Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Alfredo Sanzol y Andrés Lima presentan dos textos de nueva creación que inciden en el humor, sus mecanismos y su capacidad de reflexión Junto a estos dos espectáculos Dan Jemmett prepara un menú parateatral que ofrecerá a los espectadores la posibilidad de vivir 11 experiencias escénicas diferentes El Teatro de la Ciudad, Premio Max 2016 a la Mejor Producción Privada de Artes Escénicas, regresa a La Abadía, coproductor del proyecto, después de acometer la investigación sobre la tragedia griega en su primera temporada (Medea, Antígona y Edipo Rey). Para la presente temporada Alfredo Sanzol, Andrés Lima y todo su equipo se enfrentan ahora al reto de desentrañar la comedia. A lo largo de este último año se ha realizado un total de ocho talleres para profundizar en el arte de hacer reír, en el sentido del humor, en la risa. ¿Es la comedia constructiva? ¿Por qué el paso del tiempo transforma la tragedia en comedia?… “Cuando pase el tiempo nos reiremos de esto”, decía ella llorando a moco tendido. ¿Es menos profunda la comedia que la tragedia? ¿Cómo se hace reír? ¿Qué diferencia hay entre un payaso y un bufón, entre un comediante y un clown? ¿Es el sentido del humor una forma de ver la vida? ¿Y de vivirla? El proceso culmina con la producción de dos espectáculos de nueva creación que se exhibirán en ambas salas del Teatro de La Abadía desde finales del mes de abril. Cada uno a su manera y con el sello de su autoría, jugarán con motivos y tramas de la comedia de Shakespeare, el indiscutible maestro que recoge no solo la tradición clásica sino también la de la commedia dell’arte, los cómicos ambulantes y las historias tardomedievales de figuras como Boccaccio. Desde el 27 de abril al 4 de junio podremos ver a Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón en La Ternura, de Alfredo Sanzol, en la Sala José Luis Alonso. El Sueño de Andrés Lima podrá verse en la Sala Juan de la Cruz del 10 de mayo al 18 de junio con Chema Adeva, Laura Galán, Nathalie Poza, Ainhoa Santamaría y María Vázquez en el reparto. Aperitivos shakesperianos a cargo de Dan Jemmett Junto a los dos montajes y a modo de enlace entre ellos Dan Jemmett prepara un menú parateatral que ofrecerá a los asistentes la posibilidad de vivir 11 experiencias escénicas diferentes. Moviéndose por diferentes partes del jardín de La Abadía a partir del momento en que ambos espectáculos estén en cartel, Jesús Barranco interpretará a un ser indefinido, ni hombre ni mujer, mitad Puck mitad Calibán, que brindará a gusto del consumidor acciones lúdicas relacionadas con el amor, el deseo, la vida de pareja, con resonancias de Shakespeare y actuales. Partiendo del Manifiesto Contrasexual de Paul B Preciados, Puck/Barranco, alegre y transgresor, improvisa sus actuaciones a la venta. Todo dependerá de lo que pase en la tarde… Dependerá de cómo se relacione con el espectador y hasta dónde esté dispuesto el espectador a dejarse llevar. Todo será posible en este espectáculo o invasión escénica que tendrá lugar antes, durante y después de las dos funciones. La Ternura, amores posibles en situaciones imposibles El primero en estrenar será Alfredo Sanzol con La Ternura, una comedia romántica de aventuras en la que intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor, porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir. Tampoco los padres pueden proteger a los hijos del sufrimiento de la vida porque eso pone en peligro la vivencia de una vida plena. Para Sanzol el espectáculo se llama La Ternura “porque habla de la fuerza y de la valentía para amar. La ternura es la manera en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”. La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un  leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos, y las confusiones. En La Ternura se ve la influencia sobre todo de La Tempestad, y de Noche de Reyes, pero  también de Como gustéis, de Mucho ruido y pocas nueces y del Sueño de una noche de verano. El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades, los espacios como elementos mágicos, los bosques, las islas… todo ello forma parte del imaginario shakesperiano interiorizado por Sanzol: “Quiero que La Ternura sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar La Ternura como sea, donde sea, con quien sea”. Una vez más el director se rodea de su equipo de confianza, no solo en el reparto (Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón) sino en la escenografía y vestuario, a cardo de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez. Sueño, comedia muy trágica Andrés Lima ya se ha acercado en varias ocasiones al humor y al horror de Shakespeare, en torno a las figuras de Falstaff, Tito Andrónico y Macbeth. Ahora se busca su propio camino a través del bosque del Sueño de una noche de verano, conectando el pálpito del “eros” y “thánatos” de esta comedia con un recuerdo personal de otra naturaleza bien distinta, cuando falleció su padre. Y así, seguramente, se ampliará aún más el mundo de contrastes que impera en la obra original de Shakespeare, escrita curiosamente en medio del invierno, pese al título y a la temperatura que exhala: la delicadeza humana y el instinto animal, lo etéreo y lo terrenal, lo onírico y lo banal, el artificio frente a lo