024) de la Comunidad Soñante integrada por Shaday Larios, Giulianna Zambrano y Francisco Arrieta tras cuatro meses y medio de compartir sueños cada mañana en el confinamiento pandémico. Y, por otro, un trabajo de socialización del sueño realizado por la misma comunidad en Tijuana (frontera norte de México, Festival la Bestia) con migrantes haitianos y haitianas en tiempos de deportaciones masivas por parte del gobierno de Estados Unidos. El Escuchatorio se propone como cuaderno de campo etnográfico abierto y colaborativo, que además compartirá en preguntas, revelaciones, testimonios sobre el sueño como saber y agencia para la acción comunitaria en distintos territorios.

Desarrollado en el marco del proyecto de investigación EXPERIMENTA. Comunidad experimental de investigación en artes vivas: creación, intervención, genealogía de la Universidad de Castilla-La Mancha.

Shaday Larios

Nacida en México y residente en Navarra, es doctora en Artes Escénicas por la Universidad Autónoma de Barcelona en donde concentró sus estudios en la filosofía del objeto en escena. Estudió la maestría en investigación antropológica y sus aplicaciones en la UNED de Madrid, especializándose en antropología del patrimonio. Es Licenciada en Letras Españolas por la Universidad de Guanajuato. 

Codirige la compañía de teatro de objetos documentales Oligor y Microscopía junto a su socio español Jomi Oligor (oligorymicroscopia.org). Es cofundadora junto a Oligor y Xavier Bobés de El Solar. Agencia de Detectives de Objetos con la que realiza trabajos de campo en distintas comunidades para explorar junto a sus residentes los vínculos entre territorio, memoria y cultura material. Es autora de los libros Escenarios Post-catástrofe: Filosofía Escénica del desastre (Premio Internacional de Ensayo Teatral CITRU-Paso de Gato- ARTEZ, 2010), Los objetos vivos. Escenarios de la materia indócil (Paso de Gato, 2018), Detectives de objetos (La uÑa RoTa, 2019), Teatro de objetos documentales (La uÑa RoTa, 2022),  Archivo de la Delicadeza (La uÑa RoTa, 2023), Escuchatorio de sueños (Recodo Press, 2024).

Coordina el Circuito de Memoria Material en distintos países a través del cual ha editado seis publicaciones de textos colaborativos en torno a los objetos como documentos. Se dedica a la docencia de las materialidades insumisas en varias instituciones europeas y latinoamericanas.

Panorama móvil: de ida y vuelta II de Alegria y Piñero+Ojo Pértico
Viernes 12, 19 h,  y sábado 13, 12 h

Estreno en Madrid

Instalación inspirada en el espectáculo precinematográfico del siglo XIX Gran panorama móvil del Misisipi, de John Banvard. Incluye dos activaciones.

Una obra de dibujo expandido creada por imágenes que detonan narraciones improvisadas, ejercicios de escritura de las que surgen versos que se traducen en canciones. La pieza está compuesta por una estructura giratoria que contiene un rollo de tela pintado de 45 m de largo por 1,40 m de alto. Habrá dos activaciones durante las cuales la tela, pintada por ambas caras, gira mostrando las distintas escenas sincronizadas con distintos efectos de luces, sombras chinescas y un archivo sonoro compuesto por narraciones y temas musicales propios.

Se trata de un proyecto colaborativo en el que confluyen el trabajo personal de Alegría y Piñero y su extensa colaboración artística con las personas con discapacidad intelectual del Centro Ocupacional de La Puebla de Cazalla (Colectivo Ojo Pértico).

Alegría y Piñero

Licenciados en Bellas Artes en la Universidad de Granada trabajan juntos como pareja artística desde 2009. Su trabajo creativo se centra en la multiplicidad de perspectivas que surgen ante la mirada circular en torno a un mismo centro.

Sus proyectos han sido seleccionados y premiados en diversas convocatorias como Lugar común (Consorcio de Museos Comunidad Valenciana), Encuentros de Arte de Genalguacil, Residencia Artística UAVA/C3A, Premios Cervezas Alhambra, o Iniciarte, entre otras. Sus obras han sido exhibidas en salas nacionales e internacionales como Tabacalera (Madrid), SCAN (Londres), Palacio de La Madraza (Granada) y las ferias ARCO y Arte Santander, siendo además adquiridos por importantes colecciones como Fundación Unicaja, DKV, Cervezas Alhambra, Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván o CAC de Málaga.

