El dramaturgo y director suizo Milo Rau estrena en España Orestes in Mosul, donde traslada la Orestíada, de Esquilo, al paisaje devastado de la antigua capital del Estado Islámico para trazar un paralelismo con la tragedia griega
La compañía catalana Mal Pelo comenzará la semana de festival con la pieza de inspiración musical On Goldberg Variations / Variations, mientras que el dúo formado por el dramaturgo Andrew Bovell y el director Julián Fuentes Reta exhibirá la trama de conflicto familiar Las cosas que sé que son verdad
De Latinoamérica llegan Claudio Tocachir con Próximo y Sergio Boris con Artaud, mientras que la dramaturga y directora española Sara Molina presenta el estreno absoluto de su Comedia sin título en el marco de la celebración del Año Lorca 2019
La pionera de la danza-teatro Ana Vallés, de Matarile, despide con Teatro invisible su trilogía mostrada en esta edición y el director Carlos Tuñón lleva a escena con [los números imaginarios] la pieza inmersiva de 12 horas Hijos de Grecia
Los creadores María Muñoz y Pep Ramis, de la compañía Mal Pelo, abrirán fuego el martes 26 de noviembre con su trabajo On Goldberg Variations / Variations, una pieza con vocación de investigación musical que han dedicado a John Berguer por su inspiración y mirada. Por su parte, el argentino Sergio Boris estrenará en España Artaud, donde un episodio del poeta y dramaturgo francés inspira un texto que, sin embargo, recorre solo su propio camino para fotografiar los sentimientos humanos en periodo de debacle. Avanzando la semana, el jueves 28 de noviembre, le llegará su turno del dramaturgo bonarense Claudio Tolcachir con Próximo, donde ahonda sobre la forma en la que las personas se relacionan y sienten en la actualidad, a menudo fruto de conexiones lejanas sin posibilidad en muchas ocasiones de presencia física. De nuevo, Tolcachir buscará conectar al espectador con su entorno.
Por su parte, Sara Molina presenta el estreno absoluto de su Comedia sin título en el marco del Año Lorca 2019. Y, afrontando el último fin de semana del festival, hará aparición el tándem formado por el dramaturgo Andrew Bowell y el director Julián Fuentes Reta. Ambos presentan Las cosas que sé que son verdad, una propuesta sobre las complejas relaciones familiares en un contexto marcado por las expectativas no cumplidas y la lucha por forjar un futuro mejor a las siguientes generaciones. También durante el fin de semana, el festival propone una experiencia inmersiva con la pieza de12 horas Hijos de Grecia, perpetrada por la compañía [los números imaginarios], con el director de escena Carlos Tuñón al frente.
Paralelamente, la pionera de la danza-teatro en España Ana Vallés, tras más 30 años a la vanguardia de la escena patria junto a su compañía Matarile, cerrará la trilogía exhibida en el festival con Teatro invisible. Y, por último, el azote político y dramaturgo suizo Milo Rau, actual director artístico del NTGent de Bélgica, estrenará en España Orestes in Mosul, trabajo con el que cumple su compromiso de hacer del teatro una herramienta visibilizadora de conflictos actuales que, como se podrá ver en esta pieza de inspiración clásica, no distan de las atrocidades acontecidas en el pasado.
Un repaso al programa de la tercera semana del Festival
On Goldberg Variations / Variations (Teatros del Canal, 26 y 27 de noviembre, 20.30h). Las variaciones Goldberg es una composición musical para piano ideada por Bach en 1741, formada por un tema único, aria, treinta variaciones y un reprise del aria. Lo que las liga a todas ellas no es una melodía común, sino un fondo de variaciones armónicas. A su vez, el compositor e intérprete franco-americano Dan Tepfer (París, 1982) sugiere las Variaciones Goldberg combinadas con sus propias variaciones improvisadas. El desafío de Mal Pelo en On Goldberg Variations / Variations se basa, precisamente, la reinterpretación de Dan Tepfer.
Artaud (Sala Cuarta Pared, 26, 27 y 28 de noviembre, 21.00h). Sergio Boris toma como referencia las cartas que el poeta y dramaturgo francés Antonin Artaud escribió a su médico desde el sanatorio de Rodez para abordar, desde un relato más próximo en el tiempo, la realidad que se presenta en un viejo hospital psiquiátrico en decadencia, ahora reconvertido en un aparcamiento. Pero cualquier referencia a Artaud queda a un lado en favor de la búsqueda de un mundo autónomo donde el dolor y la ridiculez se dan la mano.
