Masescena - Teatro

AÑO III  Número 137

03 ABRIL 2020

La SGAE ha reivindicado con motivo del Día Mundial del Teatro, que tendrá lugar este lunes 27 de marzo, "el valor de la dramaturgia" recordando que la promoción de esta disciplina es "una tarea fundamental para contribuir a la creación artística".

La dramaturgia supone un 8% de la masa autoral de la SGAE, ya que según datos de 2016, de los 110.447 miembros de la asociación un total de 8.825 son autores dramáticos y coreógrafos.

El Día Mundial del Teatro (World Theatre Day) se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (IIT) y, todos los años, el 27 de Marzo se organizan distintos eventos para resaltar esta efeméride. En esta edición de 2017, es la actriz francesa Isabelle Huppert la encargada del Mensaje Internacional en el Día Mundial del Teatro.

En su estrategia de apoyo y promoción de las Artes Escénicas, la Sociedad General de Autores y Editores cuenta con un departamento específico para la gestión de los derechos de las obras dramáticas y coreográficas; su misión es fomentar el conocimiento y explotación de las mismas en el mercado.

Además, dentro de los órganos de gobierno de la entidad, está el denominado colegio de Gran Derecho, encargado de velar por la promoción del teatro y la danza que se hace en España. Entre sus miembros se encuentran destacados autores dramáticos y coreógrafos como Paloma Pedrero, Pera Tantiñá (La Fura dels Baus), Juli Disla, Eduardo Galán, Joan Vives o Eva Yerbabuena.

Asimismo, la SGAE, a través de su Fundación, es promotora de numerosas iniciativas que impulsan la labor de nuestros autores dramáticos, coreógrafos y compositores escénicos, como los Premios Max, que nacieron en 1998 de la mano de la entidad.

La cantaora de flamenco Carmen Linares debuta como actriz de teatro en 'Séneca' de Antonio Gala, versionada y dirigida por Emilio Hernández y coproducida por el Centro Dramático Nacional y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, que se representa en el teatro Valle-Inclán de Madrid desde el 24 de marzo al 14 de mayo. "Hay escenas que requieren de un dramatismo que el flamenco tiene", ha asegurado la artista, que interpreta el papel de Helvia.

En la misma línea, ha añadido que hay escenas dramáticas en las que el flamenco tiene "una fuerza", y que por ello está "perfectamente encajado" en esta versión.

Además, Linares ha señalado que se lleva la interpretación de las canciones a su terreno porque "es lo natural" y porque es donde ella se siente bien. "Estoy muy feliz y voy a dar todo lo que tenga dentro porque la obra lo merece", ha dicho.

Sobre esta nueva experiencia, la cantaora ha confesado que al principio estaba "muy asustada" pero que ha recibido la ayuda de todos sus compañeros. Sobre ellos ha comentado que son "extraordinarios", que cantan "muy bien" y que son "muy buenos" actores.

Igualmente, Linares ha agradecido la confianza que le ha dado Emilio Hernández, ya que la ha "convencido" y "engañado" para actuar al tener la obra "muy poco" texto. Por ello, ha bromeado con que cada vez le quita "más cante" y le pone "más texto".

Cuando canta "se para la función"

Por su parte, el actor Antonio Valero, que da vida a Séneca sobre el escenario, ha afirmado que Linares está haciendo de actriz y de cantante, y que cada vez que canta "se para la función", la aplauden, y le dicen al público: "sigan ustedes".

Asimismo, Valero ha subrayado que el texto es "absolutamente" actual, ya que parece que está escrito ahora y no hace 30 años. "Es una obra que mueve mucho al actor y da gusto interpretar a un personaje así", ha dicho.

"Absoluta libertad" por parte de Gala

Por otro lado, Emilio Hernández ha asegurado que ha tenido la "suerte" de que Antonio Gala le diera "absoluta libertad" para llevar a escena su texto. Por ello, ha añadido que desde el principio Gala no puso "ninguna exigencia" y que le dio "toda su confianza" para hacer la obra.

Sobre el texto original, el director ha señalado que ha desarrollado algunas partes al subrayar "mucho más" la belleza introduciendo "algunos" poemas de Antonio Gala. "Es un honor que un autor tan importante del siglo XX esté de vuelta en el teatro con una obra fundamental", ha declarado.