natural, el desenfreno y lo racional, el deseo y lo real.” En la versión de Andrés Lima un viejo recuerda. Un viejo le cuenta a una loca su vida. Parece un sueño. De joven se enamoró de Elena, la reina de la hermosura, que es muy fea. Y su amiga Titania, amiga de él y hermana de ella, se enamoró de su amigo, de él, Javier, que se convirtió en un asno y rebuznaba poemas de amor de Shelley para Elena, pues despreciaba a Titania, diosa enana. Elena, bella fea, que quería al que no le quería, ora si ora no, porque es caprichosa como las ostras o las setas. La música trance les envuelve en el bosque y el deseo les consume en la residencia de ancianos. Solo la loquita mantiene la cabeza sobre los hombros… y acompaña al viejo a una buena muerte. Lima reflexiona: “¿Por qué decimos ‘te necesito’? ¿Cuál fue tu primer amor? ¿Qué te vuelve loco: un amor no correspondido o una vida no vivida? ¿Por qué nos intranquilizan los locos?, ¿y los simples? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Y antes? Quiere esta comedia mirar el placer y el dolor y darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida”. Nuevos conceptos para volver a las raíces Teatro de la Ciudad es un proyecto concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, creación, producción y exhibición del teatro contemporáneo. El proyecto aglutina toda la experiencia profesional de los impulsores y de sus equipos. Condicionados por el tiempo convulso en que vivimos, proponen hacer un teatro riguroso, de calidad, que no sólo dependa del éxito de taquilla. Un teatro que nace del deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos. Nuevos conceptos para volver a las raíces… Después de la grata aventura conjunta de adentrarse en las tragedias grecolatinas, el Teatro de La Abadía coproduce y acoge al TdlC, que aúna la energía y el talento de Andrés Lima y Alfredo Sanzol y sus respectivos equipos, abiertos a sumar a otros creadores, como es el caso de Dan Jemmett en la presente temporada. Un teatro que parte de una premisa afín a La Abadía, el deseo de vincular la formación y la exploración compartida a la creación y presentación de espectáculos...

Texto: Agencia / Fotografía: Teatros del Canal Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid han presentado este martes 11 de abril la obra ‘El Pack’, una comedia escrita y dirigida por Áurea Martínez e interpretada por nueve actores pero sólo con una (Marta Solaz) en escena. «Soy humana, si me equivoco que valoren que estoy actuando con una máquina», ha señalado la actriz protagonista. El montaje, que estará en la Sala Negra del 17 de abril al 7 de mayo, cuenta con una tecnología digital que no es sólo un elemento escenográfico, sino que es un personaje más de la obra, inseparable de la temática que plantea, que es la deriva de las relaciones humanas en la época de las redes interconectadas. La obra, que se estrenó en marzo de 2015 en La Habana (República de Cuba), utiliza diferentes recursos dramáticos y audiovisuales, mezclando la escenografía, la iluminación o la música con las nuevas tecnologías digitales, que interactúan con la fuerza dramática de la protagonista. Los actores virtuales que aparecen en pantalla durante la representación son Sergio Peris-Mencheta, Ana Rayo, Manuela Vellés, Laura Gómez-LaCueva, Félix Gómez, María José Moreno, María Forqué, Jorge Usón y las voces de María Vázquez, Lorena Berdún y Nacho Rubio. Primera vez sola en escena Durante el acto de presentación, Marta Solaz ha afirmado que es la «primera vez» que está sola en escena. Además, ha comentado que cuando leyó el guión le «gustó mucho», por lo que hizo la obra aunque acababa de tener un hijo. Sobre los recursos con los que cuentan, ha declarado que han hecho un «menos es más sacando partido de la esencia de la obra». «Ha sido un proceso de coger la obra y llevarla a algo teatral», ha dicho la actriz. Para Solaz, su personaje «no necesita salir de casa» porque tiene una pantalla con la que se relaciona con el mundo exterior. «Es algo muy marciano pero hay algunas personas que les pasa esto», ha afirmado. La comunicación en la era de la comunicación En este sentido, ha destacado que las personas, al igual que su personaje, dependen de «una extensión que es el móvil», que si falla «sienten ansiedad». La actriz ha añadido que la obra «va sobre las relaciones» y que es «más sencillo» pedir disculpas «por Whatsapp que a la cara». En la misma línea, la directora Áurea Martínez ha declarado que la obra «va de la comunicación en la era de la comunicación», y que las nuevas tecnologías es algo que facilita la vida «a todos» pero que también «genera cierta inquietud». Por ello, ha añadido que la obra es «una reflexión sobre la era digital» y sobre «cómo las nuevas tecnologías afectan a las relaciones personales». El título de la obra, ‘El Pack’, es para la directora «como la letra pequeña de los contratos», ya que hace referencia a algo que «no viene incluido». «Es algo de lo que no somos conscientes y te lo comes con patatas», ha dicho. Acogida «impresionante» en La Habana Por otro lado, Áurea Martínez ha recordado el estreno en La Habana y ha resaltado que la acogida que tuvo fue «impresionante», sobre todo por la gente joven, ya que, en su opinión, les «encanta» la obra porque tiene «un código que les