Próximo (Teatro de La Abadía, 28, 29 y 30 de noviembre, 20.30 h, y 1 de diciembre, 19.30h). Con texto y dirección del afamado dramaturgo argentino Claudio Tolcachir, Próximo se cuestiona en la era de las nuevas tecnologías sobre la conexión entre emoción y presencia física, abordando las relaciones a distancia y los vínculos que se construyen a cientos o incluso miles de kilómetros. Una pieza del maestro argentino que indaga sobre la identidad, la soledad, el miedo a mostrarse y el cambio de paradigma en las relaciones. En ella se aborda también cómo la comunicación a través de dispositivos permite a los que se conectan mantenerse a distancia, protegidos de todo compromiso.
Comedia sin título (Teatros del Canal, del 29 de noviembre al 1 de diciembre). En el marco del Año Loca 2019, la dramaturga y directora Sara Molina presenta esta obra, que ella misma define como: ”Comedia sin título es una pieza inacabada, interrumpida, premonitoria en lo que se refiere a los hechos que relata. Está dividida en tres actos, de los que solo tenemos el primero, un fragmento que usamos como dispositivo. Ningún intérprete es un personaje en concreto, entre los más de diecisiete que propone la pieza. Nuestra propuesta fragmenta el texto, repite escenas, es tragicómica. Es un continuo diálogo con lo que quedó escrito y lo que falta, que se hace palabra viva, elocuente, equivocada, misteriosa, necesaria o superflua. Nuestra. Contemporánea. El segundo y tercer acto van a ser escritos sobre la página en blanco de la escena, en un ahora elaborado y reflexivo, pero, al mismo tiempo, lleno de aventura. Serán escritos de tal manera que puedan después ser borrados y permitan al pensamiento mantener su compromiso con la pieza. Testimonio de un reencuentro. Exhibición de algo íntimo. De lo que falta, lo que no está, lo inconcluso, las palabras de otro. La dimensión íntima y la política se unen en la estructura, en la intención y en la extensión. Y, en ese anudamiento, algo de la singularidad de cada participante emerge en el corazón del discursivo escénico”.
Las cosas que sé que son verdad (Teatros del Canal, 30 de noviembre, 20.00h, y 1 de diciembre, 18.30h). Ganadores de los premios Max a la Mejor Obra Teatral y a la Mejor Dirección en 2015 con el espectáculo Cuando deje de llover (que también se alzó con el Max a la Mejor Actriz Secundaria), el dramaturgo Andrew Bovell y el director Julián Fuentes Reta coinciden de nuevo en un proyecto teatral que sitúa los mecanismos familiares en el centro de su eje argumental. Bovell firma un texto que parte de los esfuerzos de cuatro hijos por ser sí mismos, más allá de las expectativas proyectadas por sus progenitores, que han trabajado muy duro a lo largo de su vida con el fin de forjar un futuro lleno de posibilidades para su prole: las que ellos nunca tuvieron. La obra presenta un retrato complejo e intenso sobre las relaciones del núcleo familiar, destapando las fisuras que ponen en cuestión aquellos lazos que aparentaban ser firmes.
Hijos de Grecia (Teatro de La Abadía, 30 de noviembre y 1 de diciembre, de 11.00 a 23.00h). Una de las compañías más celebradas de la escena española actual, afamada por sus creaciones de teatro inmersivo y experimental, propone 12 horas de una singular y única tragedia griega. Hijos de Grecia es la propuesta la compañía [los números imaginarios], bajo la batuta de su joven fundador y director de escena, Carlos Tuñón, presentará al estilo de las antiguas celebraciones dionisíacas y barrocas, con las puertas del teatro abiertas de la mañana a la noche, de 11.00 a 23.00 horas. Con dramaturgia de Gon Ramos, en Hijos de Grecia, el espectador se convertirá en parte activa del discurso, un atractivo experimento escénico que combina textos clásicos con situaciones contemporáneas. El montaje, cuyo estreno absoluto tuvo lugar el verano de 2018 en el marco del Festival Clásicos de Alcalá, recibió una calurosa acogida del público y la crítica.
Teatro invisible (Réplika Teatro, 30 de noviembre y 1 de diciembre, 20.00h). Este trabajo de la compañía Matarile, cuyos fundadores son Ana Vallés y Baltasar Patiño, habla del teatro que no se ve, del que no se escribe ni se habla. La pieza nace tras un parón de tres años en los que optaron por distanciarse de la escena para poder recuperarla. La pieza está considerada como una de las creaciones más personales de la prolífica Ana Vallés y va más allá de la palabra. Profundiza en una de las cuestiones sobre las que Matarile ha investigado y experimentado en sus más de 30 años de trayectoria: es un encuentro íntimo y directo con el público, en el que la creadora se sincera explícitamente con el espectador, para exponer unos relatos ucrónicos, sobre hechos no sucedidos pero que habrían podido suceder, mezclados con acontecimientos reales, soñados o deseados.
