Así es que este paso del ecuador tiene un significado especial para la sala de Oruña de Pielagos, ya que la Red que integran, surgió en plena pandemia de 2020 como un ejercicio de solidaridad y apoyo mutuo entre las entidades que la formaron, habiendo servido ya de instrumento para realizar varios proyectos internacionales tanto on line, como presenciales.
VIERNES 16 Medea Treno
El mito griego desde una mirada actual y comprometida. Teatro de objetos y actor.
Acercarnos a Medea nos obliga a despojarnos de todos los prejuicios morales que podamos acumular hacia ella: traición a su padre, muerte de su hermano, asesinato de su rival y su padre, infanticidio de sus hijos… todo ello, espantoso para una moral construida para la convivencia social, puede dejar de serlo desde la perspectiva dramática.
Medea no es “una mujer”, un individuo cercano sino un medio para simbolizar determinados aspectos de la condición humana. Sus palabras no son comunicación de ideas, ni sus gestos esclarecedores de su estado de ánimo ni claves cognoscibles entre seres naturales.
Lo que le rodea; luz, sonido, dejan de ser elementos explicativos para nuestro entendimiento habitual, el movimiento intensifica el gesto con el baile y el sonido con la música traductora de los sentimientos más íntimos que sólo desde nuestra “humanidad” no reconoceríamos. Lenguaje de gestos y palabras que espanta lo genérico haciéndose particular, única para poder ser universal, mujer-hombre, fuera de género y de ataduras sociales.
Medea es vieja, siempre ha sido vieja, podríamos decir que siempre conoció su destino, trágico destino y se limita a cumplirlo, a ejecutarlo sin remisión y sin obviar su ministerio en la vida alejada de la comodidad exigida para llevar una existencia aparentemente feliz. Medea se enfrenta a todo, o mejor decir, disfruta todo, saborea todo. Y aquí tenemos de nuevo ese Amor fati que nos remite una y otra vez a la responsabilidad de nuestras acciones.
La necesidad de destruir las bases de la moral que impiden que la afirmación se constituya en la forma de vida del ser humano que ahora carga con la comodidad de sus costumbres. Medea desbarata “lo sagrado” en su acepción moral, ética, política, social, jerárquica, familiar, maternal. Ruptura con las formas de
Interprete, versión y dirección Rafael Benito
Basada en el texto de Medea de Eurípides, La Ilíada de Homero, poemas de Keats, Holderlin, Rilke, M. Yourcenar, Nietzsche.
Música: J. S. Bach, Beethoven y Monteverdi.
Alauda Teatro
La compañía surge por iniciativa de Rafael Benito tras licenciarse por la Real Escuela de Arte Dramático de Madrid, haber ampliado sus estudios y desarrollado una intensa labor profesional.
En el año 1992, eligiendo un lugar más acorde con nuestras expectativas creativas, fijamos nuestra residencia en el pueblo de Salazar, en Burgos. Lugar, donde nuestra labor teatral ha madurado y desde donde hemos producido más de veinte montajes teatrales, y preparado los cursos, tanto de teatro, construcción de títeres como de Interpretación escénica para Cantantes Líricos e Instrumentistas que hemos impartido.
A partir del año 1997 la Compañía, antes denominada Ara-Universo, pasa a llamarse Alauda y a ampliar su quehacer teatral con la utilización de marionetas. Un año intenso en el que sentamos las bases de nuestro actual trabajo, y cuyo resultado fue el montaje de “Woyzeck”. A partir de ese momento nuestra trayectoria ha seguido creciendo y asentándose tanto en la vertiente del teatro de marionetas como en el puramente actoral.
Apoyados en una cada vez más estable trayectoria, a finales de 2005 decidimos crear una Sociedad Limitada que potencie nuestra labor empresarial y afiance e incremente nuestras exigencias de calidad para con nuestros futuros espectáculos.