interesa». Además, ha señalado que la obra con tres actores habría sido «mucho más sencilla» que llevar «todo el tinglao», en referencia a los recursos audiovisuales necesarios para representar la pieza. Por su parte, la encargada de la composición musical, Carmen París, ha resaltado que esta experiencia ha sido para ella «todo un reto» porque «nunca» había hecho «toda» la música electrónica. Asimismo, ha señalado que este «experimento» ha sido «muy divertido», y que hay un momento en el que los sonidos son «orgánicos completamente». Además, París se ha definido como una persona «bastante troglodita» por no haberse adaptado a las nuevas tecnologías, por lo que se ha dado cuenta de que se ha convertido «en un perro verde». «Para mí es un hecho que la comunicación humana ha empeorado, por eso me interesó tanto el proyecto de Áurea», ha concluido. El pack from Joe Alonso on Vimeo...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Aisge La actriz barcelonesa Alicia Agut, de 87 años, ha fallecido este viernes 7 de abril en el hospital madrileño de Nuestra Señora de América, donde llevaba ingresada desde el pasado martes 4 de abril por complicaciones respiratorias, según ha informado AISGE en un comunicado. La actriz, nacida en Barcelona el 7 de septiembre de 1929, debuto en teatro con clásicos de la escena como Lorca, Lope de Vega, Tennessee Williams, Eugene O’Neill, Jacques Deval o Shakespeare, con la Compañía Festivales de España bajo la dirección de José Tamayo. En 1977, a las órdenes de Adolfo Marsillach, colaboró en el montaje de ‘Las arrecogías del beatario de Santa María Egipciana’, un texto de José Martín Recuerda sobre la heroína liberal Mariana Pineda que no había podido ser estrenado hasta la llegada de la democracia. Antes, había trabajado con Miguel Narros en ‘Anillos para una dama’, obra que le valió a su director el Premio Teatral Radio España en 1974 y al montaje, el de mejor obra española. Cuatro años después se puso bajo la dirección de José Luis Gómez en ‘Bodas que fueron famosas del Pingajo y la Fandanga’, primera representación del Centro Dramático Nacional. Además, en otoño de 1985, también con Gómez, representó en Almería la tragedia que inspiró a García Lorca para escribir ‘Bodas de sangre’. Con el director teatral Joaquín Vida -ayudante que fuera de Fernán-Gómez, Narros y José Luis Gómez, de los que aprendió el oficio- repitió hasta en seis ocasiones. La última, ‘La malquerida’, de Jacinto Benavente, en 2000. Desde entonces, la actriz catalana colaboró en el debut teatral de Gonzalo Suárez con ‘Arsénico, por favor’. La obra, basada en el clásico del cine de Frank Capra, ‘Arsénico, por compasión’, provenía de un texto teatral, ‘Cadáveres en nuestra bodega’, del dramaturgo norteamericano Joseph Kesserling...

Escrito por: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena Lolita Fores y el actor hispanoargentino Luis Mottola estrenarán el próximo 20 de abril la obra ‘Prefiero que seamos amigos’, bajo la dirección de la Tamzin Townsend, que ha llevado al escenario obras como ‘Bones Festes’, ‘La última sesión de Freud’ o ‘Un dios salvaje’, entre otras. En esta ocasión, se trata de un espectáculo ideado por el cómico y dramaturgo francés Laurent Ruquier que en el país vecino ha tenido más de 300 representaciones y en torno a 5 millones de espectadores, gracias . La obra se estrenará en el Teatro La Latina de Madrid, donde permanecerá hasta el 25 de junio, para hacer después un recorrido por los escenarios de varias comunidades autónomas. «Iremos por el norte, Castilla, Andalucía, Valencia, Zaragoza… Vamos a a recorrer España entera», ha asegurado Lolita Flores. ‘Prefiero que seamos amigos’, según ha explicado la directora de la obra, cuenta la historia de «dos personajes fabulosos, valientes y fuertes», Claudia y Valentín, con una historia en común «muy bonita» que, además, «está llena de sorpresas». «Es una obra que se estrenó en Francia con muchísimo éxito. Me pasó Jesús Cimarro la obra en navidad, la leí y dije: ‘¡Qué bonito, me encanta!’ Además, trabajar con Lolita y Luis… ¡Me pareció todo muy bonito!», ha explicado la directora de origen británico. El núcleo de la obra gira en torno a la amistad entre Claudia (encarnada por Lolita Flores) y Valentín (a quien dará vida Luis Mottola), ambos por encima de los 50 años y amigos desde hace tiempo. «Mi personaje es Claudia, una mujer más o menos de mi edad, año arriba año abajo, que tiene una floristería y que es una mujer con una serie de sentimientos que decide un día plasmárselo a su mejor amigo», ha explicado Flores. A raíz de eso, Valentin verá como «empiezan a romperse reglas» y se producen «enfrentamientos, combate de palabras y acuerdos y desacuerdos». «Hay vida después de los 50» «En esa conversación empiezan a salir cosas que no sabían el uno del otro y eso genera una grieta, unas partes de la obra que no puedo contar pero sí puedo decir que acaba bien. No puedo decir por qué acaba bien pero acaba bien», ha adelantado la actriz que señala que una de las conclusiones de la obra es que «hay vida después de los 50» tanto para los hombres como para las mujeres. «Únicamente, hay que ser coherente con los sentimientos de uno y ya está. Ponerse el mundo por montera y tirar para adelante», ha indicado. Por su parte, Mottola ha prometido una comedia