Paralelamente a sus investigaciones artísticas, desarrollan un amplio proyecto formativo, impartiendo talleres y conferencias en torno a sus procesos creativos en las universidades de Sevilla, Málaga y Granada. En los últimos años han creado un amplio programa de creación para personas con discapacidad intelectual en colaboración con el Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla, donde además coordinan el proyecto de Residencias artísticas de la localidad y las Jornadas de Art Brut.

Entre la espalda y el cielo, de Checho Tamayo
Sábado 13, 20 h

Estreno en España, producción ÍDEM 2025

Una performance a partir de una exploración sobre el fútbol a través de una combinación de prácticas venidas de la danza y la creación.

Un atleta migrante se propone construir un equipo en un barrio de la periferia de Madrid. Se plantea una nueva manera de relacionarse con el fútbol a través de combinación de prácticas venidas de la danza y la creación buscando dar lugar a una reflexión sobre el fútbol y la danza como lenguajes percibidos de forma antagónica en nuestra sociedad, pero que sin embargo comparten naturaleza en sus elementos esenciales.

El creador escénico, mediador, performer y ex-futbolista Checho Tamayo ha estado trabajando con un grupo de jóvenes del barrio de San Cristóbal de Los Ángeles. Poniendo en valor encuentros orgánicos, cotidianos y de comunicación intuitiva, este proceso se ha construido jugando partidos de fútbol callejeros, participando de sesiones de danza urbana y teniendo conversaciones espontáneas en plazas, parques y espacios públicos del barrio. El resultado es una performance que se podrá ver en el patio del CEIP Azorín, junto a Casa San Cristóbal.

Taller BUG STORIES. Tercer despliegue de Material Girls, de Silvia Zayas. Comunidades soñantes
Lunes 15, martes 16 y miércoles 17, 17 h

Una indagación en las memorias infantiles para explorar el trauma colectivo y la culpa heredada en niñas y niños descendientes de familias que han sufrido guerras, migraciones, o violencias de diverso tipo.

Silvia Zayas propone un taller dirigido a niñas y niños de entre 6 y 11 años de familias con un pasado migrante, quienes trabajarán con un grupo de artistas e investigadoras invitadas en el ensayo de filmación colectiva de una película. En él se exploran formas corporales de extraer la sensitividad de las memorias infantiles, las confusiones de imágenes, lo visto y lo imaginado, la incomprensión de la violencia y las cadenas de montaje mental que modulan y se infiltran entre la realidad, la ficción y la imaginación.

Durante el taller se ensayará colectivamente una primera grabación de material en bruto para una futura película-pieza del género terror musical. Esta futura pieza, Material Girls, parte de lo autobiográfico para explorar el trauma colectivo y la culpa heredada por una segunda generación de niñas, las hijas y sobrinas de familias que han sufrido guerras, migraciones, o violencias de diverso tipo. La investigación trata con la posterior re-narrativización de esa historia violenta y vergonzosa a través de la imaginación infantil, que estuvo plagada de silencios, escuchas tras las puertas, música pop, la danza, sincretismos y fantasmas.

Desarrollado en el marco del proyecto de investigación EXPERIMENTA. Comunidad experimental de investigación en artes vivas: creación, intervención, genealogía de la Universidad de Castilla-La Mancha.

Silvia Zayas

Trabaja en los límites de las artes en vivo, el cine y la coreografía expandida. Investiga formas de desplazar el lenguaje fílmico a diferentes dispositivos performativos, trabajando con modos diferentes de percepción y atención. Un cine que viene a asaltarte a través de fantasmas, agujeros y exclusiones, instrumentos imposibles, experiencias subacuáticas, explosiones, lo infantil y la ficción de la memoria, imaginarios extraños de trazos que fueron históricos y todo eso que aún no podemos alcanzar a saber.

Zayas piensa en el hecho artístico como procesos de investigación compartida y de larga duración como Jumping Scales (2017-2018) o el proyecto Ruido ê (Fundación Carasso 2021-2023) que la ha tenido ocupada los últimos años y ha finalizado dentro del contexto GRAPA (CCCB, Hangar y UOC) y en el que colaboró con Catsharks y el biólogo marino Claudio Barría, y con artistas como Clara Piazuelo, Mar Medina y Cris Blanco, entre otras.