Para Hernández, la función es "un debate y un combate de ideas" que trata los temas de "la ética, el sexo y el poder", y en ella la música, que representa una "suma de culturas", es, en su opinión, un "elemento necesario" porque ocupa el espacio del "combate entre belleza y corrupción".

Un Nerón reprimido por el poder

Por su parte, Diego Garrido, que interpreta a Nerón, ha afirmado que su personaje es la representación del "espíritu joven", de "nuevos impulsos" y de "nuevas formas" de querer hacer las cosas, pero que está reprimido por el "poder, la corrupción, los intereses privados y la caspa".

De este modo, el actor ha subrayado que es "muy hermoso" ver cómo Nerón "en una primera instancia" intentó hacer "grandes cosas" por su pueblo, pero que las figuras de poder que le rodeaban "no se lo permitieron", algo que, a su juicio, ocurre a día de hoy en muchos países. "Es bonito defender eso en escena y representar ideas nuevas y ciertos ideales", ha concluido.

El reparto de la obra lo completan Esther Ortega, que interpreta a Agripina; Eva Rufo, a Popea; José Luis Sendarrubias, a Otón; Aka Thiéméle, a un esclavo; Ignasi Vidal, a Petronio; y Carolina Yuste, a Acté.

Escrito por: Agencia
Fotografía: MarcosGPunto

- Dan Jemmet revisita libremente el clásico del dramaturgo inglés ‘Noche de Reyes’ con ‘Shake’, una comedia inventiva y perspicaz que reflexiona sobre la condición humana
- Con esta pieza se inicia en La Abadia un ciclo de comedia a partir de motivos shakesperianos que se completará con la llegada de los montajes del Teatro de la Ciudad: “La Ternura”, de Alfredo Sanzol, y “Sueño”, de Andrés Lima.

 

La actriz ganadora del Goya a actriz revelación 2016, Irene Escolar, regresará al festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, que se celebrará del 7 de abril al 7 de mayo, con la puesta en escena de 'Blackbird'.

Según ha informado el Gobierno regional en un comunicado, se trata de un thriller que narra el "atormentado" reencuentro entre dos amantes a quienes darán vida Irene Escolar y José Luis Torrijo, que podrá verse en El Pavón Teatro Kamikaze.

En concreto, el autor escocés David Harrower muestra la historia de un hombre y una mujer que tratan de curar la herida de un amor imposible que "aún sigue abierta".

Respecto a la puesta en escena, la directora Carlota Ferrer ha afirmado que "'Blackbird' es una tragedia contemporánea a modo de thriller". "El conflicto real traspasa la escena, se desplaza al patio de butacas y obliga al espectador a identificarse en lugares incómodos y a vivir emociones difíciles de nombrar", ha dicho.

Así, la función transcurre en único espacio escénico donde conviven diferentes lenguajes como el teatral, el cinematográfico y el performativo, lo cual permite a la narración escénica viajar entre lo real, lo vivido y las heridas del pasado.

Escrito por: Agencia
Fotografía: UIMP

La Fundación SGAE ha convocado el XXVI Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, el XVIII Premio SGAE de Teatro Infantil y el XI Certamen Internacional Leopoldo Alas Mínguez para textos teatrales, con el propósito de impulsar y apoyar la creación de nuevos textos dramáticos que contribuyan al enriquecimiento del panorama teatral y apoyar a los autores dramáticos, según informa la Fundación.

El plazo de entrega de textos, que se abrió el pasado jueves 2 de marzo, finalizará el próximo 20 de abril. El veredicto de los tres premios se hará público antes del 31 de diciembre y el jurado estará integrado por profesionales de las Artes Escénicas de "reconocido prestigio".

La dotación de estos premios alcanza los 18.000 euros, repartidos de la siguiente forma: 8.000 euros para el Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, así como para el Premio SGAE de Teatro Infantil, y 2.000 euros para el Certamen Internacional Leopoldo Alas Mínguez.

Además, señala que estos galardones reconocen la inclusión de los textos en el Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizadas y su posterior publicación dentro de las colecciones que edita la Fundación SGAE.