romántica «con el poder sostener una sonrisa durante una hora y media» pese a que habrá momentos cómicos y momentos que no lo sean. «La idea es empatizar absolutamente. Que sea una obra muy cercana, muy humana, y que el asistente pueda identificarse no solamente con la situación sino también con las emociones que tienen estos personajes. Que vengan a pasársela bien, que de eso se trata», ha subrayado el actor. Según han explicado los dos protagonistas de ‘Prefiero que seamos amigos’, la idea de poner en marcha l espectáculo surgió a raíz de la colaboración que ambos, Lolita y Luis, realizaron en un corto titulado ‘Carne’ en 2016. «Queríamos hacer teatro y tuvimos la suerte de que Jesús Cimarro tenía esta obra en su poder. Me la pasó, la leímos, nos gustó y ya está –ha explicado Flores–. A veces las cosas son así. Es simplemente querer hacer algo y cuando llega a tus manos algo que te apetece hacer y es una obra divertida y encima tenemos una buena directora y somos dos actores que nos entendemos muy bien en el escenario. Pues no hay más, somos actores y hay que trabajar». Finalmente, el espectáculo se estrenará este mes de abril con la coproducción de Pentación, Bitó y Focus y con Ricardo Sánchez Cuerda como responsable de la escenografía; Felipe Ramos, en la iluminación; Gabriela Salaberri, de vestuario; y el propio Jesús Cimarro como productor...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía: Masescena El Teatro Español acoge desde el próximo día 19 de abril la primera edición del ciclo ZIP, en el que siete compañías de teatro mostrarán ocho propuestas diferentes de teatro de vanguardia procedente de distintos puntos de España. «Estas compañías buscan un lenguaje que rompa con lo convencional y que explique este mundo caótico hasta un límite extraordinario. Por eso lo llamamos teatro radical», ha afirmado la directora artística del Teatro Español, Carme Portaceli. Durante los cinco días, las siete compañías «okuparán» todo el edificio del teatro, desplegando sus propuestas en sus diferentes espacios, incluidas las salas de ensayo y la propia Plaza de Santa Ana de Madrid. En este sentido, Portaceli ha señalado que utilizan la palabra «okupa» con ‘k’ porque son los artistas los que van eligiendo dónde se van situando para ofrecer al público «una especie de menú degustación del teatro radical». En la misma línea, ha destacado que tienen ocho espectáculos en cinco días de una manera «muy comprimida» de un teatro que «no es muy habitual», y ha comentado que un teatro público «tiene que estar» al lado de la gente joven porque es «la que cambiará el mundo». «Al Teatro Español lo que le gustaría de verdad sería ser el centro de una red en la que este tipo de teatro pueda girar por toda España», ha dicho. El ciclo comenzará el próximo día 19 de abril con las funciones ‘Kokoro’, una propuesta en la que Lali Ayguadé dirige a un cuarteto de bailarines; y ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro enmarcada dentro del proyecto ‘Díptico por la Identidad’. La compañía Obskené representará el día 20 ‘Anar de carenes al cel’, una propuesta polifónica entre el teatro, el cine documental y la música en directo. Por su parte, la creadora y coreógrafa Louisa Merino dirige los días 20 y 21 ‘The course of memory’, una pieza documental a medio camino entre las artes escénicas y las artes plásticas, que parte de un trabajo con voluntarios en cada ciudad en la que se representa. Durante los días 21 y 22, el escenario de la Sala Principal acogerá ‘Wohnwagen’, un espectáculo estrenado en Berlín con integrantes del P14, el grupo joven de experimentación del teatro Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz; y en la Plaza de Santa Ana la compañía Cabosanroque presentará ‘Mural sonoro’, dos conciertos gratuitos que ofrecerá el colectivo musical procedente de Barcelona. Completan el ciclo los espectáculos ‘Extraños mares arden’, un documental escénico de Txalo Toloza-Fernández en colaboración con Laida Azkon, los días 22 y 23; y ‘Faena’, el día 23, que es, al igual que ‘Pregón’, una peregrinación de Vértebro de su proyecto ‘Díptico por la identidad’. Un espectáculo de 360º Durante el acto de presentación de ZIP, el integrante del espectáculo ‘Wohnwagen’ Marc Salicrú, ha subrayado que van a contar, desde su visión, una historia que habla de un amor del siglo XXI, un amor «un poco inmaduro». «Va a ser una obra de 360º», ha manifestado. Por su parte, la directora de ‘Anar de carnes al cel’, Judith Pujol, ha dicho que está «muy contenta» por hacer la función en español, y ha comentado que van a «beber y comer mucho» porque el espectáculo es un «gran brindis». Por ello, ha añadido que querían que el vino «estuviera presente». Asimismo, el miembro de Vértebro Juan Diego Calzada, ha afirmado que en sus espectáculos, ‘Faena’ y ‘Pregón’, han querido contar con familiares como invitados, ya que, en su opinión, tienen una calidad en escena a la que ellos saben que no van a llegar por estar «ya deformados». «Va a ser una experiencia muy enriquecedora», ha dicho. Por último, la creadora y coreógrafa de ‘The course of memory’, Louisa Merino, ha comentado que trabaja «con personas mayores», con las que ha intentado hacer un relato a partir de hechos de su biografía y de las historias que le han contado otras personas...

