El Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March han presentado este viernes 21 de abril la ópera de cámara ‘Mozart y Salieri’, una leyenda de «admiración» y «destrucción» que acusa al compositor Antonio Salieri de haber asesinado a Wolfgang Amadeus Mozart y que podrá verse en siete representaciones del 22 al 2 de abril ne la sede de la fundación. El maestro Borja Mariño es el responsable de la dirección musical y de la intepretación al piano, mientras que Rita Cosentino está al frente de la puesta de escena de esta producción, de Nikolái Rimski-Kórsakov, basada en un libreto del propio compositor inspirado en la obra homónima de Aleksandr Pushkin. El director del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco, ha señalado durante la rueda de prensa que esta obra, estrenada en estreno privado para piano en 1897 y de manera oficial un año después, refleja la «rivalidad conocida» entre ambos compositores y propone una «fantasía» según la cual Salieri envenenó a Mozart por «envidia». Por su parte, Cosentino ha señalado que se trata de «un drama muy profundo y complejo» a la vez que aborda por un lado la «envidia», traducida en «la admiración y en la destrucción del otro», de manera que «la felicidad se basa en la miseria del contrario». Sin embargo, en esa «destrucción y contienda», Salieri encuentra la «destrucción» y «se queda solo en la miseria». El destino del compositor es, según ha explicado Cosentino, «la muerte de Mozart», un desenlace que, sin embargo, se muestra «ambiguo» en esta producción y deja la «duda» al espectador acerca de si se trata de un envenenamiento real o solo una ilusión que Salieri tiene en su cabeza. Sin embargo, ha resaltado que sí existía «rivalidad» entre ellos, puesto que ambos estaban en Viena y se disputaban la misma ciudad. Asimismo, la directora de escena ha señalado que esta ópera también habla de la «problemática del arte, puesto que Salieri se «atormenta» con el «espejo de Mozart» en el que ve sus «sus debilidades» y reflexiona sobre las dos manera de entender la creación: la importancia de «la chispa que nace de forma natural» y el «trabajo que ha sido aprendido minuciosamente». Videocreaciones Las videocreaciones entran en juego en esta producción como «un nivel de lectura más», según ha destacado Cosentino, y le sirve a nivel artistico para dar «rienda suelta» a su propuesta y profundizar en la dramaturgia, como si se tratara de un «tercer personaje». No obstante, el director del Teatro de la Zarzuela ha precisado que no se trata de un espectáculo audiovisual, sino solo «un vehículo más para contar esta historia». El barítono Ivo Stanchev interpreta a Salieri en una trama en la que, según sus palabras, «se ha roto la amistad y se ha quebrado el amor en su estado puro». Por su parte, el encargado de poner voz a Mozart es el tenor Pablo García López, que ha buscado la «verdadera esencia» del compositor y la imagen de «persona sensible y con sentido familiar, y ha explorado el «terreno» en el que ambos músicos entran en confrontación. El director artístico de la Fundación Juan March, Miguel Ángel Marín, ha señalado que esta nueva coproducción entre la fundación y el Teatro de la Zarzuela, séptima edición de la serie Teatro Musical de Cámara, permite sacar del «ostracismo» una «gran ópera» que no tiene cabida en los «teatros convencionales».

La Biblioteca Nacional de España (BNE) presentará este jueves, 20 de abril, la muestra ‘Bomarzo, donde los monstruos no mueren’ con motivo del estreno de la ópera de Alberto Ginastera en el Teatro Real de Madrid. La obra reconstruye la vida y obra de un noble italiano, Pier Francesco Orsini, más conocido como Vicino, quien ha pasado a la posteridad por el jardín que hizo construir entre 1552 y 1580 en su feudo de Bomarzo: el Parque de los Monstruos (il boschetto). En la exhibición, a través de dibujos, grabados y ediciones del Quinientos, el visitante podrá identificar a los protagonistas y secundarios de la novela: las nobles familias de la península italiana y sus rivalidades y alianzas, los papas; los artistas, los hechos históricos capitales de la obra y, de fondo, la presencia de los dioses etruscos que no han dejado de habitar aquel territorio en hallazgos y restos arqueológicos, según ha explicado La BNE. La BNE se suma a otras instituciones culturales como el Auditorio de la Escuela de Música Reina Sofía y la Fundación Juan March que celebrarán conciertos de Ginastera con motivo de la representación de Bomarzo por primera vez en Europa en más de 40 años en el Teatro Real.