Escrito por: Agencia


Juan Diego lleva al Teatro Reina Victoria 'Una gata sobre un tejado de zinc', de Tennesee Williams, a partir del próximo viernes 17 de marzo, una obra que el intérprete considera muy vigente al hablar de las relaciones de poder en la sociedad. "Y nosotros estamos rodeados de tiranos", ha explicado el actor.

"Este texto habla de la sociedad occidental y las relaciones enfermizas que se dan en la sociedad, sobre todo en las que están basadas en el poder. Al frente de estas sociedades siguen habiendo auténticos tiranos y la obra hace hincapié en cómo se reparte el dinero, que es motivo de conflicto", ha apuntado.

El actor ha resaltado que la obra apunta tanto a la importancia del dinero como a la familia "fuente maravillosa de neurosis". "Todos estos problemas hacen una sociedad cada vez más enferma, más mercantilista y que va al 'aquí y ahora'. Hay un tipo de sociedad insolidaria de coge el dinero y corre que está destrozando a la gente", ha indicado.

Preguntado sobre si España está en esa situación, Juan Diego ha asegurado que "se está haciendo todo lo posible" para que los ciudadanos se marchen del país. "No quieren que los niños estudien, se está intentando crear una sociedad clasista, pero cada vez mas reducida, para poder seguir manteniendo el poder sobre el desconocimiento", ha lamentado.

En su caso, asegura que no tiene intención de "marcharse de España", sino de "seguir resistiendo". "Soy un resistente de toda la vida, he estado también en la clandestinidad y peleando. Mientras la gente goce la cultura, no hay que abandonar, porque si se entrega la cultura se entrega todo", ha indicado.

Sin localismos americanos

'Una gata sobre un tejado de zinc caliente', que estará hasta el 14 de mayo en cartel, cuenta con la dirección y versión de Amelia Ochandiano, además de con Eloy Azorín, Begoña Maestre, José Luis Patiño y Marta Molina en el reparto --junto a Juan Diego--. El texto de Williams habla de la reunión de una familia en torno al patriarca, que tiene cáncer pero es el único que no sabe de su enfermedad.

Ochandiano ha optado por eliminar "todos los localismos americanos" --la obra original transcurría en el sur de Estados Unidos en los años 50-- para poder cerrar este "drama contemporáneo". "Lo que a mi me interesa es podría ocurrir igual en Estados Unidos que en una hacienda de Cádiz", ha aseverado, tras admitir que barajó ésa última opción con un terrateniente español.

Los temas que interesan a Ochandiano son "conflictos esenciales" de la sociedad actual: "el amor, el miedo a la muerte o a la verdad e, incluso, a enfrentarse a uno mismo". La dramaturga ha modificado ligeramente el título de la obra que había llegado a España, porque entiende que se ajusta más tanto literalmente como al espíritu del texto.

Una gata, no la gata

"Quise dejar claro que no es el personaje de 'la' gata la protagonista, sino que es coral. Lo que el autor quiere decir es que los personajes están viviendo como una gata en un tejado de zinc, todos viviendo al borde. Hay esa sensación de estar al borde y de no aguantar más, es un sentimiento que recorre a varios de los personajes", ha explicado.

Juan Diego aceptó el papel dos días después de recibir el texto. El actor ha bromeado asegurando sentirse "satisfecho una vez se ha parido a este hijo de puta". "El personaje lo saco de dentro: el canalla, el ángel, el homosexual o el asesino, todos están dentro de notrosos, lo bueno y lo malo. Mi trabajo es sacarlo con el mayor mimo tal y como está concebido por el autor", ha concluido.