Texto: Nota de Prensa / Fotografía CNTC El actor Juan Echanove lleva al Teatro de la Comedia los ‘Sueños’ de Quevedo, una versión libre del texto del autor del Siglo de Oro que aporta una visión contemporánea tras pasar por las manos del director Gerardo Vera, quien habla de «un ‘Informe Semanal’ del siglo XVII». «Cada palabra sonará como un mazazo, como si fuera un telediario de hoy. Está todo Quevedo, su reflexión sobre los pobres, sobre los reyes que en vez de mandar duermen, o esos validos que son las polillas de España», ha explicado Vera, quien considera que los textos quevedianos suponen «un monumento filosófico y moral». Por primera vez, la Compañía Nacional de Teatro Clásico incorpora –en una coproducción con La llave maestra – Traspasos Kultur– desde el próximo 7 de abril y hasta el 7 de mayo a Quevedo a su repertorio. El director de la obra ha explicado que se ha embarcado en «esta aventura» por la necesidad de reivindicar a «uno de los grandes maestros». «Ahora, en este momento de indignidad moral, estos grandes maestros son los que tienen que alumbrarnos el camino. Está todo tan removido como en la decadencia del siglo XVII», ha señalado. Vera ha remarcado que la obra de Quevedo fue escrita en un momento en el que el Imperio español «se desmoronaba» y, por lo tanto, sus textos tienen algo de «viaje al futuro donde todavía se reconoce el momento barroco». Echanove saldrá a las tablas totalmente vestido de blanco y con los anteojos tan reconocibles del creador del ‘Buscón’, lleno de llagas en los pies y con aspecto cansado, acompañado por un elenco de actores que representan desde el diablo o el Duque de Osuna hasta la envidia o el dinero. «Interpretar ahora a Quevedo me ha enseñado un nuevo dolor físico y el amor desbocado: tenía una tendencia infinita a identificarlos. Duele hacer Quevedo y cada vez que termino con este papel me duele hasta el pelo: el amor doliente es el más grande impulso que puede tener un ser humano», ha defendido el actor. Felini, influencia para Quevedo Echanove ha asegurado que, como a Miguel de Unamuno, a él también le «duele España», pero en este caso para reivindicar su compromiso con el teatro. «Me duele España pero a través del teatro, solo lo entiendo como una entrega absoluta y lo único que me interesa cuando me embarco en papeles como éste no es el éxito, sino hacer que alguien quiera volver a otra obra de teatro», ha apuntado. La adaptación que ha hecho José Luis Collado de los cinco ‘sueños’ abarcan reflexiones filosóficas, pero también «la vida real e imaginada» del escritor, su poesía e incluso influencias como Fellini –aunque Collado matice que al final ésta «quede muy diluida»–. Tal y como ha explicado Vera, la adaptación «imposible» de los ‘sueños’ ha sido «muy complicada», ya que no se cuenta «con un colchón» como en otras obras de autores reconocidos como Shakespeare, al no ser dramaturgia. «Se ha creado una estructura y un armazón donde encajar todo», ha insistido Collado, quien ha hablado de hasta 20 versiones del texto. ‘Nacer es empezar a morir’ «Si hace un año me dicen que el resultado iba a ser esto, igual no estaba aquí, ha sido extenuante y hemos estado al borde de tirar la toalla, pero el resultado ha merecido la pena», ha señalado el responsable de esta adaptación libre. Tanto Vera como Echanove han coincidido en remarcar esta dificultad durante el proceso de creación, con llamadas «habituales» a las 3 o las 4 de la mañana. «Al principio fue un viaje muy amorfo, pero nos lanzamos y el resultado final es este viaje por el pensamiento, alma y venas de Quevedo», ha afirmado Lucía Quintana, quien llevará a escena el papel de Aminta, la amante de un autor «amargo como su frase ‘nacer es empezar a morir'»...

  Texto: Agencia / Fotografía: Masescena La actriz Irene Escolar lleva a las tablas del Pavón Teatro Kamikaze la obra ‘Blackbird’, de David Harrower, un texto en el que una pareja se reencuentra después de quince años para cerrar las «heridas profundas» que les dejó su relación y en la que se habla del «deseo, la pérdida y el amor», según la actriz. ‘Blackbird’ se enmarca dentro del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid y estará en el Pavón hasta el próximo 7 de abril. La historia gira en torno al inesperado reencuentro de los protagonistas, Una y Ray, que pone en peligro sus vidas actuales y «tensa la comodidad dentro del orden moral establecido». Escolar adquirió los derechos de la obra hace ya tres años y consiguió el apoyo de la Comunidad de Madrid para ponerla en pie. «Es un texto representado en todo el mundo y para mí supone el proyecto más personal que he sacado adelante. Me costó mucho encontrar a alguien que apostara por esto», ha señalado. La actriz está acompañada en el escenario por José Luis Torrijo y bajo la dirección de Carlota Ferrer. Para la adaptación «respetuosa» de este texto –en verso libre–, se ha contado con José Manuel Mora, quien ha reconocido que esta obra tiene «algo de terrible e insoportable, pero con lo que los humanos se sienten identificados». En tiempo real Para Ferrer, que ha insistido en la importancia de no desvelar mucho del argumento, la clave reside en la «construcción de un puzzle» a través del diálogo que establecen los protagonistas. A lo largo de una hora y media –‘Blackbird’ transcurre en tiempo real–, Una se enfrentará a sus demonios al presentarse en el lugar de trabajo de Ray. «¿Cómo sería un encuentro entre estas dos personas que llevan tanto sin verse? Uno seguro que lleva muchas cosas preparadas, pero a la hora de la verdad, cuando tienes delante a la otra persona, igual dices lo contrario, porque mentimos mucho. Y una vez el espectador sepa lo ocurrido, cada uno hará su juicio moral», ha señalado Ferrer. Un combate verbal Con una escenografía «cinematográfica» compuesta por dos planos en un mismo escenario y unas pequeñas casas que recomponen una urbanización en miniatura, Escolar ha apostado por un texto «contemporáneo sobre la psicología» del amor. «Son dos seres que consiguen sobrevivir al dolor y hay un combate verbal que sucede en el mismo espacio». La obra saldrá de gira por España una vez termine de representarse en el Pavón y es probable que vuelva a este teatro. Jaime de los Santos, director de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ha resaltado la necesidad de que los poderes públicos se «impliquen más allá de subvenciones» en obras de este tipo. «El teatro es rebeldía, pero también esperanza», ha concluido...