Orestes in Mosul (Teatros del Canal, 30 de noviembre, 20.30 h, y 1 de diciembre, 19.30h). Cuando en 2018 fue nombrado director del NTGent, Rau hizo públicos los puntos del manifiesto por el que se regiría su proyecto artístico. Entre ellos, el que exige que al menos una producción por temporada debe ensayarse o representarse en una zona de guerra. Un intento de llevar la maquinaria teatral allá donde realmente se necesita. En ese contexto surge Orestes in Mosul, que traslada la Orestíada al paisaje devastado de Mosul, en el norte de Irak, antigua capital del Estado Islámico, trazando un paralelismo –sin adornos, casi con vocación periodística–, entre la Troya arrasada y el Mosul destrozado; entre Agamenón, que sacrificó a su hija Ifigenia para ganar la guerra, y las mujeres, niños, homosexuales y civiles que fueron asesinados por los combatientes del Estado Islámico. Estrenada en Mosul en marzo de 2019, con dramaturgia de Stefan Bläske y un elenco internacional de actores iraquíes y europeos, Orestes in Mosul presenta una Orestíada para la actualidad con la que demostrar la vigencia de la sangrienta tragedia de Esquilo, considerada uno de los mitos fundacionales de Occidente.
Un Festival abierto y cosmopolita que homenajea a Helena Almeida
Un total de 27 espectáculos y más de una decena de experiencias escénicas a cargo de artistas y compañías provenientes de 11 países (España, Bélgica, Argentina, Francia, Lituania, Polonia, Chile, Suecia, Suiza, Italia e Israel) conforman este 2019 el cartel del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. La cita escénica regresa a nuestros escenarios del 15 de noviembre al 1 de diciembre para celebrar su 37º edición en 10 espacios de referencia: los Teatros del Canal, el Teatro de La Abadía, la Sala Cuarta Pared, el Teatro Pradillo, El Pavón Teatro Kamikaze, La Casa Encendida, el Corral de Comedias de Alcalá de Henares, Réplika Teatro, la Sala exlímite y el Museo del Prado. Figuras tan imprescindibles como Maja Kleczewska, Milo Rau, Alain Platel, Claudio Tolcachir, Julián Fuentes Reta, Markus Örhn, Mal Pelo, Massimo Furlan, Claire de Ribaupierre, Fernando Rubio o Will Keen son algunos de sus platos fuertes.
Cinco estrenos absolutos, nueve estrenos en España y nueve estrenos en Madrid se dan cita en una programación que apuesta por el teatro, la danza contemporánea y la performance, pero también por diferentes e interensantes formatos como el teatro visual, las instalaciones -escénicas o cinematográficas-, la música y el teatro documental. Este 37º Festival de Otoño contará, además, con una serie de experiencias creativas como seminarios que finalizan con muestras abiertas al público, conversaciones y encuentros con los creadores, paseos por el Museo del Prado de la mano de un creador escénico, teatro inclusivo y artistas en residencia.
Este 2019, el festival nos invita a descubrir, dentro y fuera de las fronteras españolas, a creadores que buscan trasgredir los límites formales y filosóficos del arte, cuya imaginación y cuyo compromiso vital invitan a reflexionar acerca del mundo en el que vivimos, construyendo nuevos relatos o revisitando a los grandes clásicos, ya sea desde el humor o bien desde lo trágico. Carlota Ferrer se ha estrenado como directora artística de un festival que “busca ser un espacio en el que todos los públicos se sientan interpelados. Un festival donde las fronteras generacionales no existan. Un lugar para el diálogo. Una cita en la que convivan lo mejor de la escena nacional e internacional”.
Este 2019, el Festival de Otoño ha querido homenajear a la artista portuguesa Helena Almeida (1934 – 2018), fallecida el pasado año. De ella se ha dicho que es «difícil de encasillar”. No es fotógrafa, ni pintora, ni escultora. No hace performance, pero, sin embargo, lo hace todo a la vez. Con su trabajo, abrió un horizonte experimental extraordinario, a partir del cual el espectador puede transitar con emoción por aquello que está por llegar. El humor está sutilmente implícito en sus creaciones, como también lo están los tintes dramáticos. Esto hace que su obra sea ambigua y dual, no solo por la libertad con la que emplea las técnicas, sino también por el trasfondo intangible desde el cual asoman inquietantes sacudidas.
Las entradas de este 37º Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid están ya disponibles a través de las páginas webs y en las taquillas de cada teatro. Asimismo, es posible consultar la programación completa en la web oficial del festival www.madrid.org/fo.
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