Incluye en la programación títulos populares como ‘Aída’, ‘Carmen’ o ‘La bohéme’, así como la producción contemporánea ‘Dead man walking’ El Teatro Real apostará en la programación de la temporada 2017-2018 por el paradigma de «obra fronteriza» con obras inéditas en España de Mozart, Zimmermann, Britten y Kurt Weill, entre otros, con las que conmemorará dos fechas importantes para la historia del coliseo madrileño: el 20 aniversario de su reapertura y los 200 años de su fundación, tal y como han destacado los responsables del Teatro este miércoles 19 de abril durante la presentación. El presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, ha señalado que en recuerdo de su historia pasada y también reciente, se ha programado ‘La favorite’ –en versión concierto–, un título que inauguró el Teatro Real, y se editarán además dos libros sobre la historia del coliseo: un texto de Joaquín Turina que desvelará los entresijos desde 1997, y otro de Rubén Amón que recorrerá los dos siglos de recorrido a través de anécdotas. El director artístico del coliseo madrileño, Joan Matabosch, ha señalado que muchos de los títulos inéditos en España que llegan la próxima temporada se insertan en el paradigma de «obra fronteriza», como es el caso de ‘Lucio Silla’, de Mozart, programada para septiembre, una pieza de «gran virtuosismo» que el compositor austriaco compuso cuando tenía 16 años y que se representa «muy poco». Esto se debe, en palabras de Matabosch, a su «estatismo». También en la premisa de lo fronterizo se encuentra ‘Street scene’, de Kurt Weill, una creación basada en la obra homónima de Elmer Rice a medio camino entre la ópera y el musical que se estrenó en Broadway en 1947 y que desde entonces no ha vuelto a sus salas. «Es demasiado difícil para Broadway y muy atípica para la ópera, se diluye en la frontera de géneros», ha señalado Matabosch, quien ha agregado que Weill deja al espectador desconcertado aunque «con apertura de vista». La obra, en coproducción con la Ópera de Monte-Carlo y la Oper Köln, se representará entre febrero y junio de 2018. Por su parte, otra de las novedades en el Teatro Real, ‘Gloriana’, de Benjamin Britten, recoge el testigo del éxito de ‘Billy Budd’ en la actual temporada y presenta un montaje nacido para conmemorar la coronación de Isabel II de Inglaterra en 1953 y que, sin embargo, quedo relegada al olvido al no alcanzar las expectativas previstas por la corte. Según ha explicado Matabosch, se trata de una «reflexión sobre la soledad del poder» y la «ambición política» que muestra a un personaje «complejo», con una mente «brillante» que también esconde «celos». La obra fue tildada de «insulto intolerable» y levantó unas «ampollas» de las que aún quedan «cicatrices», según ha añadido. ‘Die Soldaten’ Entre las novedades para la próxima temporada destaca también ‘Die Soldaten’, de Bern Alois Zimmermann, una producción de la Operahaus de Zúrich y la Komische Oper de Berlín, que supone una «declaración de guerra contra las teorías aristotélicas», en palabras del director artístico del Teatro Real, puesto que no muestra «ni lugar, ni acción ni tiempo». Tal y como ha explicado, rechaza el clasicismo y el texto tiene una multiplicidad de elementos que en ocasiones si se pueden considerar escenas. Además, ha indicado que Zimmermann no pone el acento en la psicología de los personajes, sino en la situación en la que han caído. Otro asunto que cabe destacar, en palabras de Matabosch, es el planteamiento de que es la percepción humana la que sigue una «cronología», puesto que cree en la «simultaneidad». Otra de las obras que se estrenan en el Teatro Real es ‘Dead man walking’, que tras su estreno en el año 2000 ya ha pasado por 50 teatros internacionales, lo que según Matabosch es el «impacto más importante del teatro musical americano desde ‘West side story'». Esta obra, de Jake Heggie, explora medios «no tradicionales» y reflexiona sobre la influencia religiosa y sobre «el poder redentor del amor». Además, el escenario del Teatro Real acogerá también ‘El pintor’, de Juan José colomer, que debutará en la ópera con esta producción, con dirección musical de Manuel Coves y dirección de escena de Albert Boadella. Junto a estas novedades, la temporada 2017-2018 contará también con títulos populares, tales como ‘Carmen’, de Georges Bizet; ‘La bohéme’, de Giacomo Puccini; ‘Lucia di Lammermoor’, de Gaetano Donizetti; ‘Ariodante’, de Händel, y ‘Thaïs’, de Massenet (ambas en versión concierto); y ‘Aida’, de Giuseppe Verdi, que contará en la dirección musical con Nicola Luisotti. Precisamente, Matabosch ha anunciado este miércoles la incorporación de Luisotti como director asociado, con el compromiso de dirigir una ópera en cada una de las próximas cuatro temporadas. En danza, destaca ‘Carmen’, del Víctor Ullate Ballet; ‘Sorolla’, del Ballet Nacional de España; la Dresden Frankfurt Company; o el Royal Ballet, entre otros. En cuanto a las voces del real que actuarán en la sala principal, se encuentran Magdalena Kozena, Patrizia Ciofi; Angela Gheorghiu y Jonas Kaufmann. Preguntado por la falta de voces españolas, a diferencia de las incluidas en la pasada temporada, Joan Matabosch ha resaltado que el Teatro Real quiere contar con la excelencia y, por tanto, las voces nacionales que se incluyen esta temporada están porque tienen «un nivel digno» y no por la «obsesión» por que estén presentes.