Texto: Masescena / Fotografía: Masescena La Compañía Nacional de Teatro Clásico estrenará «La dama duende» y llevará a escena otras dos obras Bajo el lema «Respira Festival», el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha presentado este jueves en el Teatro María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional, la programación de su 40 edición que tendrá lugar del 6 al 30 de julio. En el acto han intervenido el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; el viceconsejero de Cultura del Gobierno de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha, Jesús Carrascosa; el presidente de la Diputación de Ciudad Real, José Manuel Caballero; el alcalde de Almagro, Daniel Reina y la directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez. También ha estado presente la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Montserrat Iglesias. Más de cien representaciones y compañías de trece países?Durante los 25 días del Festival, podrán verse 102 representaciones a cargo de 50 compañías participantes y catorce propuestas internacionales llegadas de 13 países: México, Reino Unido, Rumanía, Portugal, Brasil, Francia, Israel, Grecia, Argentina, Canadá, Colombia, Holanda y Alemania, que este año es el país invitado de honor. Además, destaca la participación de México y Rumanía por su compromiso con el Festival. La programación se completa con 24 eventos gratuitos, 2 exposiciones, 1 macro exposición y 10 eventos especiales que se celebrarán en 19 espacios de la ciudad de Almagro. Este año se suman, además, el Pradillo de San Blas y el Pradillo de Santo Domingo. En esta 40ª edición, José Sacristán recibirá el 6 de julio el XVII Premio Corral de Comedias en reconocimiento a su calidad humana y actoral, su dedicación y su vocación. Esta nueva edición del Festival, cuya imagen es obra de la Premio Nacional de Fotografía Cristina García Rodero, reunirá sobre el escenario a directores, actores y dramaturgos de la talla de Gerardo Vera, Helena Pimenta, Andrés Lima, Eduardo Vasco, Carles Alfaro, Laila Ripoll, Alfredo Sanzol, Meritxell Roda, Eva del Palacio, Fernando Fernán Gómez, Álvaro Tato, Juan Mayorga, Alberto Conejero, Elena María Sánchez, Claudio Hochman, Alfonso Plou, Juan Echanove, José Luís Gil, Joaquín Notario, Pepa Pedroche, Enric Benavent, El Brujo, Arturo Querejeta, Nathalie Poza, Fernando Conde, Javier Collado o Montse Diez. Un homenaje al público y a los actores?Almagro rinde homenaje en su 40 edición a todos los actores y actrices profesionales que han pasado por los escenarios de la ciudad a lo largo de estos 40 años. De este modo, el Festival reconoce el trabajo de los actores a través de las tres figuras que han participado en más ediciones del Festival: Arturo Querejeta, Pepa Pedroche y Joaquín Notario. El día de la inauguración, 6 de julio, en la Plaza Mayor, tendrá lugar un gran espectáculo incluido dentro de los 24 eventos gratuitos programados: «Clásicos en escena», realizado gracias a la labor conjunta con el Centro de Documentación Teatral del INAEM. El Festival realizará un homenaje los espectadores a través de «El Festival y yo», una exposición que recoge las fotografías realizadas directamente por el público que ha pasado por Almagro a lo largo de estos 40 años. Estrenos exposiciones y eventos especiales?Algunos de los platos fuertes de la programación de este año serán las propuestas de la Compañía Nacional de Teatro Clásico: Helena Pimenta dirigirá el estreno absoluto de la obra de Calderón «La dama duende» y cerrará el Hospital de San Juan con «El perro del hortelano», mientras que la Joven Compañía de Teatro Clásico interpretará «Fuente Ovejuna» bajo la dirección de Javier Hernández Simón. Dentro de los 10 eventos especiales que se celebrarán con motivo del aniversario destaca la presentación de un libro realizado por la Fundación en coedición con la AECID, que recoge la historia de los 40 años del Festival. Por otra parte, el Museo Nacional del Teatro organiza y produce la exposición «Cuarenta años vistiendo emociones». A ello se suma una macro exposición a cargo de la Acción Cultural Española, comisariada por Jorge Díez, en la que participan los artistas Pepe Buitrago, Dionisio Cañas, Mercedes Lara, Juan López y Alicia Martín...