Escrito por: Agencia
Fotografía: Carlos Montenegro

Heredero de la riquísima tradición de la commedia dell’arte, Arlequino, servidor de dos amos, interpretado por actores venecianos, abre una inmersión en el mundo de la comedia en el Teatro de La Abadía. Le seguirán Entremeses de Cervantes, a finales de marzo; y en los meses de abril y mayo la libre versión de Noche de Reyes de Shakespeare rebautizado como Shake, de Dan Jemmett, en el marco del Festival de Otoño a Primavera, y las coproducciones de La Abadía y el Teatro de la Ciudad La Ternura y Sueño, de Alfredo Sanzol y Andrés Lima respectivamente, a partir de motivos shakesperianos.
La figura de Arlequino, paradigma del teatro de máscara, y El servidor de dos amos, el texto de Carlo Goldoni más representado en el mundo entero, llegan de la mano del Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale a la sala Juan de la Cruz de La Abadía los días 17 y 18 de marzo. Es la primera vez que se puede ver esta compañía en España. Dos únicas oportunidades para ver este montaje dirigido por Giorgio Sangati, que ya como actor llegó a pertenecer al elenco del montaje de referencia con Ferruccio Soleri, lo que le concede un amplio conocimiento sobre la inmortal obra de Goldoni. Marco Zoppello interpreta a Arlequino: barbudo y con una espesa melena roja, enérgico y vital, nada tonto y mucho menos ingenuo que sus predecesores. El reparto de este montaje, que la compañía lleva ya dos años interpretando con éxito, se completa con Anna De Franceschi, Francesco Folena Comini, Eleonora Fuser, Irene Lamponi,  Marta Meneghetti, Michele Mori, Stefano Rota y Laura Serena, a los que acompaña Veronica Canale con su música de acordeón en directo.
En su puesta en escena, Sangati nos sitúa en un extraño ático atestado de viejos baúles y poblado por una animada compañía de actores. A la llegada del público los cómicos abren los baúles, recuperan la ropa usada mil veces, los accesorios magullados por el uso y los instrumentos musicales polvorientos… todo lo necesario para revivir esta pieza maestra de Goldoni. Poco a poco el polvo se desvanece con el sonido de las canciones y la música, y los personajes y máscaras recobran vida.
Una compañía de jóvenes y audaces artistas es la responsable de esta nueva adaptación de El servidor de dos amos que surge a partir de un extraordinario Arlequino, Marco Zoppello, que construye un arquetipo muy alejado de los vistos anteriormente. Un Arlequín que está muy seguro de su inteligencia,  como bien reivindica con orgullo al final del espectáculo, librándose con destreza de las complejas tramas amorosas de sus dos amos, que van tejiendo una enmarañada red.
Para la crítica italiana “la versión de Strehler ocupa un lugar indiscutible en la historia del teatro italiano, pero esta relectura se presenta como una nueva y logradísima reinvención. El director Giorgio Sangati ha conseguido desvincularse de las formas consagradas con soltura y ligereza. Se ha mostrado especialmente atento al trabajo de equipo, con algunos ‘lazzi’ muy bien conseguidos e hilando sin el menor tropiezo una trama apretada y gozosa, para cuya ambientación bastan tres baúles que hacen las veces de paredes y puertas”.
El espectáculo se representa en La Abadía en lengua original con sobretítulos en castellano.

Sinopsis
La conocida obra gira en torno a la figura de Arlequino, que siempre tiene hambre y que para aumentar sus ingresos hace el esfuerzo de servir a dos amos al mismo tiempo, lo cual le obliga a hacer auténticos malabares, y en efecto termina cobrando por partida doble: los palos de uno y otro amo.
Trenzado con esta historia hay un argumento lleno de enredo: de amores no correspondidos, matrimonios forzosos, una mujer que viaja vestida de hombre, fingiendo ser su hermano que todos creen muerto en un asesinato cometido por... uno de los enamorados.
Y así vemos pasar a todas las figuras emblemáticas de la commedia dell’arte —en realidad un estilo anterior al de Goldoni, escritor del Siglo de las Luces—: el rico mercader veneciano, el pedante ‘dottore’, el posadero, la criada, los enamorados…

Teatro Stabile del Veneto – Teatro Nazionale
El Teatro Stabile del Veneto (popularmente conocido como el “Carlo Goldoni”), se fundó en 1992. En 2015 obtiene el reconocimiento de Teatro Nacional, que lo sitúa entre las excelencias nacionales reconociendo el Veneto como una de las regiones teatralmente más fuertes de Italia.
Actualmente dirigido por Massimo Ongaro, produce con frecuencia obras de Goldoni, y en general el teatro del XVII y del XVIII, pero sin descuidar la dramaturgia contemporánea.
De entre los directores de escena que han trabajado en este casa, cabe destacar a Benno Besson, Lluís Pasqual, Pierluigi Pizzi y Jacques Lassalle, junto a actores como Marcello Mastroianni, Giulio Bosetti, Ugo Pagliai y Paola Gassman y jóvenes talentos como Giorgio Sangati, Enrico Castellani y Valeria Raimondi.