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena La Fundación SGAE ha publicado las obras ganadoras de la I Convocatoria de Teatroautor Exprés 2016 dentro de la colección homónima que la entidad promueve con el objetivo de contribuir a la difusión de la dramaturgia contemporánea. Así, los galardonados han sido ‘Raclette’ de Santiago Cortegoso, ‘Motel Oh!’ de Félix Estaire, ‘Cruz e mayo’ de Lupe Gehrenbeck, ‘DioS K’ de Antonio Rojano e ‘hISTORIA’ de Jan Vilanova, según informa en un comunicado. La colección persigue la difusión y promoción de obras de teatro recientemente estrenadas. «Se trata de una iniciativa necesaria, que permite que los textos se conozcan y lleguen a personas y profesionales que no pudieron acudir al estreno» ha explicado el autor Antonio Rojano, quien acaba de estrenar ‘Furiosa Escandinavia’ en el Teatro Español. Así, el jurado, compuesto por los críticos y especialistas Afonso Becerra, Guadalupe Soria y Rosana Torres, ha seleccionado las obras de entre más de 21 textos enviados. Dos de los textos seleccionados estaban escritos originalmente en gallego y catalán ‘Raclette’ de Santiago Cortegoso e ‘hISTORIA’ de Jan Vilanova Claudín respectivamente. Sin embargo, ambos autores apostaron por la traducción de su obra para formar parte de esta colección, «editar la obra en castellano era una gran oportunidad, sirve como material de promoción y permite que llegue a más espectadores», ha señalado Vilanova. «Si a los autores de teatro nos cuesta mucho publicar, imagina en otra lengua. Me interesa darla a conocer en castellano pero para mí sigue siendo prioritario el montaje en gallego», ha declarado por su parte Cortegoso. En cuanto a las obras, las cinco realizan un recorrido por las «diferentes caras de esta sociedad». Así, Cortegoso explica que se trata de «cinco mosaicos» que indagan sobre las estructuras de la sociedad actual y que a veces son incompatibles entre ellas. Igualmente, ha señalado que su obra, ‘Raclette’, es un teatro «muy contemporáneo» y que «trata muchos conflictos diferentes que pertenecen a nuestras vidas». Por su parte, Gehrenbeck realiza en ‘Cruz de Mayo’ una disección sobre el matriarcado y «el desprecio con el que nuestra cultura castiga el envejecimiento», mientras que, Rojano, con ‘DioS K’ analiza los excesos y la capacidad destructiva del poder en los que se asienta un Occidente en crisis. Vilanova propone un viaje hacia la Europa más deshumanizada del siglo XX que se da la mano con el día de hoy. Casualidades encerradas en hISTORIA que «han interesado muchísimo al espectador como una forma de recuperar el pasado». Por último, Estaire escribe en ‘Motel Oh’ sobre «las alternativas de nuestros propios caminos, llenos de posibilidades y elecciones que siempre atormentan», en una obra contemporánea pero con tintes clásicos que «ofrece una extraña poesía dicha en un mundo nada poético, el universo motero».