Agencia / Fotografía: INAEM El director del Centro Dramático Nacional (CDN), Ernesto Caballero, se ha alzado este lunes con el Premio Valle-Inclán de Teatro en su undécima edición por su trabajo al frente de la obra ‘El Laberinto Mágico’, una revisión de la obra de Max Aub sobre la tragedia de la Guerra Civil. El ganador de esta edición, convocado por ‘El Cultural’ de ‘El Mundo’ y dotado con 5.000 euros y una estatua de Víctor Ochoa, se ha dado a conocer en el transcurso de una cena que ha tenido lugar en el restaurante del Teatro Real y ha sido presentada por la actriz Celia Freijeiro. El jurado del Premio Valle-Inclán, patrocinado por la Fundación Coca-Cola, ha elegido al ganador entre una lista de doce candidaturas de actores y directores de teatro mediante el sistema eliminatorio por rondas ‘Goncourt’, es decir, varias vueltas de votaciones en cada una de las cuales se elimina al candidato con menos papeletas. Finalmente, el dramaturgo Ernesto Caballero se ha alzado con el premio en la ronda final al imponerse al actor Israel Elejalde, finalista por su papel del príncipe danés de ‘Hamlet’, y al director Alfredo Sanzol, autor de ‘La respiración’. El resto de finalistas han sido: Maria Adanez y Paco Bezerra, por ‘El pequeno poni’; José Luis Arellano, por ‘La odisea’; Pedro Casablanc, por ‘Yo, Feuerbach’; Mario Gas, por ‘Incendios’; Ana Peinado, por ‘Ana el 11 de marzo’; Sergio Peris-Mencheta, por ‘La cocina’; José Sacristán, por ‘Muñeca de porcelana’; y Maribel Verdu, por ‘Invencible’. Coincidiendo con la celebración del Día del Teatro, el ministro de Educación, Cultura y Deporte y portavoz del Gobierno, Íñigo Méndez de Vigo, ha sido el encargado de entregar el galardón a Ernesto Caballero en reconocimiento por su trabajo en ‘El Laberinto Mágico’, una versión de José Ramón Fernández del conjunto de seis novelas escritas por Max Aub que tienen como telón de fondo la Guerra Civil. Este espectáculo ha sido galardonado con los premios a Mejor Espectáculo, Mejor Actor Protagonista (Paco Ochoa), Mejor Actor Secundario (Alfonso Torregrosa) y Mejor Actor Revelación (Borja Luna) en la última edición de los Academy Awards de The Central Academy of Drama de China. Al acto, que coincide con la conmemoración del Día Mundial del Teatro, también ha contado con la asistencia de la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, así como numerosos rostros conocidos como Cayetano Martínez de Irujo, Nuria Espert, Paloma Segrelles, José Luis Moreno, Mira Magüi, María Hervás, Juncal Rivero, Blanca Marsillach o Silvia Marsó...

La Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro recibirá el Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2017, según ha decidido el comité organizador de estos galardones, que se entregarán el próximo 5 de junio, tal y como ha anunciado la SGAE este lunes 27 de marzo, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro. Este reconocimiento ha sido otorgado por unanimidad por «un trabajo continuado de preservación y puesta en valor del teatro del Siglo de Oro y por su firme apuesta por la renovación estética y búsqueda de nuevos lenguajes que han permitido, a través de una mirada joven, acercar este patrimonio cultural a las nuevas generaciones y la creación de nuevos públicos». La directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Natalia Menéndez, recibirá este galardón durante la ceremonia de entrega de la 20 edición de los Premios Max de las Artes Escénicas que organiza la Fundación SGAE con la colaboración de la Generalitat Valenciana en el Palau de les Arts de Valencia. Menéndez ha recibido esta noticia «con gran alegría» ya que supone «el reconocimiento a un trabajo de 40 ediciones, ocho directores diferentes y mucha gente invisible a la que hay que agradecer su dedicación», según ha señalado. El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, considerado el más importante del mundo dedicado al teatro de los siglos XVI y XVII y que cuenta con 40 ediciones, se centró en sus inicios solo en el teatro del Siglo de Oro español, pero con el paso de los años abrió sus escenarios al barroco europeo y al teatro oriental de la misma época. «El patrimonio que nos dejaron estos autores es tan fuerte y potente, habla de inquietudes tan cercanas al presente que los artistas actuales no pueden más que rescatarlos con la mirada de hoy», subraya la directora del festival. A través del Premio Corral de Comedias, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro reconoce la trayectoria artística de figuras e instituciones del mundo de las artes escénicas y en diversos campos o especialidades, siendo galardonados, entre otros, Concha Velasco (2016), José Luis Gómez (2015), la Schaubühne de Berlin (2013), Núria Espert (2011) o Francisco Nieva (2010). Asimismo, cada año se celebra un homenaje a personalidades de diferentes disciplinas que han contribuido a ensalzar el patrimonio artístico barroco dentro del Festival como José Nieto (2016), Ángel Fernández Montesinos (2014), José Tamayo (2007) o Elio Berhayer (2005). Además de las 23 categorías a concurso de los Premios Max de las Artes Escénicas, tras la incorporación desde este año de un nuevo galardón específico dedicado al Espectáculo de Calle, el comité organizador concede tres premios especiales: Max de Honor, que se dará a conocer el 26 de abril, Max a la Contribución a las Artes Escénicas y el Max Aficionado, el 10 de mayo...

