También, disfrutaremos de la programación del Festival de Otoño, con un estreno en España de un espectáculo de teatro biográfico de Conchi León (Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte)
Cachorro de Léon (Casi todo sobre mi padre)
Conchi León | Saas Tún Teatro
Cachorro de León, que Conchi León presenta en el Festival de Otoño con su compañía Saas Tún Teatro, es una pieza más del teatro de esta creadora, que ya ha abordado en sus espectáculos la violencia sufrida por las mujeres y ha tomado de la materia de la vida (de las mujeres indígenas, de niños en situación de riesgos, de gentes en prisión) el sustrato sobre el que construye sus montajes. En ellas, se dibuja un mosaico «sanador» de un teatro que cree en la fuerza de las palabras y su poder de transformación.
Sobre el espectáculo
«Regresé a Mérida porque me dijeron que le había dado un infarto a mi padre: un tal Mauricio León Rosas». Así habla la actriz, dramaturga y directora mexicana Conchi León. Lo hace en el comienzo del monólogo autobiográfico Cachorro de León. Casi todo sobre mi padre, parafraseando el inicio de la gran novela mexicana del siglo XX: Pedro Páramo. Y si en esta novela de vivos y muertos su autor, Juan Rulfo, reconstruye una figura patriarcal, poderosa en un país parcialmente remoto de los tiempos de la revolución, en la evocación torrencial de León, la hija va en busca de un padre maltratador y alcoholizado y de una infancia marcada por la violencia.
Conchi León escribió, y estrenó, Cachorro de León hacia 2016, en el tiempo en que le comunicaron que su padre se moría de un infarto y quería volver a verla. Habían roto relaciones y a ella le suscitó dudas la posibilidad del reencuentro. «En esos días, tenía funciones en la Ciudad de México y no podía, o no quería regresar», explicó la actriz. En un viaje íntimo, retrospectivo, hacia la memoria resurgieron recuerdos de la vida familiar. Recuerdos dolorosos de un padre ebrio que pegaba a su esposa, pero también alegres. «Me tocó ser testigo de eso desde los cuatro años. No fue fácil perdonarnos, volver a hablarnos». La escritura cumplió su función catártica y de distanciamiento, de reconsideración, de modo que construyó con esta obra, según confesó, «una oda al perdón, a los monstruos interiores y a la maravilla de estar viva».
Anécdotas, sarcasmo y humor negro permiten a la actriz evocar su niñez, sus inicios como actriz, el terrible accidente que sufrió y del que la salvó su padre…, mientras la música de uno de los ídolos mexicanos, Pedro Infante, que vivió en Mérida y al que el padre de León conoció, resuena con la fuerza evocativa del pasado.
FECHAS: 7 y 8 de noviembre de 2025 | HORARIO: 20h30 | GÉNERO: Teatro autobiográfico | DURACIÓN: 60min | PRECIO: 14€ | ESTRENO EN ESPAÑA
SOLARPUNK
De Ruth Rubio por Cía Hernánez y Fernández (Temporada Verde I)
Solarpunk es un texto que Ruth Rubio escribió durante el Laboratorio de Creación Dramatúrgica En Verde 2023, perteneciente al proyecto ETC (Espacio Teatro Contemporáneo). Su texto inaugura la Temporada Verde: La emergencia climática a escena. La compañía Hernández & Fernández es la encargada de la puesta en escena de este texto distópico, satírico y filosófico sobre el capitalismo energético.
Sobre el espectáculo
Generar el cambio a través de la emoción e ir por delante de la sociedad relatándola, ese es el común denominador de la comunidad científica y los creadores. Ese pensamiento junto a la idea cotidiana de que «hasta que no tengamos tiempo para cocinar, no habrá transición ecológica», están en el origen de esta obra. Una obra que, se toma tan en serio el humor, que acaba siendo la única respuesta posible para abrir grietas en el sistema.