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena El Teatro Real ha retirado de la vía telemática la venta de asientos adaptados a personas con discapacidad tras detectar la existencia de «determinados supuestos de adquisición de estas entradas por personas en que no concurría tal condición», pero este colectivo puede hacer uso del canal telefónico y las taquillas. El Comité Español de Representantes de Personas con Discapacidad (CERMI) ha denunciado esta decisión ante la Oficina de Atención a la Discapacidad (OADIS) del Consejo Nacional de la Discapacidad. «El Teatro Real es una institución plenamente comprometida con las políticas de apoyo a la discapacidad», han explicado fuentes de la institución cultural, que han precisado que «la ausencia de venta de las entradas reservadas a personas con discapacidad a través de Internet se ha debido hasta ahora a la existencia de determinados supuestos de adquisición de estas entradas por personas en que no concurría tal condición». En este sentido, han destacado que «habida cuenta de que existen canales suficientes de venta (teléfono y taquillas, que cuentan con acceso adaptado de acuerdo con los principios de accesibilidad universal y diseño para todos), se consideraba más garantista de los derechos de las personas con discapacidad el prever exclusivamente estas dos formas de venta». No obstante, han recordado que el Teatro Real trabaja «desde hace tiempo» en el desarrollo de un sistema informático que permita que las personas con discapacidad puedan adquirir dichas entradas a través de Internet, pero «con las suficientes garantías de que son para ellos». Denuncia del Cermi Por su parte, el CERMI ha denunciado ante la Oficina de Atención a la Discapacidad (OADIS) del Consejo Nacional de la Discapacidad al Teatro Real de Madrid por retirar la posibilidad de comprar entradas en espacios reservados a personas con discapacidad mediante canales telemáticos. Según ha señalado, el organismo la denuncia pretende dar traslado a las quejas de organizaciones y particulares con discapacidad que han expresado su malestar por la decisión del Teatro Real de «impedir a los espectadores con movilidad reducida beneficiarse de la venta telemática, exigiéndoles trámites más gravosos e incómodos, cuando justamente la directriz debería ser la contraria, la facilitación del acceso en todas sus fases, también en la adquisición de billetes». Finalmente, ha pedido a la OADIS que investigue estas denuncias y, tras comprobar su veracidad, «exija al Teatro Real la inmediata corrección de estas malas prácticas y el establecimiento de un sistema respetuoso con los derechos de las personas con discapacidad, que ofrezca apoyos y facilidades efectivos, y destierre cualquier trato excluyente». «Ningún bien cultural a disposición del público puede presentar barreras a las personas con discapacidad, que han de tener garantías de acceso para su completo uso y disfrute», ha concluido.

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena AISGE, la sociedad de gestión de derechos de autor de directores de escena, dobladores, actores y bailarines españoles, presentó, este jueves 30 de marzo tras haberse cumplido el centenario de su nacimiento, la biografía del actor español José Bódalo, escrita por el periodista e investigador Carlos Arévalo, según informa en un comunicado. El acto, presentado por el vicepresidente de la entidad, Fernando Martín, contó con la participación del conocido intérprete Joaquín Kremel y del autor del libro, que desgranaron algunas habilidades y aspectos de la manera de trabajar del protagonista. Kremel declaró que se trata del actor que más le ha «impresionado», y que «era estar delante de alguien muy grande». En este sentido, añadió que Bódalo «inoculó a muchos jóvenes de entonces el veneno del teatro». «Siento nostalgia por Bódalo y demás gentes que nos enseñaron el camino», señaló. Por su parte, Arévalo aseguró que Bódalo «era tan querido y admirado por la profesión y por el público que todo el mundo lo recuerda con una sonrisa». Al acto asistieron además numerosos compañeros de profesión del homenajeado como Álvaro de Luna, Fernando Chinarro, María Fernanda D’ Ocon, Paloma Paso Jardiel, Enriqueta Carballeira, Vicente Cuesta, Carmen Segarra o Vicente Gisbert.