Tuerce, de Euyín Eugene
Martes 16, 19:30 h y 20:40 h

Artista en residencia de La Casa Encendida 2024. Estreno en España

Performance sobre la disforia de género y el legado colonial.

Proyecto que nace de la necesidad de crear un espacio dentro del arte para dialogar en torno al malestar causado por la no correspondencia entre sexo biológico e identidad, con las personas que la transitan, más allá del discurso medicalizado que patologiza dicha experiencia.

Mientras Euyín Eugene pensaba este proyecto, se dedicó a mirar cuerpos como el suyo: cuerpos de personas trans y no binarias. De esa observación surgió la palabra torcer, porque el cuerpo trans y no binario, a través de su experiencia, tuerce, da vueltas, altera, desvía, moviliza y permite desnaturalizar el sistema sexo-género.

Tras su paso por el programa Artistas en Residencia de La Casa Encendida en 2024 y Las Residencias Paraíso en Galicia, Tuerce—una pieza escénica que también es una instalación en construcción— ha centrado su eje en la pregunta: ¿y si la disforia de género pudiese hablar a través de un cuerpo, qué diría?

Partiendo de este punto, su creador, que se enuncia como “cuerpo marrón”, proveniente de Abya Yala (término utilizado por los pueblos indígenas para referirse al continente americano), con una identidad de género que no se enmarca en el binario hombre/mujer, se embarca en un viaje donde se abren nuevas preguntas: ¿cómo era la diversidad sexual en Abya Yala antes del proceso de colonización?, ¿cómo conectar con esa esencia —que en términos lógicos ha sido borrada— para habitar los malestares impuestos por el sistema sexo-género?

Euyín Eugene

Creador visual, escénico y gestor cultural, transmasculino no binario, nacido en Petare, Venezuela. Estudió arte dramático en la Universidad Nacional Experimental de las Artes, en Caracas. Su práctica artística se ha centrado en la performance y en la creación de espacios para su desarrollo. Trabaja en torno a procesos en los que se entremezclan la experiencia encarnada y los acontecimientos políticos y sociales que atraviesan y condicionan dicha experiencia. Las relaciones de poder, la migración, el género y la memoria histórica son temas recurrentes en los procesos que aborda. Sus creaciones se han presentado en el Museo Reina Sofía, Espacio Afro, Matadero Madrid, La Casa Encendida, entre otras instituciones culturales.

Paisajes sonoros de la pieza: Íren Márquez Dos Santos, artista sonoro afrodescendiente de Madrid que investiga y abraza las formas de resistencia y sanación de las comunidades diaspóricas a través del sonido. Su investigación sonora se centra en el mar y su materialidad política, exponiendo realidades ambientales fracturadas y conflictivas.

Nome de filme (Nombre de película) y Cão de sete patas (Perro de siete patas), de Bibi Dória
Miércoles 17, 18:30 h y 19:30 h

Artista en residencia de La Casa Encendida 2025. Estreno en Madrid

Pieza entre la performance y el cine a partir de la película de ficción Copacabana Mon Amour, del director Rogério Sganzerla, no estrenada debido a la censura de la dictadura militar brasileña.

Nome de filme (Nombre de película) parte de la premisa de que una película contada es muy diferente de una película vista. La realización de esta obra es el resultado de un primer intento de memorizar y relatar una película de ficción de principio a fin.

La película es Copacabana Mon Amour, del director Rogério Sganzerla, filmada en Río de Janeiro en 1970 durante el período más represivo de la dictadura militar y no estrenada comercialmente debido a la censura. Sus negativos originales fueron restaurados en 2013, después de encontrarse en un avanzado estado de deterioro. Copacabana Mon Amour también sobrevivió al gran incendio que arrasó el edificio de la Cinemateca Brasileira en São Paulo en 2021 provocando la pérdida de numerosas obras, equipos y materiales históricos del cine brasileño. El incendio fue consecuencia de la total negligencia y abandono por parte del Gobierno Federal, que, a pesar de haber sido advertido sobre el alto riesgo, no tomó ninguna medida para prevenirlo ni para evitar que futuros incendios ocurran.

La propuesta se desarrolla en el gesto lineal y constante de recordar y gesticular según la descripción de las imágenes, de repetir los diálogos entre los personajes en lugar de interpretarlos o analizarlos. Aquí, el acto de performar está en el gesto de encarnar una pantalla en la que se proyecta la película. Aunque es a través de la memoria de Bibi Dória que se comparte, el trabajo reside en el movimiento, hecho en colectivo, que permite a cada persona imaginar su propia película.