Solarpunk se sitúa en el cruce entre la ciencia ficción, la sátira política y la reflexión ecológica. Aunque inicialmente iba a ser una space opera, el proceso creativo la transformó en una exploración crítica sobre la privatización de recursos comunes, inspirada en hechos reales y en la relación entre arte, ciencia y activismo.
La obra se plantea así como una ficción especulativa que, más que ofrecer un deseo, propone la esperanza como deber político y emocional, interpelando al espectador para imaginar nuevas formas de vida frente a las lógicas del capitalismo energético.
Sinopsis
¿Qué pasaría si la luz del sol dejara de ser un bien común y pasara a estar privatizada? En un mundo demasiado parecido al nuestro, un grupo de personajes se enfrenta a la mercantilización de lo más esencial: la energía, la verdad y hasta la esperanza
Todo el país está a oscuras y se recupera económicamente gracias a esta estrategia, respaldada por el gobierno con el impuesto al sol. Sin embargo, Rosa Olivares, una ministra tránsfuga, decide reunirse con Úrsula, una de las integrantes de la Red Roja. Un equipo compuesto por escritores de ciencia ficción cuyo propósito es el de diseñar los escenarios de los conflictos futuros. Lo que Rosa no sospecha, es que Úrsula ya ha comenzado su propia batalla y que pretende tumbar al imperio energético con un relato tan radical como un dato: un cuento para niños que lo explica todo.
Sobre la autora
Ruth Rubio (Punta Umbría, 1989) combina la dramaturgia y la dirección de sus propias obras con proyectos de investigación teatral en los que ha ido colaborando con espacios como la Sala Cuarta Pared, Teatro de la Abadía, la Sala Beckett o el Deutsches Theater Berlin. Su escritura ha sido reconocida con el Premio Romero Esteo por Los Ignífugos —también finalista en el Concurso Internacional de Autores del Festival de Heidelberg— y con el Premio III Certamen Internacional de Textos Teatrales Orlando Hernández Martín 2025 por Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá. Su trabajo más reciente incluye los estrenos de Still (Tientos de la ruina futura) en el Teatro Central, dirigida por Raquel Madrid, La jácara de los cuerpos imposibles en el Festival de Almagro, dirigida por Alberto Velasco y Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá, dirigida por ella misma en la Sala Mirador dentro del Festival Surge Madrid 2025.
Sobre la compañía
HERNÁNDEZ & FERNÁNDEZ nace en 2021 con el estreno de El pecado mortal de madame Campoamor (Premio Calamonte Joven) en Teatro del Barrio, iniciando una gira que les lleva a reestrenar al año siguiente, esta vez en el Teatro Bellas Artes, donde vuelven a poner en escena, transgrediendo el medio escénico con el formato de la ficción sonora, la vida de Clara Campoamor.
Ese mismo año 2022 ve la luz su segundo montaje, Hemingway. Enviado especial (Premios Cinemagavia Mejor Obra de Teatro y Mejor Actor Teatral), también en Teatro del Barrio, un recorrido por las crónicas del Premio Nobel durante la guerra civil española, con el que obtienen un gran éxito de crítica y público.
Al mismo tiempo, crea el ciclo Sintonías Literarias, tanto en su versión de lectura dramatizada en directo para el Ámbito Cultural de El Corte Inglés, como en formato de teatro radiofónico para Radio Nacional de España (RNE), dentro del programa La Sala de Daniel Galindo, con nuevas entregas cada domingo. Es un ciclo especialmente pensado para fusionar la literatura con el teatro y el medio radiofónico, dando gran importancia también al elemento audiovisual, y con el que pretender acercar al público a versiones diferentes y originales de autores como Emilia Pardo Bazán (El indulto), Anaïs Nin (Las dos vidas de Anaïs Nin), Almudena Grandes (El viaje de Almudena), o Virginia Woolf (Orlando).