Texto: Agencia / Fotografía: Masescena El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha convocado la duodécima edición del Concurso Nacional de Teatro Clásico Grecolatino de los centros docentes, una iniciativa con la que busca «difundir la lectura y la representación teatral de las obras clásicas grecolatinas, los valores del mundo clásico y su vigencia en el mundo actual». Así lo ha dado a conocer este viernes 31 de marzo el departamento que dirige Iñigo Méndez de Vigo, que ha precisado se podrá participar en dos modalidades distintas. La primera, destinada al montaje y representación de obras teatrales de la tradición clásica griega y latina, para alumnos de Educación Secundaria de centros públicos y privados (Tragedia griega/latina y comedia griega –20 alumnos máximo– o comedia latina –12 alumnos máximo–) y, una segunda, a través de representaciones breves, originales o adaptadas, de fábulas, textos dramáticos, mitológicos o históricos, destinada a alumnos de Educación Secundaria Obligatoria (12 alumnos máximo). Respecto a la primera modalidad, el Ministerio ha detallado que las obras deberán ser de autores clásicos griegos y latinos y la representación de la obra tendrá una duración de entre 45 y 65 minutos. También ha indicado que, en la segunda, las obras además de autores griegos o latinos, podrán estar inspiradas en obras o temas de la Antigüedad Clásica y tendrán una duración de entre 15 y 20 minutos. En relación con la solicitud de participación, ha explicado que se deberá realizar por parte del centro educativo a través de la Oficina Virtual del Ministerio (https://sede.educacion.gob.es sección ‘Trámites y servicios’), entre el 1 y e 30 de abril. De esta forma, en la categoría de tragedia griega/latina o comedia griega, el Ministerio ha establecido un primer premio de 8.000 euros y un segundo de 3.000 euros; en la categoría de comedia latina, un primer premio de 6.000 euros y un segundo de 2.000 euros; y en la categoría de representaciones breves, un primer premio de 4.000 euros y un segundo de 1.000 euros. En la final, participarán seis grupos, dos por cada modalidad. Finalmente, el Ministerio ha asegurado que, con este concurso, quiere apoyar «el valor pedagógico de los montajes teatrales, incrementar el conocimiento y valoración de la tradición grecolatina en los centros educativos y favorecer su difusión entre toda la comunidad escolar, como referente para la práctica docente».

  Foto: Teatro Real El escenario del Teatro Real alberga desde este viernes 24 de marzo y hasta el próximo 5 de abril una inmensa casa de muñecas por la que transitan los protagonistas de ‘Rodelinda’, de Georg Freidrich Händel. La obra se ha estrenado por primera vez en España en coproducción con el Gran Teatro del Liceu, junto con las óperas de Frankfurt y Lyon y el público madrileño ha respondido con entusiasmo, aplausos y bravos. La banda sonora de este particular ‘juguete’, en el que se escenifican luchas de poder pero también un canto al amor conyugal, corre a cargo de la orquesta titular del coliseo madrileño, que ha mudado su piel para interpretar la música barroca, en compañía de dos claves, una tiorva y un órgano. Cuenta con libreto de Nicola Francesco Hyam, basado en otro de Antonio Salvi cuya inspiración es la obra ‘Pertharite, rois des Lombards’, de Pierre Corneille, y fue estrenada en Londres en 1.725. Entre las autoridades que han acudido a la Ópera, se encontraban la vicepresidenta del Gobierno, Soraya Sáenz de Santamaría; el ministro de Educación Cultura y Deporte y portavoz del Gobierno, Íñigo Méndez de Vigo, la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena; o el consejero catalán de Cultura, Santi Vila. Todos ellos, forman parte de los patronatos de ambos coliseos, que previamente a la representación han celebrado una segunda reunión conjunta en Madrid, y posteriormente celebrarán una cena. ‘Rodelinda’ se desarrolla en Milán, en el palacio de los reyes de Lombardía, donde la reina, devastada por la supuesta muerte de su esposo, el rey Bertarido, y ante su miedo por el futuro de su hijo Flavio trata de desafiar al dictador Grimoaldo, quien ha usurpado el trono y trata de convertirla en su esposa para consolidar su poder. El director de escena, Claus Guth, ha recreado una «gran mansión con diferentes niveles en la que los personajes aspiran a subir». Este edificio, una construcción de estilo georgiano en plena campiña inglesa, está inspirado en una de la época de Händel, pero sobre todo se asemeja a esas casas de muñecas que adornaban los cuartos infantiles. Como en aquellas los muñecos, en esta, Flavio, interpretado por Fabián Augusto Gómez, ejerce de hilo conductor y testigo mudo del devenir de los acontecimientos, y proyecta en los muros de ese particular hogar sus temores en forma de pesadillas, miradas y dibujos infantiles. El espectador puede observar todos los ángulos gracias al movimiento giratorio de la edificación. Espía cada estancia, cada altura, el interior, y la fachada, en medio de un cielo estrellado, y en la que incluso se proyectan las sombras de los árboles en la noche. Es sobre todo el vestuario el que actualiza la obra, que en realidad repasa temáticas atemporales y muy actuales, como los conflictos familiares o la vulnerabilidad de los menores convertidos en testigos de multitud de avatares, ya sea domésticos o históricos. Desde el patio de butacas se comprueba también cómo los libretos, al contrario que la obra original, otorgan a la mujer el protagonismo principal, una fémina que responde de modo ‘moderno’ a los desafíos a los que se enfrenta. Con un elenco doble, en el estreno la soprano Lucy Crowe se ha metido en la piel de la fiel, leal y astuta Rodelinda, mientras que el tenor Jeremy Ovenden interpreta al anodino, maleable y a su vez encantador dictador Grimoaldo. Junto a ellos, el contratenor Bejun Mheta ha ejercido de destronado y falsamente muerto esposo Bertarido, de carácter contradictorio, y el bajo Umberto Chiummo se ha colgado el disfraz del maquiavélico Garibaldo. La mezzosoprano Sonia Prina interpreta a la intrigante Eduige y el contratenor Lawrence Zazzo al aliado encubierto Unulfo. Los mayores elogios se los han llevado esta noche Rodelinda y Bertarido, junto con el director de orquesta, Ivor Bolton, la propia orquesta y el director de escena.