Escrito por: Nota de Prensa
Fotografía: Teatro de La Abadía

El actor José Coronado protagoniza desde el próximo jueves 16 de marzo la obra 'Ushuaia' en el Teatro Español, un texto de Alberto Conejero que cuenta la historia de un hombre que huye de sus demonios a la ciudad más austral del mundo y que el autor ha calificado como "thriller emocional".

'Ushuaia', texto ganador del Premio Ricardo López Aranda y que estará en el Español hasta el 16 de abril, cuenta la historia de Mateo, una persona recluida en el bosque y cuya incipiente ceguera le obligará romper su soledad para contratar a la misteriosa Nina. La obra está dirigida por Julián Fuentes Reta y cuenta con un reparto en el que, además de Coronado, están Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas.

"Es la historia de un hombre que lucha contra sus fantasmas", ha explicado Conejero, autor de 'La piedra oscura' y que escribió esta obra durante un año en la propia Ushuia, gracias a una beca. Es por ello que este confín apartado en el mundo se convierte en un protagonista más de la pieza.

"Ushuaia no solo es el lugar físico, sino una metáfora de los propios conflictos: un estado del alma pero también una prisión. Me sentía atraído por esa belleza amenazante del espacio", ha señalado. Conejero también ha apuntado que esta parte de la Patagonia "sirvió de refugio a muchos criminales" tras la II Guerra Mundial, aunque sin desvelar más de la trama porque "requiere cierta complicidad del espectador".

Regreso de Coronado al teatro

Coronado regresa al Teatro Español --ya ha estado aquí con otras tres obras-- y asegura que estar en este sitio "genera algo mágico y una energía solo comparable al Teatro romano de Mérida". El actor ha admitido que, una vez tuvo el texto que "llegó por azar", fue el que hizo la gestión y los contactos para participar en la obra de Conejero.

"No solo me convencía el personaje, sino que admiro la obra de Alberto desde que vi 'La piedra oscura', y creo que ésta la supera en belleza y complejidad: además hay una dosis de onirismo que te pone la piel de gallina y lágrimas en los ojos", ha añadido. Para Coronado, cualquier oportunidad es "buena para volver a las tablas, que es de donde el actor tiene que beber".

Conejero ha reconocido que cuando escribió el texto tenía en mente un actor de más edad que la de Coronado, pero que su incorporación a la obra ha añadido matices que hasta el propio autor del texto "desconocía". "No había pensado en él pero está muy bien que haya venido. Es como el amor, que no piensas antes de quién te vas a enamorar", ha indicado.

De Lorca a Moby Dick

Si en 'La piedra oscura' Lorca inundaba el texto del autor jiennense, en 'Ushuaia' es la literatura de viajes del siglo XIX la protagonista, con influencia especial de Joseph Conrad, Jack London o Herman Melville. De hecho, en la obra habrá una ballena en escena que recuerda a Moby Dick, de este último escritor.

"Es una obra de aventuras, donde hay un entramado de raíces y un bosque helado. Alberto lleva este texto lleno de capas a esa literatura de viajes, la transforma y la hace suya para contar que en los confines remotos es donde las verdades afloran", ha defendido Fuentes, premio Max al mejor director en 2015 por 'Cuando deje de llover'.

El propio Conejero ha reconocido que seguirá "fiel a sus obsesiones" con esta nueva obra. La directora del Teatro Español, Carme Portaceli, ha afirmado que la elección de 'Ushuaia' responde al interés por un teatro "que no sea solo realista, sino con un halo poético, y con un lenguaje que te golpea".

Escrito por: Agencia
Fotografía: Teatro Español

El actor y director teatral Miguel del Arco llevará al Pavón Teatro Kamikaze desde este jueves 9 de marzo su adaptación de 'Misántropo', de Moliere, en la que se aborda la "relación del hombre con la verdad y la honestidad", que para el autor está "totalmente desaparecida" en la política actual.

"Los políticos usan una retórica indignante y que parte de la base de que el ciudadano de a pie es idiota. La verdad tiene muchos lados, pero en algunos casos es como es y los políticos han conseguido desarrollar una retórica en la que parece que nada importa. Sobre eso estamos construyendo esta ciudad y me parece terrible", ha señalado el autor.