En el año 2010 empezamos a idear lo que será una realidad en el año 2011 como es la creación de un espacio escénico propio, autónomo y móvil que permite a la compañía presentar sus espectáculos fuera de los circuitos convencionales de teatro.
La labor pedagógica que comentábamos al principio, merece una especial atención:
– Los cursos teatrales se han desarrollado por toda la geografía española como por el extranjero.
– Los cursos de construcción de títeres han abarcado técnicas tan diferentes como la del muñeco tradicional de guante, pasando por la marioneta de hilo y títeres de vanguardia
– Los cursos “Música en Escena”, de los que se han realizado cinco ediciones, y por los que han pasado cantantes de toda España, ha sido una innovadora propuesta que ha alcanzado un merecido reconocimiento al realizarse la última edición, por el momento, en la Cátedra de Canto del Conservatorio Superior de Bilbao, Juan Crisóstomo Arriaga.
Nuestro interés por el desarrollo infantil ha hecho que prestemos especial atención a la elaboración de cuidadosos cuadernos pedagógicos de nuestros espectáculos utilizados en las campañas escolares realizadas por todo el país. Estos sirven al propósito de concienciar al niño en las aulas antes de asistir a las representaciones y proponer un posterior trabajo de reflexión tras el visionado de las obras.
Desde el año 2012 organiza y dirige el Festival de Títeres de las Merindades, que en sus ocho ediciones cumplidas en el 2019, ha acogido 182 representaciones de 46 compañías de títeres de prestigio internacional y han disfrutado un total de 39.000 espectadores.
El Festival de Títeres de Las Merindades ha sido elegido, entre los festivales más prestigiosos de España, PARTNER activo de TITEREDATA, estudio a nivel nacional del estado del sector de los títeres
En el año 2017 abre el Teatro La Realidad, un espacio cultural dedicado e las artes escénicas: teatro, títeres danza y música.
En el año 2018 abre el Taller de Marionetas en Medina de Pomar, local destinado además de para taller de construcción de marionetas y escenografías de la compañía y exposición de las mismas, para la realización de cursos y talleres de talla en madera y construcción de títeres así como de manipulación.
SÁBADO 17. Parajanov. La Celebración de la vida de Asta Teatro. Portugal
Una coproducción a tres bandas, que se representa en portugués, armenio y español.
El espectáculo escrito y dirigido por Pati Domenech toma como punto de partida la figura del genial cineasta armenio Serguei Parajanov, que sufrió una pertinaz persecución durante más de treinta años por parte de las autoridades soviéticas.
El actor portugués Sergio Novo dará vida al director, mientras que María Vidal, Carmo Teixeira y Narine Grigoryan interpretaran en video los papeles femeninos de las obras de Shakespeare que completan la nómina de personajes de la obra.
La historia de los sombreros
Este hombre, imperturbable celebrador de la vida siempre mostró una sonrisa de enigmática esperanza ante los más graves acontecimientos de su existencia, de hecho, mientras sufría una persecución permanente por las autoridades soviéticas se le iluminaba la cara al decir que “Mi venganza será el amor.
La segunda esposa de Paradjanov fue una conocida actriz georgiana que lamentablemente murió con apenas cuarenta años.
El hecho es que Paradjanov confeccionó una serie de sombreros para los personajes que Svletana Ivanovna, su segunda esposa no pudo representar en el teatro debido a su muerte repentina.
Esta ocurrencia del genial artista es el origen de la historia que se cuenta en “Paradjanov. La celebración de la vida”.
Ficcionalizando la anécdota real, construimos un universo shakesperiano en el que tres de los personajes femeninos más importantes del bardo, serán aquellos que su esposa, tal como pudiera ocurrir con cualquier otra actriz serán los sujetos a quien adornaran los sombreros confeccionados por Paradjanov.
Lady Macbeth, Desdémona y Julieta, que personifican tres edades y tres concepciones de mujer diferentes, antagónicas y complementarias a la vez, que para nuestra historia resultan extremadamente atractivas.