El Teatro Real volverá a representar, este sábado 1 de abril y domingo 2 de abril a las 11.00 y a las 13.00 horas respectivamente, la ópera infantil ‘El Gato con Botas’, del compositor catalán Montsalvatge(1912-2002) basada en el cuento homónimo de Charles Perrault(1628-1703), en una coproducción del Teatro Real con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la ABAO y la Asociación Asturiana de Amigos de la Ópera, según informa en un comunicado. Montsalvatge, con la complicidad de Néstor Lujan, autor del libreto, creó en el verano de 1947 una ópera «mitad bufa y mitad ballet», para los más pequeños, que cuenta con cinco cantantes solistas, una nutrida orquesta en el foso, obertura, arias, dúos, recitativos y ballet. Así, inspirándose en los personajes travestidos de la ópera italiana del siglo XVIII, Montsalvatge destina el papel protagonista del gato a una mezzosoprano, lo que dio pie a que Emilio Sagi en la dirección de escena, y Ágatha Ruiz de la Prada en la escenografía y figurines, transformaran al felino en «una gata seductora y avispada, que sorprende al público desde su primera aparición, llevándolo, con su gracia y guiños cómplices, hasta el esperado final feliz con boda, festejos y mucha algarabía». En esta ocasión, señala que será la mezzosoprano Marisa Martins quien encarne a la gata protagonista, secundada por el tenor David Menéndez que representará el papel del molinero, el barítono Gerardo Bullón como el rey, la soprano Paloma Friedhoff con el personaje de la princesa y el bajo Felipe Bou representando al ogro. Asimismo, les acompañan tres bailarinas: Cristina Arias, Silvia Martín y Carmen Angulo, y el bailarín Daniel Morillo, encarnando a los conejos, al pájaro y al león, con una «divertida coreografía» de Nuria Castejón.

Los Teatros del Canal acogen a partir del próximo lunes 20 de marzo la ópera de cámara ‘Le malentendu’, basado en la obra teatral homónima de Albert Camus, que podrá verse en la Sala Negra y que forma parte de la programación que desarrolla en común con el Teatro Real. Esta pieza, de la que se ofrecerán tres únicas funciones los días 20, 22 y 23 de marzo, cuenta con música de Fabián Panisello y libreto de Juan Lucas, y es una coproducción del Teatro Real, los Teatros del Canal, el Teatro Colón de Buenos Aires, la Ópera de Cámara de Varsovia, el Festival de Otoño de Varsovia, la Neue Oper Wien y el Centre National de Création Musical de Niza. El montaje de esta obra, beneficiaria de la Convocatoria 2015 de Ayudas Fundación BBVA a Investigadores y Creadores Culturales, está concebido para cuatro cantantes, un actor, electrónica y orquesta de cámara, según ha explicado este jueves 16 de marzo Panisello durante la presentación en Madrid. En esta obra, tras 20 años de ausencia, un hombre vuelve a su pueblo natal y se registra como huésped en la pensión que dirigen su madre y su hermana, aunque no se da a conocer como el hijo y el hermano que es, puesto que quiere observar la vida de sus familiares, conocerles a distancia y saber si le van a reconocer. Sin embargo, ignora que las dos mujeres también guardan un secreto. ‘Le malentendu’ cuenta con dirección musical de Walter Kobera y dirección de escena de Christoph Zauner. Los protagonistas de la historia estarán interpretados por el tenor Kristjan Johanneson, las sopranos Gan-Ya Ben Gur Akselrod y Anna Davidson, la mezzosoprano Edna Prochnik y el actor Dieter Kschwendt, todos ellos acompañados por miembros de la Orquesta Titular del Teatro Real. Según ha explicado, la electrónica supone una parte muy importante en esta ópera, tanto por las grabaciones previas como por los instrumentos electrónicos que se manipularán en directo, de manera que se mezclará con lo acústico. Además, ha indicado que todas las voces de los cantantes están amplificadas, especialmente «cuando susurran o cuando usan técnicas cercanas a la recitación», al igual que la instrumentación, con el fin de que ambos sonidos se mantengan en el mismo plano. «Pesimismo y desolación» en