Del Arco ha llevado el texto de 'Misántropo' a la sociedad actual --renunciando a usar versos alejandrinos del original, por ejemplo--, aunque siempre con la línea de "buscar una fidelidad con el autor" en las adaptaciones de clásicos. Israel Elejalde dará vida a Alcestes, quien decide aislarse para buscar la "libertad necesaria para ser un hombre decente".

Sin pelucas

"En la adaptación hay una fidelidad de espíritu, no literal, para que el ciudadano se sienta reconocido en la obra, algo que siempre fue el esfuerzo y la búsqueda del propio Moliere. No se es más fiel por poner a personajes con pelucas y caras blancas, porque te alejaría de lo que quieres contar", ha señalado.

Preguntado sobre su identificación con el personaje, Del Arco ha reconocido que no se ha "sentido en ningún momento" un misántropo, apostando por "el entendimiento" entre las personas antes que el aislamiento y el rechazo. "Estamos condenados a entendernos, aunque a veces resulte más cansino y complicado hay que intentarlo permanentemente", ha añadido.

Alcestes no era misántropo

De hecho, el director de la obra se identifica con el personajes de Alcestes, quien tampoco es un misántropo en el sentido estricto de la palabra, puesto que "siempre quiso volver a la sociedad". "Él quiere cambiar, buscando una nueva manera de relacionarse desde la honestidad, pero se pega un batacazo por amor", ha apuntado.

En cualquier caso, Del Arco ha alertado de que el ser humano "nunca podrá encontrar la verdad absoluta" porque "el cambio es algo constante" en su condición. "Por más que uno intente ser honesto consigo mismo, hay situaciones y compromisos que hacen que la verdad no sea duradera. En cualquier caso, yo creo en lo que decía Machado: 'Tu verdad no, la verdad. Y sal conmigo a buscarla", ha concluido.

'Misántropo' lleva más de tres años en escena girando por distintas ciudades españoles y su regreso a Madrid supone un refuerzo de la apuesta del Pavón Teatro Kamikaze por "convertirse en un teatro de repertorio". "Esto nos permite que las nuevas generaciones puedan disfrutar de un montaje que ha tenido cierto éxito".

Escrito por: Agencia
Fotografía: Eduardo Moreno

El dramaturgo César Oliva dirige en Madrid 'Las bicicletas son para el verano', obra con la que el teatro Fernán Gómez celebrará su 40 aniversario, que regresará al escenario catorce años después de su última reposición.

"Necesitamos enfoques distintos sobre la Guerra Civil que enriquezcan cualquier discurso", ha manifestado Oliva este miércoles 8 de marzo durante una entrevista con motivo de la puesta en escena de esta obra, que podrá verse en el teatro madrileño desde este jueves día 9 hasta el próximo 30 de abril.

La obra cuenta los avatares de una familia de clase media en Madrid durante la Guerra Civil y se enfoca principalmente en la perspectiva de Luis, el chico que pide a sus padres una bicicleta para ese verano del 1936.

En palabras del dramaturgo, la habilidad de Fernán Gómez está en narrar esta historia "en clave de comedia" porque muestra la visión de "una familia de clase media normalita sin ninguna implicación política que vive los avatares de la Guerra Civil desde el comedor de su casa".

"Esa habilidad le da también una vigencia extraordinaria porque no hay día en el que no aparezca un tema relacionado con la memoria histórica", ha resaltado Oliva, quien considera que nunca se habla demasiado acerca de este asunto. "Es raro el año que no se estrena una película o se publica una novela sobre la Guerra de Secesión de Estados Unidos", ha argumentado.

Modernidad y simbolismo

Según ha explicado, la novedad de esta puesta en escena reside principalmente en la "eliminación de elementos secundarios" para dar "más valor" a las historias de la familia que protagoniza la obra y mostrar su "conflicto vital", por lo que se han eliminado escenas y se ha reducido la duración final.

Asimismo, hay una "búsqueda de elementos simbolistas que evitan el peligro del costumbrismo y del casticismo que suele estar detrás de muchas escenas", que además consigue una obra "más moderna y accesible, que llegue de una manera más rotunda al espectador".