La SGAE ha reivindicado con motivo del Día Mundial del Teatro, que tendrá lugar este lunes 27 de marzo, «el valor de la dramaturgia» recordando que la promoción de esta disciplina es «una tarea fundamental para contribuir a la creación artística». La dramaturgia supone un 8% de la masa autoral de la SGAE, ya que según datos de 2016, de los 110.447 miembros de la asociación un total de 8.825 son autores dramáticos y coreógrafos. El Día Mundial del Teatro (World Theatre Day) se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (IIT) y, todos los años, el 27 de Marzo se organizan distintos eventos para resaltar esta efeméride. En esta edición de 2017, es la actriz francesa Isabelle Huppert la encargada del Mensaje Internacional en el Día Mundial del Teatro. En su estrategia de apoyo y promoción de las Artes Escénicas, la Sociedad General de Autores y Editores cuenta con un departamento específico para la gestión de los derechos de las obras dramáticas y coreográficas; su misión es fomentar el conocimiento y explotación de las mismas en el mercado. Además, dentro de los órganos de gobierno de la entidad, está el denominado colegio de Gran Derecho, encargado de velar por la promoción del teatro y la danza que se hace en España. Entre sus miembros se encuentran destacados autores dramáticos y coreógrafos como Paloma Pedrero, Pera Tantiñá (La Fura dels Baus), Juli Disla, Eduardo Galán, Joan Vives o Eva Yerbabuena. Asimismo, la SGAE, a través de su Fundación, es promotora de numerosas iniciativas que impulsan la labor de nuestros autores dramáticos, coreógrafos y compositores escénicos, como los Premios Max, que nacieron en 1998 de la mano de la entidad...

La cantaora de flamenco Carmen Linares debuta como actriz de teatro en ‘Séneca’ de Antonio Gala, versionada y dirigida por Emilio Hernández y coproducida por el Centro Dramático Nacional y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, que se representa en el teatro Valle-Inclán de Madrid desde el 24 de marzo al 14 de mayo. «Hay escenas que requieren de un dramatismo que el flamenco tiene», ha asegurado la artista, que interpreta el papel de Helvia. En la misma línea, ha añadido que hay escenas dramáticas en las que el flamenco tiene «una fuerza», y que por ello está «perfectamente encajado» en esta versión. Además, Linares ha señalado que se lleva la interpretación de las canciones a su terreno porque «es lo natural» y porque es donde ella se siente bien. «Estoy muy feliz y voy a dar todo lo que tenga dentro porque la obra lo merece», ha dicho. Sobre esta nueva experiencia, la cantaora ha confesado que al principio estaba «muy asustada» pero que ha recibido la ayuda de todos sus compañeros. Sobre ellos ha comentado que son «extraordinarios», que cantan «muy bien» y que son «muy buenos» actores. Igualmente, Linares ha agradecido la confianza que le ha dado Emilio Hernández, ya que la ha «convencido» y «engañado» para actuar al tener la obra «muy poco» texto. Por ello, ha bromeado con que cada vez le quita «más cante» y le pone «más texto». Cuando canta «se para la función» Por su parte, el actor Antonio Valero, que da vida a Séneca sobre el escenario, ha afirmado que Linares está haciendo de actriz y de cantante, y que cada vez que canta «se para la función», la aplauden, y le dicen al público: «sigan ustedes». Asimismo, Valero ha subrayado que el texto es «absolutamente» actual, ya que parece que está escrito ahora y no hace 30 años. «Es una obra que mueve mucho al actor y da gusto interpretar a un personaje así», ha dicho. «Absoluta libertad» por parte de Gala Por otro lado, Emilio Hernández ha asegurado que ha tenido la «suerte» de que Antonio Gala le diera «absoluta libertad» para llevar a escena su texto. Por ello, ha añadido que desde el principio Gala no puso «ninguna exigencia» y que le dio «toda su confianza» para hacer la obra. Sobre el texto original, el director ha señalado que ha desarrollado algunas partes al subrayar «mucho más» la belleza introduciendo «algunos» poemas de Antonio Gala. «Es un honor que un autor tan importante del siglo XX esté de vuelta en el teatro con una obra fundamental», ha declarado. Para Hernández, la función es «un debate y un combate de ideas» que trata los temas de «la ética, el sexo y el poder», y en ella la música, que representa una «suma de culturas», es, en su opinión, un «elemento necesario» porque ocupa el espacio del «combate entre belleza y corrupción». Un Nerón reprimido por el poder Por su parte, Diego Garrido, que interpreta a Nerón, ha afirmado que su personaje es la representación del «espíritu joven», de «nuevos impulsos» y de «nuevas formas» de querer hacer las cosas, pero que está reprimido por el «poder, la corrupción, los intereses privados y la caspa». De este modo, el actor ha subrayado que es «muy hermoso» ver cómo Nerón «en una primera instancia» intentó hacer «grandes cosas» por su pueblo, pero que las figuras de poder que le rodeaban «no se lo permitieron», algo que, a su juicio, ocurre a día de hoy en muchos países. «Es bonito defender eso en escena y representar ideas nuevas y ciertos ideales», ha concluido. El reparto de la obra lo completan Esther Ortega, que interpreta a Agripina; Eva Rufo, a Popea; José Luis Sendarrubias, a Otón; Aka Thiéméle, a un esclavo; Ignasi Vidal, a Petronio; y Carolina Yuste, a Acté. Escrito por: AgenciaFotografía: MarcosGPunt...