plena guerra Por su parte, Juan Lucas, autor del libreto, ha señalado que esta obra, que Camus compuso durante la guerra en un pueblo francés, en el momento «más sórdido de la ocupación francesa» y de la guerra, que refleja el «pesimismo y la desolación». Lucas considera que reúne «todas las cualidades» para convertirse en una ópera porque tiene una «linealidad dramática muy sólida y al mismo tiempo los personajes están construidos de una manera que remite en muchos aspectos al siglo XIX» con cuestiones actuales como el «existencialismo», ecos de la «tragedia griega y bíblicos» e «impregnación fuerte con el cine de Alfred Hitchcock». Lucas no considera que su trabajo sea el de un libretista «en el sentido tradicional del término», sino un adaptador entre Camus y Panisello. Según ha señalado, es la primera vez que se involucra en un libreto de ópera, un terreno en el que cree que uno de los grandes problemas es «la distancia que se crea entre el público en función de una visión operística excesivamente intelectualizada». Por su parte, el director del Teatro Real, Joan Matabosch, ha señalado que el objetivo del coliseo madrileño seguirá siendo invertir en creación contemporánea, aunque ha señalado que para ello es necesario contar con «salas alternativas» a las del Teatro Real, como es el caso de los Teatros del Canal. Escrito por: AgenciaFotografía: Armin Bardel

Celebra sus primeros 50.000 espectadores en el Teatro Rialto de Madrid. Y lo hará el próximo miércoles 22 de marzo con La noche de la rumba. Tras su estreno el 12 de Enero en el Teatro Rialto de Madrid, «Rumba!», el espectáculo de Mayumana con la música de Estopa, ha logrado llegar hasta la envidiable cifra de 50.000 espectadores, convirtiendo en el éxito de la temporada. Es por ello que el próximo día 22 de Marzo se celebrará una función realmente especial: La noche de la rumba. Una noche en la que se contará de nuevo con la presencia de los hermanos Jose y David Muñoz, Estopa. El dúo musical estará acompañado de numerosos amigos, compañeros y personalidades del mundo de la rumba, la música y el arte. Una cita ineludible para los admiradores de Mayumaná, Estopa y el género y el mundo de la rumba. Sobre el espectáculo Mayumana ha elegido la música de Estopa, el máximo exponente del lenguaje musical mestizo en España, como banda sonora e hilo narrativo de “RUMBA!”, un nuevo espectáculo en el que ofrecen una propuesta diferente a sus anteriores creaciones. A través del lenguaje único de Mayumana, Rumba! narra la historia de dos familias que viven enfrentadas en el mismo barrio. En medio de su odio y disputas nace un romance inesperado que trasformará su vida. La música de Estopa aporta la banda sonora de un espectáculo desbordante, interpretado por un extraordinario elenco de artistas que cantan, bailan y tocan todos los instrumentos para generar el milagro rítmico y visual que distingue a todos los espectáculos de Mayumana. Co producido por Mayumana y Som Produce, Rumba! se estrenó en el Teatro Rialto de Madrid el 12 de enero de 2017. Mayumana debutó en España en 2001 y sus espectáculos ya han sido aplaudidos por más de 1.000.000  de espectadores en España y de 8 millones entodo el mundo. Estopa revolucionó el panorama musical español con su álbum homónimo en 1999, habiendo vendido más de 4.500.000 copias entre toda su discografía. Ahora nace Rumba!, el nuevo espectáculo de Mayumana, con la música de Estopa, para disfrute de sus legiones de seguidores. Escrito por: Nota de prensaFotografía: Javier Naval