Cão de sete patas (Perro de siete patas) es la pieza siguiente, una performance en la que la artista memoriza y describe en su totalidad el largometraje brasileño. La investigación se centra en tres ejes principales: la performance y el cine, los sueños y la memoria, el documental y la ficción. Con referencias directas al movimiento del Cine Marginal Brasileño, la obra invita a un cuerpo-archivo a transitar entre escenas de películas censuradas, sueños personales y las trágicas pérdidas de archivos históricos que han ocurrido en los últimos años en Brasil, en especial el incendio del Museo Nacional y el incendio en la Cinemateca Brasileña.

Bibi Dória

Nació en 1995 Campo Grande, Brasil. Es una artista interdisciplinar brasileña afincada en Lisboa. Es licenciada en Danza por la Universidad Estatal de Campinas (BR) y becaria de la Sadler’s Wells/RoseChoreographic School (Reino Unido, 2024-26). Su trabajo se desarrolla en la intersección de la danza, la performance y el cine. Desarrolla sus propios proyectos y colabora como intérprete, asistente y dramaturga con varios artistas, entre ellos Bruno Brandolino y João Fiadeiro. Sus obras exploran temas relacionados con la memoria, los archivos, la ficción y la imaginación.
Encuentro con Adriana Urrea 
Jueves 18, 19 h

Nada podrá contra nuestras glándulas acuíferas. Reflexiones sobre búsquedas teóricas y prácticas artísticas.

Como filósofa que ha acompañado procesos artísticos desde diferentes espacios y tiempos, que se ha ubicado en el Caribe para pensar y se ha acogido a los “hidrofeminismos” -corriente de pensamiento que explora la relación entre los cuerpos, el agua y el género-, Adriana compartirá reflexiones en torno a las fricciones, imantaciones y desbordes que ocurren en el arte.

Adriana Urrea Restrepo

Filósofa de formación, ha combinado su vida académica con el trabajo en el mundo de la cultura, las artes y editorial. Su trabajo de pensamiento-creación ha transcurrido en el ámbito de la Estética y la Poética-Política, de la Filosofía del Arte, de las Artes Vivas, del pensamiento del Gran Caribe y de la relación Filosofía-Literatura.

Se ha desempeñado como profesora en la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá, Barranquilla y Cali, en la Facultad de Filosofía de la Pontificia Universidad Javeriana y en el Departamento de Creación Literaria de la Universidad Central de Bogotá, como asesora de proyectos culturales y editoriales.

Encuentro con Nabil Al-Raee
Viernes 19, 19 h

La cultura de la resistencia.

Esta ponencia contará con la participación de Nabil Al-Raee, exdirector artístico de The Freedom Theatre, una compañía de teatro político ubicada en el campo de refugiados de Jenin, en Palestina, reconocida por su trabajo comprometido con la justicia social y la transformación a través del arte. Junto a él estará Yasmeen Audisho Ghrawi, artista asiria iraquí libanesa, residente en el Reino Unido, cuya obra se sitúa en la intersección entre la memoria, la identidad, la justicia social y la liberación. Ambos se encuentran en España desarrollando, junto con los creadores escénicos Miguel Oyarzun y Juan Ayala, el espectáculo Trapped in Hope, un proyecto que busca hablar de la situación a la que se enfrenta hoy el pueblo palestino y que se pregunta qué significa habitar un mundo en el que las libertades se están extinguiendo al tiempo que las luchas se entrelazan.

La conferencia será una conversación a varias voces que abordará el papel del arte como herramienta de resistencia, liberación y construcción cultural en tiempos de genocidio, violencia colonial y ocupación.

Nabil Al-Raee es actor de teatro y cine, dramaturgo, director y profesor de interpretación. Nacido y criado en el campo de refugiados de Arroub, en Palestina, se unió a Theatre Day Productions en la década de 1990. Posteriormente, estudió dirección en Túnez y participó en diversos talleres en Europa antes de regresar a Palestina en 2006. Por invitación de Juliano Mer-Khamis, cofundador de The Freedom Theatre, se unió a la compañía en 2007. Allí formó a actores y fue director artístico entre 2012 y 2018, dirigiendo numerosas producciones, entre ellas Suicide Note from Palestine, Power Poison, Untitled, The Power of Narrative y The Siege. Sus obras han recorrido todo el mundo, incluyendo Europa, Reino Unido y Norteamérica.