Es una compañía joven que apuesta por un teatro que fusione distintos formatos, clásico en sus autores elegidos pero innovador en la forma de acercarlo al espectador, de manera divertida, desenfadada y respetuosa, buscando llegar al público de siempre y también a nuevas audiencias (han realizado diversas funciones escolares para institutos), con la esperanza de encontrar una comunión que nos una a todos, con el escenario como espacio público de entretenimiento y reflexión.
FECHAS: Del 13 al 29 de noviembre de 2025 | HORARIO: De jueves a sábado a las 20h30 | GÉNERO: Teatro | DURACIÓN: 80min | PRECIO: 14€
SPIRA – Ogmia
Spira es una creación escénica de Eduardo Vallejo que se adentra en el mito, la transformación y el umbral entre lo humano y lo sagrado.
Sobre el espectáculo
El llamado de la deidad y su grito salvaje, orgánico, nos invitan a mirar hacia dentro; a sentarnos con nuestras sombras y descubrir la extraña belleza que se oculta en ellas.
Una geología de un mito, una morfogénesis escénica donde una deidad ofídica —símbolo de advertencia y renacimiento— emerge en escena como figura central de un rito que invita a mirar la propia sombra. Inspirada en arquetipos como el Ouroboros o Melusina, la obra despliega un paisaje físico y visual donde los cuerpos se transforman, cuestionando la identidad y la posibilidad de un nuevo ciclo. Spira es un viaje poético hacia lo desconocido, una danza entre el fin y el origen.
Sobre la compañía
Fundada en 2019 por el coreógrafo y artista multidisciplinar Eduardo Vallejo, OGMIA es una compañía con sede en Madrid que irrumpe en la escena contemporánea con una propuesta de fuerte impronta visual, simbólica y narrativa. Desde sus inicios, se ha consolidado como una voz singular dentro de la creación coreográfica, convirtiéndose en un espacio de resistencia estética y sensorial. Lo subversivo en OGMIA no reside en la provocación explícita, sino en la creación de mundos alternos que desafían las lógicas normativas del cuerpo, el tiempo y la identidad.
Vallejo, que asume los roles de director artístico, coreógrafo y diseñador de escena, iluminación y vestuario, concibe cada obra como una arquitectura total: un sistema vivo de signos, atmósferas y tensiones donde la danza se convierte en vehículo de lo ficcional, lo mitológico y lo emocional. Su trabajo se nutre del cruce entre danza, mito y narrativa, inspirado por los códigos de la novela negra, el imaginario fantástico y la espiritualidad premoderna. Sus creaciones configuran paisajes sensoriales donde lo humano se funde con lo arquetípico, lo narrativo con lo abstracto, lo poético con lo grotesco.
Desde obras como Mother Tongue, Glass House, Spira o la reciente Bloodmoon, OGMIA investiga cómo los cuerpos pueden actuar como dispositivos de invocación, memoria y transformación. Cada pieza es una ficción escénica cargada de símbolos y tensiones, donde el tiempo se pliega y el espacio deviene umbral construyendo una dramaturgia corporal abierta al vértigo de lo desconocido.
La escena, en OGMIA, se convierte en un territorio de tránsito entre lo visible y lo invisible, entre lo humano y lo salvaje, donde los cuerpos encarnan presagios y paisajes interiores. Más que piezas coreográficas, sus creaciones son rituales escénicos que invocan, perturban y transforman, proponiendo una visión inquietante y singular de lo contemporáneo.
El trabajo de la compañía ha sido reconocido por instituciones como el Tanzhaus Basel, la Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal, Theater Basel, Institut del Teatre o el Centro Coreográfico Canal; y ha sido presentado en festivales internacionales como Tanztheater International Hannover, Wonderland Festival Brescia, Bühnen Bern, Zawirowania Teatre i Tanca o el Festival Internacional Madrid en Danza.
FECHAS: 18 y 19 de noviembre de 2025 | HORARIO: 20h30 | GÉNERO: Danza | DURACIÓN: 50min | PRECIO: 14€ | *Encuentro con el público tras la primera función. *ATENCIÓN: Uso de luz estroboscópica y niebla baja.