El Teatro Real acoge por primera vez el próximo 24 de marzo la puesta en escena de ‘Rodelinda’, el «canto» de Georg Freidrich Händel al «amor conyugal» y a la «lucha por el poder» del que se ofrecerán nueve funciones, hasta el 5 de abril. El director artístico del coliseo madrileño, Joan Matabosch, ha explicado este lunes 13 de marzo durante la presentación ante los medios que se trata de la primera vez que llega a España la puesta en escena de esta obra, estrenada en Londres en 1725 y que ha sido ahora realizada en coproducción con la Ópera de Frankfurt, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Ópera de Lyon. Esta historia se desarrolla en Milán, en el palacio de los reyes de Lombardía, donde Rodelinda, devastada por la aparente muerte de su esposo, el rey Bertarido, y ante su miedo por el futuro de su hijo, trata de desafiar al dictador Grimoaldo, quien ha usurpado el trono y trata de convertirla en su esposa para consolidar su poder. El director musical, Ivor Bolton, ha explicado que esta obra fue escrita en un periodo «muy floreciente» y de «explosión creativa» de Händel, en el que escribió otras dos obras esenciales: ‘Julio César en Egipto’ y ‘Tamerlán’. A esto se suma el hecho de que el autor fuera también empresario, por lo que escogió a «los mejores cantantes» de la época. Bolton ha reconocido que se trata de un «cambio radical» para la orquesta del Teatro Real tras la puesta en escena de ‘Billy Budd’, por lo que han contado con un especialista en barroco, quien trabaja con «todas las orquestas barrocas del mundo», así como con músicos procedentes de varios puntos de la geografía mundial. «Sería más fácil haber contado con una orquesta barroca, pero mi filosofía es que la orquesta titular ha de interpretar todas las obras y ha de hacerlo bien», ha dicho Bolton, quien ha añadido que esta puesta en escena contará con instrumentos de la época. En cuanto al decorado, el director de escena, Claus Guth, ha explicado que la acción se desarrolla en una «gran mansión con diferentes niveles en la que los personajes aspiran a subir». Este edificio, una casa de estilo georgiano en plena campiña inglesa, está inspirada en una casa de la época de Händel. Toda esta lucha es vista a través de los ojos de Flavio, el hijo de Rodelinda, quien a pesar de no cantar es testigo de los acontecimientos «espeluznantes» que tienen lugar, y que son proyectados en los muros de su casa a través de sus sueños, miradas y dibujos infantiles. «Historia atemporal» Guth ha indicado que aunque el contexto de esta historia puede resultar lejano, se trata de una «historia atemporal» con situaciones «de absoluta actualidad» que, además, ponen de relieve «conflictos familiares», a diferencia de su otra obra ‘Julio César en Egipto’. En este sentido, Bolton ha señalado que ‘Rodelinda’ refleja «conflictos humanos reales» que permiten «detenerse y reflexionar sobre el ser humano» y cómo las personas «repiten los mismos errores». «Al igual que ocurre en Reino Unido con el Brexit, que está dividido de forma visceral entre quienes quieren quedarse y quienes quieren irse», ha agregado el director británico. En palabras de Guth, el elenco está formado por las sopranos Lucy Crowe y Sabina Puértolas, que se alternarán en la interpretación de la reina lombarda; los contratenores Bejun Mehta y Xavier Sabata (Bertarido) y Lawrence Zazzo y Christopher Ainslie (Unulfo), los tenores Jeremy Ovenden y Juan Sancho (Grimoaldo), las mezzosopranos Sonia Prina y Lídia Vinyes-Curtis (Eduige) y los bajos Umberto Chiummo y José Antonio López (Garibaldo). Joan Matabosch ha destacado que Rodelinda tiene «características masculinas», mientras que el dictador se muestra como una persona «sin carácter», algo de lo que ella se aprovecha para manipularlo. «Es lo contrario de lo que estamos acostumbrados a ver en un tenor heroico», ha dicho. Otra de las particularidades que pone de relieve el director artístico del Teatro Real es el foco en el «amor conyugal», algo muy original puesto que habitualmente solo es protagonista cuando hay «destrucción o deslealtad», tal y como ha destacado. Por otro lado, el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, ha indicado que con motivo de este estreno, el coliseo madrileño celebrará una reunión de patronato conjunta con el Liceo, un encuentro que se produce por segunda vez, después del celebrado en 2007, con el que ahora el centro de Barcelona devuelve la visita. Escrito por: AgenciaFotografía: Javier del Real