Una estación fisiomágica, de Santiago Sepúlveda. Consta de la instalación Estación fisiológica, que podrá visitarse en El Patio jueves y viernes, y dos representaciones de cine vivo
Jueves 18 y viernes 19, 21 h

Estreno en España

Cine vivo y mudo con intérpretes sordos. Instalación y dos activaciones.

Película de cine vivo que surge a partir del interés de Sepúlveda por las relaciones entre el cuerpo, el espacio y la imagen en movimiento y, en este caso específico, de sus investigaciones alrededor de dos personajes pioneros de la pantalla grande: el médico y fotógrafo Étienne Jules Marey y el ilusionista y cineasta George Méliès.

El artista indagó en los primeros registros existentes de animales moviéndose realizados a través de la cronofotografía, hechos por Marey, y repasó toda la filmografía de Méliès, reconocido por su rol en la creación de los efectos especiales en el cine y muy recordado por la película Viaje a la luna (1902).

Preguntándose cómo hubiera sido una película realizada entre Marey y Meliès, Sepúlveda construye dos experiencias sonoras, visuales y espaciales, que podrán ser vistas por los espectadores.

En la instalación Estación fisiológica el artista hace una referencia a los experimentos de Marey; con un montaje a partir de los archivos del fisiólogo, construido en el mismo diorama de la película y evocando las creaciones visuales de Méliès.

En Una estación fisiomágica se presentará una película de cine vivo en la que dos personas sordas interpretan una serie de propuestas visuales que evocan la magia que representaba el cine en sus inicios, el denominado cine mudo. Las dos personas sordas terminan así cumpliendo un rol similar al de la figura del benshi, como se conocía en Japón a la persona que, a través de la narración oral, se encargaba de interpretar para el público las películas sin sonido. Al juntar personas sordas y cine mudo, Sepúlveda reflexiona sobre la creación de sonido más allá de las palabras articuladas y más allá del ser humano en sí. Sin apuntar a una única respuesta, con su obra desarticula el discurso racional por medio de una paradoja que nos lleva al campo de lo poético y a la exploración estética dentro de los sistemas de representación de la imagen en movimiento.

Santiago Sepúlveda

Nació en 1984 en Itagüí, Antioquia. Tiene estudios en teatro y artes vivas y forma parte desde hace trece años del laboratorio artístico Mapa Teatro. Sus proyectos personales se inscriben en lo que ha denominado cine vivo y ha sido invitado a participar en diferentes espacios de exhibición nacionales e internacionales como El Sâlmón Festival de Barcelona, el Festival Internacional de la Imagen de Manizales, La Muestra Internacional Documental de Bogotá y el Museo de Antioquia en el marco de la exposición Movimientos de la imagen. Paralelamente, ha sido docente en diferentes universidades del país como La Pontificia Universidad Javeriana, La Universidad Jorge Tadeo Lozano y actualmente es docente invitado en la Maestría en Artes de la Universidad de Caldas.

Deriva Experimenta/MADRID, Rolf Abderhalden Cortés y Adriana Urrea Restrepo.
Sábado 20, 11 h

Performance creada durante el festival y centrada en el barrio de San Cristóbal de Los Ángeles.

Laboratorio de creación en el que participan quince jóvenes creadoras y creadores de todas las disciplinas seleccionados en convocatoria pública. Durante los diez días del festival compartirán las actividades programadas y un programa específico de laboratorio que busca impartir nociones fundamentales sobre las artes vivas contemporáneas, propiciar una experimentación colectiva alrededor de los “campos magnéticos” sobre los que gira el festival y compartir preguntas puntuales sobre los procesos de creación.

Como resultado, crearán un pieza centrada en el barrio de San Cristóbal, donde se representará el sábado 20 de septiembre.

La convocatoria cubre los gastos de transporte, alojamiento y media pensión de alimentación de los creadores seleccionados y les ofrece las entradas a todos los espectáculos programados durante el festival.

Experimenta/MADRID es una cooperación entre Fundación Montemadrid y la Fundación Siemens Stiftung en el marco del programa ‘Terreno Común’.

Imaginarios Polirrítmicos, archivo sonoro de La Parcería y Salsódromo
Sábado 20, 13:30 h

Sesión vinilera salsera para cerrar el festival ÍDEM 2025.