En cuanto al decorado, ha señalado que lo primero que ve el espectador es un escenario vacío con muebles al fondo, como parte de una "posible idea soñada" que lleva a pensar que hay aspectos "en el fondo de la memoria" que van a apareciendo.

El teatro Sanpol de Madrid estrenará el próximo domingo el musical 'Aladino y la lámpara' que podrá verse hasta el 9 de abril. Se trata de una nueva versión musical, a cargo de la Compañía La Bicicleta, de los cuentos de las 'Las mil y una noches' ambientada en un Oriente Mágico.

La música está compuesta por H21, el mismo equipo de producción de 'La isla del tesoro' y que también realizaron la versión de la 'La flauta mágica' de Mozart con la que el teatro Sanpol obtuvo el Premio Gran Vía al mejor espectáculo familiar del año 2007.

En el reparto de 'Aladino' figuran algunos de los integrantes de La Bicicleta, compañía que puso en escena 'Caperucita Roja', que ha obtenido un gran éxito de público esta temporada.

El inquieto e idealista Aladino estará interpretado por Quim Capdevilla; la hermosa princesa Badulbudur por Adriana Vaquero; el rey juguetón por Víctor Benedé, la valerosa madre por Natalia Jara, el visir por Miguel Cazorla y el genio de la lámpara por Carlos London. Personajes que, junto a otros de la fábula oriental y a alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos, y a genios de mal genio, parecen surgir de una lámpara encantada.

La obra se pondrá en escena a partir de este domingo, 12 de marzo, a partir de las 17,30 horas.

El Teatro de la Comedia de Madrid acoge, desde el próximo día 8 hasta el 26 de marzo, el drama político 'La judía de Toledo' de Lope de Vega, versionada y dirigida por Laila Ripoll, que define al texto como "Lope en estado puro". El espectáculo se representa con motivo del 25 aniversario de Micomicón Teatro, que coproduce la obra junto a la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La obra ha sido presentada este lunes 6 de marzo por Laila Ripoll, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, y los actores Manuel Agredano, Federico Aguado, Ana Varela, Mariano Llorente, Elisabet Altube, Teresa Espejo, Marcos León y Jorge Varandela.

El texto de Lope de Vega, que este año cumple su 400 aniversario, es, según Laila Ripoll, un drama político donde los hombres de poder se comportan de manera reconocible en muchas actitudes que se pueden ver hoy, algo que "interesa" e "inquieta" a la directora.

Además, Ripoll ha afirmado que en este texto "espléndido" hay un espectáculo posible lleno de "lecturas complejas, momentos desconcertantes, deslumbrantes de belleza e inquietantes", y que se trata de una obra "muy política y de amor", con un "aire de misterio sobrenatural" que la hace "muy interesante".

Por otro lado, la directora ha comentado que han situado la obra en un "pasado cercano", en los años 60 y 70, ya que no "resultaba interesante" situarla en la actualidad. "Sin tocar el texto no chirría que vayan vestidos más o menos contemporáneos", ha añadido.

Para Ripoll, se trata de una historia "de poder, de amor y de misterio", de un drama político en el que el rey hace "vejación" de sus funciones por estar con su amante, una temática que, a su juicio, "a cualquiera le llama".

En la misma línea, Helena Pimenta ha comentado que como no se trata de un texto "cotidiano" permite que el público alcance un conocimiento y una sensibilidad que "no tiene en su vida normal".

Asimismo, ha manifestado que se trata de uno de los espectáculos "más esperados y más queridos", ya que es un "grandísimo" espectáculo y un título "absolutamente necesario".

Por otro lado, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha destacado que es un "honor" recibir a Micomicón y compartir esta producción y que es una "delicia" apuntarse con ellos al desarrollo del proyecto.

Por su parte, el actor Mariano Llorente, que da vida a Garcerán Manrique, ha dicho que en el teatro hay lenguajes y signos, como el vestuario, que se "superponen y conviven" en el espectáculo para darle una "mayor riqueza" y que añaden "otras cosas" al teatro.

De este modo, Llorente ha añadido que con este montaje el espectador va a percibir algo "más rico" que si se hubieran vestido con "calzas y bolillas".

Escrito por: Agencia
Fotografía: Masescena