Pero no es nuestra intención realizar una reconstrucción clásica de los personales shakesperianos, ni mucho menos, si no dotarlos de una personalidad nueva acorde con el tiempo que nos ha tocado vivir.
Así cono Paradjanov fue un trasgresor de las normas creativas, sociales e ideológicas de su momento, tanto nivel formal, como conceptual y estético, nosotros dotaremos a los personajes de un enfoque nuevo y sorprendente que les permita ser observados desde una óptica comprometida y provocadora con los problemas de la mujer actual.
Queremos que la propuesta sirva para que este nuevo enfoque redimensione las circunstancias vitales de estas tres mujeres, que dignifique su condición de víctimas de una sociedad patriarcal en el que el papel de la mujer no deja de ser supletorio, y desencadenante de la tragedia como es el caso de las tres obras que nos ocupan, solo por el hecho de ser mujeres. En una de forma activa y en otras de forma pasiva, pero en todos los casos elementos desencadenantes de males mayores, por su condición femenina, como si esto fuese un juicio inapelable en el que nada hay que discutir.
Así pues los protagonistas de nuestra historia serán tanto el propio Paradjanov, sometido a kafkianos interrogatorios, con acusaciones inauditas, que ahora provocarían risa, o incredulidad, su permanente represión y censura, sus repetidos encierros, pero también y si cabe con mayor contundencia su amor inagotable a la vida, a sus esposas, al cine, a la escultura, a la pintura y su enorme capacidad de crear poesía y un universo único, excepcional y nuevo a través incluso de materiales grotescos y degradados.
Sobre el montaje
El montaje adopta la forma de “Unipersonal-multimedia-coreográfico”
Unipersonal porque es solamente un actor en el escenario, pero no con un desarrollo como monólogo, o soliloquio sino como una única presencia real, física actoral que dará cuerpo al propio Paradjanov, situado en un entorno onírico, a veces real a veces imaginario, pero siempre poético y evocador.
No olvidemos que no se trata de un biopic sobre el genial cineasta armenio sino de una recreación ficcional de una posible historia que emana de una de sus creaciones.
Multimedia porque nos servimos del video para dar vida a los tres personajes femeninos de las tragedias de Shakespeare. Y esto es así porque el video sitúa a estos personajes en otro nivel comunicativo, usando otro lenguaje que refuerza el plano onírico en el que se mueven, como fantasmas de un futuro posible que nunca llegará a ser realidad.
Este entorno multimedia permite también dimensionar la historia a caballo entre el teatro y el cine en el que tratamos de utilizar el mismo estilo vanguardista de las películas del autor, y también tener en cuenta esa mirada suya al cine mudo en el que las escenas se desarrollan a modo de tableaux vivants y que tan efectivas poéticamente resultan en sus obras, como en el caso de las maravillosas escenas estáticas de Sayat nova en las que apenas hay movimiento de cámara.
Coreográfico. Más aun es en el terreno coreográfico donde alcanzamos esa dimensión épica que caracteriza la puesta en escena de las películas del maestro donde todo se desarrolla con precisión milimétrica, donde lo gestual y lo corporal alcanzan nuevas significaciones metafóricas.
Los personajes femeninos se caracterizan y visten como los de los personajes de Sayat Nova. La madre, la doncella del entierro etc. servirán de inspiración para los trajes que visten Lady Macbeth, Desdémona o Julieta.
Son tres actrices diferentes las protagonistas de cada escena lo cual refuerza la idea de trascurso de tiempo y de capacidad transformadora de los tocados diseñados por Paradjanov.
La música es otro de los elementos fundamentales en el desarrollo de la pieza ya que como vemos en Sayat nova esta resulta imprescindible como elemento de apoyo al discurso narrativo y con una sonoridad que lo llena todo.
Ambas citas a las 19,30 hs en la Teatrería de Abrego.
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