Imaginarios Polirrítmicos es una acción sonora, corporal y política que explora los procesos de hibridación musical y resistencia cultural entre África, Europa y el Caribe. La propuesta activa el archivo de La Parcería desde el cuerpo, el vinilo y la percusión en vivo, como formas de memoria insurgente.

Bajo la investigación de David Santamaría y Johan Posada se convoca esta acción desde la experiencia del Salsódromo Madrid, sesión vinilera salsera con más de una década de trabajo en liberación de fronteras a través del baile en Madrid. Los acompaña el maestro de percusión Jaime Vásquez, cuya interpretación en directo con instrumentos como la conga y el batá —históricamente censurados o invisibilizados— se convierte en un acto simbólico de reapropiación y visibilización.

Esta intervención se basa en el poder de la polirritmia como herramienta de creación y resistencia: una práctica musical que ha permitido la supervivencia de saberes y formas de vida en contextos de borramiento colonial. Lejos de una simple exhibición musical, Imaginarios Polirrítmicos plantea un ejercicio decolonial desde el cuerpo, el ritmo y la memoria compartida, conectando con la línea de trabajo de Mapa Teatro sobre el cuerpo como archivo y las artes como forma de experimentación política.

La propuesta invita al público a vivir el archivo desde la escucha activa, el movimiento colectivo y la celebración como forma de resistencia.

La Parcería

Colectivo de pensamiento, creación y acción formado en 2010 para imaginar, investigar y producir proyectos culturales y artísticos desde una perspectiva migrante, que reivindican el protagonismo de las comunidades diaspóricas como agentes activos del tejido cultural de Madrid.

ÍDEM 2025. Festival Internacional de Artes Escénicas 
Del 10 al 20 de septiembre

Miércoles 10, 16 h, y jueves 11, 19 h
El Desenterrador, Societat Doctor Alonso
Patio y Laboratorio
Actividad gratuita previo registro

Jueves 11, 18 h
Encuentro con Victoria Pérez Royo. Comunidades soñantes. De violencias y fantasmas
Laboratorio
Entrada libre hasta completar aforo

Viernes 12, 19 h, y sábado 13, 12 h
Panorama móvil: de ida y vuelta II, de Alegria y Piñero+Ojo Pértico
Auditorio
5 €

Viernes 12, 20 h
Escuchatorio de sueños: archivos oníricos de ruina y reconstrucción, de  Shaday Larios
Terraza
5 y 10 €

Sábado 13, 20 h
Entre la espalda y el cielo, de Checho Tamayo
La actividad se realizará en el patio del CEIP Azorín, junto a Casa San Cristóbal (Calle de Rocafort, 101, 28021, Villaverde)
Entrada gratuita previa inscripción en Casa San Cristóbal

Lunes 15, martes 16 y miércoles 17, 17 h
Taller BUG STORIES. Tercer despliegue de Material Girls, de Silvia Zayas
Casa San Cristóbal (Calle de Rocafort, 101, 28021, Villaverde)
Entrada libre hasta completar aforo

Martes 16, 19:30 h y 20:40 h
Tuerce, de  Euyín Eugene
Terraza
5 y 10 €

Miércoles 17
18:30 h
Nome de filme (Nombre de película), de Bibi Dória 
19:30 h
Cão de sete patas (Perro de siete patas), de Bibi Dória
Terraza
Entre 5 y 16 €

Jueves 18, 19 h
Encuentro con Adriana Urrea. Nada podrá contra nuestras glándulas acuíferas
Sala Audiovisual
Entrada libre hasta completar aforo

Jueves 18 y viernes 19, 21 h
Una estación fisiomágica, de Santiago Sepúlveda
Patio
5 y 10 €

Viernes 19, 19 h
Encuentro con  Nabil Al-Raee. La cultura de la resistencia
Auditorio
Actividad gratuita previo registro

Sábado 20, 11 h
Deriva Experimenta/MADRID
Casa San Cristóbal (Calle de Rocafort, 101, 28021, Villaverde)
Entrada libre hasta completar aforo

Sábado 20, 13:30 h
Imaginarios Polirrítmicos, archivo sonoro de La Parcería y Salsódromo
Casa San Cristóbal (Calle de Rocafort, 101, 28021, Villaverde)
Entrada libre hasta completar aforo

Reserva de entradas en www.lacasaencendida.es.